본고는 De Man의 “Image and Emblem in Yeats”를 중심으로 그의 Yeats 읽기를 고찰한다. De Man은 Yeats의 시적 발달을 두 가지 종류의 figurative language 즉, image와 emblem 사이의 긴장이 만들어내는 과정의 연속으로 본다. Image가 자연적인 것들의 재현 혹은 모방에서 그 의미를 얻는다면 emblem은, Yeats의 말을 빌리면, “자연적인 권리에 의하지 않고 전통적인 권리에 의해”(by a traditional and not by a natural right) 그 의미를 얻는다. 여기서 “전통적 권리에 의해”라는 의미는 사회적이나 관습보다는 물질로 매개되지 않은 神 (the divine)에 의해 의미가 결정된다는 것이다. 이런 두 figurative language에 대한 기본적인 정의를 한 후, 자연의 모방 내지 재현이 Yeats에 의해 거부되는 이유를 제시한다. 다음으로 그 대안으로 Yeats가 개발한 emblem의 여러 가지 양상을 고찰한다. 그 양상은 신이 자신을 emblem에 드러냄과 사라짐과 밀접한 관계를 맺는다. 이 관계가 설정된 후 image와 emblem사이의 갈등을 살피는 데, 이 갈등은 실은 emblem 내부의 갈등이라는 것을 밝혀진다. 마지 막으로 image, emblem, 그리고 the divine사이의 복잡한 관계를 Vacillation 의 한 stanza를 분석함으로써 예증한다.

To Yeats, as Mario Praz remarks in The Romantic Agony, sex was “the mainspring of works of imagination”(vx). This paper is an attempt to read Yeats’s “A Woman Young and Old” in terms of poetic representations of feminine sexuality and gender. All written in years 1929 through 1931, the sequence of eleven poems deal with the problems of female body and desire in a repressive patriarchal society. The first and introductory part of the paper briefly surveys the social and cultural background of the poems. The centrality of the subject of feminine sexuality and gender in these poems shows that Yeats saw the social and cultural repression of women and their sexual desire as one of the serious and urgent problems facing Ireland at that time. In Ireland of the 1920s, where the new national frame was being created under the hegemony of the Catholic Church and the middle class, the general attitude toward the women’s position and role and their sexual expression was very conservative and repressive. The main part of the paper closely reads the poems of the sequence, from “Father and Child” in which a daughter boldly asserts sexual freedom in defiance of her father’s opposition and criticism, to “From the ‘Antigone’” which shows another daughter defying the authority of king for the sake of filial love and the freedom of conscience. In reading the poems, this paper tries to show how Yeats’s awareness and affirmation of the female body and desire is expressed in his criticism of the repressive sexual morality and culture of the Irish society, especially the Catholic Church. In opposition to that sexually repressive and ascetic culture, he shows women’s body and sexual desire in such a bold and affirmative way that the poetic expression itself turns out to be an effective critique of that culture.

이 논문은 Yeats의 두편의 초기시를 분석한다. Yeats는 학자들 사이에 잘 알려져 있듯이, 자신의 시에 끊임없이 수정을 가하였다. 대부분의 학자들은 마지막에 Yeats 자신이 수정하고 배열하여 간행한 The Collected Poems를 “final”한 것으로 간주하며, 당연히 여기에 실린 시가 초기의 것 보다 우수 한 것으로 간주하는 경우가 많다. Richard Ellmann의 분석도 예외가 아니었다. “The Ballad of Moll Magee"는, 그에 의하면, 열등한 시이나, 본 논문에서 분석한 바로는 그의 주장이 옳지 못함을 보여준다. 특히, “The Ballad of Father Gilligan”에서 Yeats가 들춰내려고 한 종교의 가식을 풀어낸다. 이 시는 Yeats에게서는 좀처럼 보기 힘든, humor가 흥미롭게 담겨있다. Gilligan 신부는 신앙심이 무척 두터우면서도, 극히 인간적인 것으로 묘사된다. 임종을 지키는 신부의 일이 지나치게 많아지자 심신이 피곤해져, 자신도 모르게 불평하고, 다시 깜짝 놀라 하나님께 사죄한다. 이러한 Gilligan의 인간적 면모는 다시 한번 마지막 두 연의 기도에서 나타난다. 자의적으로 하나님의 뜻을 풀어 간 것에도 우리의 미소를 자아내게 한다. Gilligan이 자신도 모르게 빠져든 잠깐의 잠에서 놀라 눈을 뜨고 말을 달려, “새처럼 즐겁게”(as merry as a bird) 죽은 그 여인의 남편의 소식을 접하는 장면들의 묘사에서는 종교에 대한 Yeats의 풍자적 체취가 느껴지기까지 한다. 즉 앞 연들에서 보인 무의식적인 Gilligan의 인간적인 면모에 종교로 다듬어진 Gilligan의 의식을 대비시킴으로써 이러한 종교적 가식을 들춰 내려한 것이 Yeats의 의도였는지 모른다. 왜냐하면, 마지막 두 연에서 이 두 의식이 두 행씩으로 대비되어 있는 것을 미루어도 알 수 있는 사실이다. 결론적으로, 이 논문에서 다루어진 Yeats의 초기 시들은 일부 평론가들의 주장처럼 열등한 시가 아니다. 도리어 수정하지 않은 시들에서 보다 더 미묘한 시적 묘미가 더 살아 있는 것 같다.

Yeats's "The Wind Among the Reeds" shows that the sound/voice he finds in the reeds of his mind is reshaped at the first phase as the host(ghost) of the air and at the later phases as a specific object, such as a Perfect/White Beauty. In the present valley where the passion of the Shadowy Horse runs rampantly, the poet yearns for the unappeasable host(ghost) to be animated or transformed into a meaningful expression, the soul of language, and its own self-expression. This repetitive images have three self-expressive entities: Speaker, Hearer, and Dreamer. The dreamer mourns and pleads for the ideal objectivity of his beloved Beauty, and speaks to the blessed. By speaking or expressing, he transforms himself into a creative speaker. He speaks out his heart, moods, love towards the Secret Rose. At the same time he hears himself. The signifier of the speaker reiterates itself as the signified for the hearer. The hearer, losing all travail of passion and windy voices, understands his own passivity and past greatness. This dual process of "speaking himself hear" and "hearing himself speak" turns out to be "auto-affection". The external love toward the Beauty reverses to the internal love. It is the absolute reduction of his poetic mind and purity to fit for univesality. His subjectivity, voices, consciousness, and passions, by way of the immediate repetition/reduction/auto-affection, turn ino heart-rendering poetry of affectivity and universality. It is one of the elements that make his poetry great.

엘리엇의 『네 사중주』만이 담고 있는 내용의 난해성은 이미 잘 알려 져 있다. 그럼에도 불구하고 이 작품의 중심에는 기독교 사상이 자리 잡고 있다는 사실에는 많은 연구자들이 동의한다. 그래서 본 글에서는 기독교 사상 중에서 영의 세계와 육의 세계 그리고 영적 각성을 핵심어 로 설정하여 『네 사중주』를 감상해 보았다. 무엇보다도 엘리엇의 난해 한 시간 개념 역시 기독교 시각으로 접근하면 어느 정도 해독이 가능하 다는 사실을 알 수 있었으며 또한 『네 사중주』에 자주 등장하는 무시간 의 순간 역시 영적 시각으로 접근할 필요가 있다. 이와 같이 가시적이 며 물리적인 시간에서 해방된 영원하고 무시간적인 순간들을 엘리엇은 정점은 물론 춤과 영의 여름 등으로 구체화하고 있으며 이와 같은 순간 에 들어가기 위해서는 무엇보다도 자기 체념 혹은 자아의식의 제거임을 알 수 있었다.