루쉰의 ｢묘비문(墓碣文)｣에 대한 기존 연구가 간과했던 측면의 하나는 산문시가 지닌 문학적, 미학적 특성에 대해 충분히 주의를 기울이지 않았다는 것이다. 루쉰의 사상은 체계적이고 논리적인 개념이 아니라 예술적이고 시적인 형상으로 표현될 수 밖에 없는 특성을 지니고 있다. 이런 의미에서 “시화된 철학”이라는 용어로 루쉰의 사상을 개괄하는 것이 가능하다고 할 것이다. 이런 시화된 철학은 동서양의 철학사 상사에서 일반적 경향이라고 할 수는 없지만, 그래도 꾸준하게 있어 온 것이 사실이 다. 시화된 철학이라는 말은 시와 사상, 형상과 개념의 고도의 융합을 가리키는 것이 다. 시로 표현될 수밖에 없는 사상, 사상을 떠나서 존재할 수 없는 시, 이런 특이한 시와 사상은 그 예술적, 미학적 특징에 대한 텍스트 분석이 그대로 사상적, 철학적 의미에 대한 해석과 직결되는 놀라운 경험을 제공한다. 이런 의미에서 본고에서는 예술과 사상의 긴밀한 결합에 주목함으로써 ｢묘비문｣에 대한 기존 연구에서 간과되 거나 해석하기 어려웠던 문제들에 대해 하나의 새로운 해결책을 제시해 볼 것이다. 따라서 ｢묘비문｣에 대한 텍스트 분석과 사상적 해석을 고도로 융합시키는 것이 이 글의 과제이다.

본 논문은 장아이링(張愛玲)의 소설에서 공통적으로 느껴지는 분위기, 즉 귀기(鬼 氣)를 통해 그의 작품 세계를 분석한다. 장아이링은 자신의 소설에 귀신을 등장시키 지 않으면서, 스산하고 무서운 분위기를 만들어냈다. 이것은 그의 소설, 특히 단편집 전기(傳奇)에 수록된 소설 전반에 나타나는 특징이다. 신전기(新傳奇)의 표지에 는 ‘귀신’이 직접 등장하기도 한다. 이 ‘귀신’은 이목구비가 없고, 신체 비례가 비현실 적이다. 그는 시대를 알 수 없는 옷을 입은 채 방 안-만청(晚晴) 시대의 풍경을 들여 다본다. 장아이링은 관련 글에서 이 ‘귀신’은 ‘현대인’이며, 독자들이 이를 통해 불안 을 느끼기를 바란다고 쓰기도 했다. 장아이링 소설을 관통하는 귀기는 이 ‘현대인’이 느끼는 불안이다. 그들은 ‘현대인’이라고 불리지만 과거로부터 분리되지 못한다. 대부 분 여성인 이들은 자신의 자리를 찾기 위해 노력하지만 계속 방황하고, 미래는 희망 적이지 않다. 장아이링은 ‘귀신’과 ‘귀기’라는 전기(傳奇)적 요소를 통해 독자에게 이 러한 현실을 환기시킨다.

본 연구는 1980년대와 90년대의 에릭 피슬 자화상에 나타나는 독특한 표현방식에 관심을 두고 시작되었다. ‘미술가의 초상’ 이라는 이름으로 완성된 3점의 자화상들은 피슬이 자신을 사실적으로 묘사한 자화상이 아니다. 시공간의 변화, 젠더의 도치, 광대분장 등을 시도한 다른 방식의 자화상으로서 이 자화상들은 피슬이 작품을 진행 할 당시 뉴욕 미술계의 구상미술에 대한 저평가에 대한 미술가로서의 반응이었다. 피슬이 활동하던 시기의 미술 비평 대부분은 미국 구상 회화에 호의적이지 않았다. 피슬의 자화상에 의도적인 변형과 암시들은 80년대의 구상 미술이 결코 미술의 흐름에 반하는 것이 아니며 추상미술보다 낮은 평가를 갖는 위치가 아님을 드러내고자 한 것으로 보인다. 80년대의 구상 미술을 모더니스트 전통의 기준으로 보는 것이 타당한가에 대한 새로운 문제는 피슬의 작업 방식과 사상에도 영향을 주게 되었다. 그리고 이 자화상 들로 피슬은 천재적인 미술가에 대한 기존의 모더니스트 비평 이론에 따른 고정관념을 깨면서, 모더니스트 이론이 아닌 1980년대의 시대와 그 시기에 등장한 구상 미술, 그리고 미술가의 양식에 따라 함께 움직이는 미술가의 모습을 제시하고 있다. 피슬은 미술가로서 성장하는 자신의 모습을 다양한 주변의 요소들과 접목시켜 ‘미술가의 초상’에 스스로의 발전 과정을 제시하고 있다. 자신의 작품 속에서 미술가로서의 생애와 자신의 태도, 그리고 사유 등을 각각의 ‘미술가’라는 이름이 붙은 초상화를 통해 새로운 미술가의 이미지와 역할을 만들어 내고 있는 것이다. 피슬은 자신의 자화상을 통해 구상회화는 단순히 읽기 쉬운 그림이 아니라 미술가의 의도와 사회적인 분위기 및 이슈 등 많은 암시와 장치가 숨겨져 있다는 것을 보여주었다. 그리고 미술가의 사회적 위치와 개인의 주관을 모두 제거한 이 작품을 통해 피슬 자신이 구상미술가임을 당당이 선언한다.

본 연구는 이승우의 장편소설 『에리직톤의 초상』을 종교적 구원의 문제로 읽어나간다. 이 작품에서 종교적 구원의 문제는 신화 속 인물인 에리직톤의 여러 가지 초상을 그리는 과정에 존재한다. 삶의 실천으로서의 구원은 여러 남성 인물들을 통해 시도되지만 이는 결국 실패와 미완으로 귀결된다. 그러나 이 구원은 여성 인물을 통해 새로운 삶과 구체적 실천으로 가능해진다. 그럼에도 소설 속 여성성의 문제는 그 한계를 보여주는데, 구현된 여성들이 남성에 의해 교화되고 신비화되고 낭만화되어있다는 점이다. 이승우는 종교와 철학, 인간 존재에 대한 심도 있는 질문으로써 자신의 독특한 문학세계를 구축해 왔다. 통상 종교의 문제에서 소외되기 쉬운 여성이 종교적 실천과 구원의 적극적 주체가 된다는 것은 기존의 종교소설이 보여주지 못 한, 이승우 소설만의 의미 있는 성취를 보여주는 지점이다.

아일랜드의 문화적 자긍심을 일깨우고 민족주의적 의식을 고취시키기 위한 고단한 집필의 여정과 정치적 활동에도 불구하고 예이츠를 ‘정치적’ 예술가로 예단할 수는 없다. 그러나 말년에 그가 보여준 전체주의적 권위에의 경도는 많은 연구자들로 하여금 예이츠의 말년의 정치성을 결코 간과할 수 없게 한다. 이 논문은 에드워드 사이드의 ‘말년의 양식’이라는 개념을 통해 말년까지 인상적으로 지속된 예이츠의 창조성의 비밀을 그의 정치적 견해 속에 반영된 해결되지 않는 모순과 비타협적 성격 속에서 찾는다.

피해자나 목격자 증언을 바탕으로 작성한 몽타주가 범인 검거에 어느 정도 도움을 줄까? 몽타주가 사건 해결의 중요한 단서 중 하나인 것은 분명하다. 몽타주는 수많은 그림의 데이터베이스 중에서 선택을 통해 최대한 유사한 얼굴을 표현하는 것이다. 하지만 여기에는 한계가 있을 수 밖에 없으며, 완성한 후에도 목격자가 가지고 있는 이미지와 다른 경우가 많다. 사람들은 얼굴 부위를 하나하나 인식하지 않고 전체적인 이미지로 인식한다는 점을 염두에 두어야 한다. 이에 얼굴 인식 수사의 전체적인 흐름을 살펴본 후, 수사에 필요한 몽타주 작성 과정에 관하여 살펴 본다. 특히 소프트웨어로 작업한 몽타주와 초상화에 의한 몽타주를 구분 하는 한편, 여전히 초상화에 의한 전통적인 몽타주 작성을 견지하고 있는 일본의 수사 방식을 검토함으로써 국내의 몽타주 수사에 필요한 요인에 대하여 고찰하고자 한다.

본 논문은 외르크 임멘도르프(Jörg Immendorff, 1945-2007)의 회화 <카페 도이칠랜 드 Café Deutschland>(1978-1982) 연작에 나타난 임멘도르프의 자화상을 통해 당대 독 일의 시대상을 알아 볼 수 있는 연구이다. 임멘도르프는 독일 서독 태생의 작가이며 신 표현주의(Neo-expressionism) 화파의 대표적인 화가이다. 임멘도르프는 뒤셀도르프 아 카데미(Düsseldorff Academy)시절 스승인 요셉 보이스(Joseph Beuys, 1921-1986)로부 터 서독 자본주의와 물질주의의 지배에 대한 비판의식에 강한 자극을 받아 서독 자본주 의 이면에 팽배한 모순적 현상에 대해 주목하게 된다. 이러한 의식 아래 임멘도르프는 정형화된 예술에서 탈피하여 다양한 기존 사회 체제를 비판하는 반(反)예술 성향의 사 회 운동가적 퍼포먼스를 펼치며 대중사회에 자신의 이념을 전달하였다. 또한 임멘도르 프는 분단된 독일 사회에도 깊은 관심을 가지고 1976년부터 동독 작가 펭크(A.R.Penck, 1939-)와 교류하게 되었다. 이후 1978년을 기점으로 회화 <카페 도이칠랜드>에서 냉전 후 동독과 서독으로 분리된 혼란한 독일의 모습을 혼잡한 카페(café)라는 독일 사회의 축소판으로 설정하였다. 이렇듯 임멘도르프는 사회적 문제점들을 다양한 상징적 요소들 을 사용함으로써 예술이 사회 변혁을 이룰 수 있는 도구로 보았으며, 예술과 사회가 통 합된 삶을 이룩하기를 원하는 일종의 사회적 예술가의 사명감을 가지고 있었다. 또한 임멘도르프는 <카페 도이칠랜드>의 역사적 함의를 강조하기위해 실제 당대 독일에서 일어난 사건들을 겪은 본인의 자화상을 다양한 모습으로 <카페 도이칠랜드>에 표현했 다. 이와 같은 점은 <카페 도이칠랜드>가 시대상을 투영함으로써 역사적 가치를 가지는 동시에 그 시대를 직접 경험한 임멘도르프 개인의 일대기적인 회화라고도 볼 수 있다. 따라서 임멘도르프는 <카페 도이칠랜드>에 다양한 본인의 자화상을 직접적으로 화면에 등장시킴으로써 그가 예술가로서 실행할 수 있는 정치, 사회적 역할에 대한 깊은 고심과 사회의 부조리에 맞서는 모습들을 캔버스에 생생히 표출했다고 볼 수 있다.

본 논문은 1776년 5월 8번째 왕립 아카데미 전시회에 출품되었으며 18세기 식민지와 연관된 타자의 관점을 보여주는 <오마이의 초상>을 다루고 있다. ‘고귀한 야만’이라는 개념과 연관해서 유 럽의 역사에 대한 인식을 바탕으로 타자를 그리스 시대의 인물처럼 표현하고 있는 이 작품은 영국 왕립 아카데미의 예술에 대한 양식과 결합해서 보편적 시민처럼 타히티의 원주민인 오마이를 묘사 하고 있다. 그리고 이후 오마이는 영국에서 타자의 문화적 상징처럼 다뤄지고 이후 오키프의 『오마 이: 혹은 세계 일주』에서 관찰할 수 있는 것처럼 민속지학적 관점에서 분석되었다. 본 논문은 이러 한 전개와 이후 영국과 식민지의 관계를 둘러싼 사회적 담론으로 확장되는 과정들을 분석한다.

인물사진에서 피부 톤은 사진작가가 가장 중요하게 다루는 부분 중 하나이다. 인물사진의 피부 톤 변화에 따른 수용자의 감성과 선호도의 관계를 파악하기 위해 두 가지 실험이 시행됐다. 실험 1은 피부 톤을 어느 정도 변화시 켜야 피실험자들이 그 차이를 감지하는지(JND)를 확인하고, 극단적 단계까지 단계별로 변화시킨 많은 수의 사진들 로 실험하여 대략적 선호 분포를 파악하기 위한 것으로, 밝기가 가장 밝은 사진과 붉은(Red나 Magenta) 피부 톤 선 호를 확인했다. 실험 1의 결과에 따라, 사진의 밝기를 가장 밝은 밝기로 고정하여 실험 사진들의 수를 줄이고, 높은 선호도를 보였던 마젠타는 보색인 그린(Green)과 함께 5단계로 조절하고, 나머지 색채의 샘플은 한 장으로 제한함 으로써 실험 2를 심화했다. 그 결과, 중성색 피부 톤의 공통된 선호와 함께 각 성별집단 간 선호도의 상이점이 발견되었고, ‘행복’하거나 ‘편안’한 감성이 선호도와 긍정적으로 관련이 크다는 결론을 얻었다. 본 연구를 통해 같은 인물사진의 피부 톤의 조정이 그 사진에 대한 사용자의 선호에 유의미한 결과가 될 수 있음을 확인하였다.

This paper examines the characteristics of post-modern self-portrait photography. Characteristics of postmodernism associated with the “loss of centeredness,” such as the death of the author, interdisciplinarity, and intertextuality, brought about a number of changes within the self-portrait. The distinction between post-modern and modern self-portraiture can be characterized by the following qualities: appropriation, the use of photography, and the utilization of the human body as an art. The characteristics of post-modern self-portrait photography can be represented through the works of Cindy Sherman, Orlan, and Morimura Yasumasa. By presenting prototypical women in her works, Cindy Sherman not only represents images of those women, but also exposes her fictitious role in the work. She creates a distance between herself in the works and herself in reality and discloses a paternalistic gaze. Meanwhile, Orlan transforms her face into a distorted image and presents it as an alternative identity that is representative of postmodernism. She corrodes the standard concept of identity through plastic surgery and treats the face not as a place where the identity stays, but as a simple body part or fragment of skin. Orlan’s post-human face is malleable according to the artist’s desire to raise the issue of what the human face is, and opposes the structure of modernism. Morimura Yasumasa also appropriates images from masterpieces and presents a hybrid identity between Eastern and Western, male and female, original and replica, and subject and object. In order to dissect social prejudice, he puts forth every single structural dichotomy that coexists in his self-portrait and suppresses a strong ego. He also studies the relationship between ‘seeing’ and being ‘seen’ by trading the painter’s role from that of the subject to that of the object.

The main aim of this study is Joseph Cornell’s (1903-1972) box construction ofPenny Arcade Portrait of Lauren Bacall, and how the designing process fromproduction of the film to the screening embodied in a box the centre of Cornell’sgeneral interests: Penny Arcade Machine, Cinema and Actress, and to bring out itsvisual meaning with a cinematic view.Joseph Cornell was a Dutch American artist who had produced works of art usinga variety of forms of media such as collage, assemblage and film-making sincel930’s. As abstract expressionism was becoming the trend in art in America, he wasvigorously devoting his artistic talents to the making of a box construction whichwas regarded by some as ‘strange’. Ironically, Cornell’s major features: repetitivecomposition of adopted images and use of object were transformed into modern artafter the l960’s, and this illustrated his irresistible influence. His box constructionwas the centre of attention of both artists and art critics. Cornell’s box, which wasschematized compositing with collages of copied famous paintings and photographsin the box were sporadically made with no consideration of certain periods; themeslike his series of boxes:the Soap Bubble Sets, the Ballet, the Medici Slot Machine,and the Bird Cage from the l930’s to l950’s. The Penny Arcade Portrait of Lauren Bacallis evaluated as his masterpiece,which demonstrates his artistic values and his interpretation of the world as if hiswhole life was displayed in his own individual exhibition: Romantic Museum, at theHugo Gallery-Portraits of Woman in l946. Whilst Cornell was engrossed in MediciSlot Machine series, he became fascinated by the leading Lauren Bacall after he hadwatched her performance in the film ‘To have and have not’(1944) rather than beinspired by the movie itself. This brought him to start work on The Penny ArcadePortrait of Lauren Bacall.The most significant point in this work is to show its morphological featurethrough the motive, and through his record of the work. In other words, Cornell hadleft a dossier about Bacall from earliest beginning until 1970, two years before hisdeath. On the basis of the records, this research will describe the process of how heimported the structural features of Penny Arcade Machine which is the original formof film, and other filming techniques into this work. This also divided into Mise-en-Scene editing and showing aspects from filming to screening. First of all, Mise-en-Scene, which includes camera angles, movement and framing in a movie shows howrestraint photos in the frame was reconstituted in a formative way, and withreproduction of time, space and the controlling of distance between spectators.Secondly, editing confirms that each frame has a big effect on vision and brings asatisfactory result as interpreted frames by Mise-en-Scene are closely connected.Needless to say, predictable flow of works formed with narrative, generallydevelops with panoramic formation. Whilst Penny Arcade Portrait of Lauren Bacalldoes not have a clear direction or narration nor substance and was not summarizedas a special event, however, Cornell expanded the narrative by use of a montage, anda cross-cutting technique in his film.Lastly, The Screening, which is the core of this research, ‘Screening’does not refer to the practical meaning of showing. ‘Screening’at this point is a descriptiveword for basic installation, stimulation of illusion and, effectively, realization. Theapplied materials of the effective screen are that the first interlocking device in theform of Kinetoscope - as if pieces of film are moving, the second, ball in motion,and the third, Bacall’s close-up photo like a screen of film. Sorting through Bacall’sclose-up photographs, there are questionable facts which are evaded, trends in themovie, such as Bacall’s eyes towards the spectators; frame in frame, and exposingglasses as it stands. These features represent self reflection in a film, which meansan awareness of unrealistic illusion.Cornell tells us about the unrealism, and the fact that it is only installation whichleads people to look at fantasy, and intended vision by the use of self-reflection, as ifexposing that which lies beneath a mask. Through the characteristic of self-reflection in the media, Cornell presumably expressed his regret at the controversialremarks about Bacall as sexual material according to the opinion of the Researcher.

This paper discusses perfectionist writers W. B. Yeats and James Joyce. To compare how they worked slowly and creatively toward completing a work, I take two works by Yeats and Joyce, two of their best works. Yeats tends to work on his poems and plays continuously, even after they have been published. This paper looks at the rewriting of “Leda and the Swan” in several different stages, in order to see how the poem gather intensity and art, as an exemplification of what he did as a literary artist. Yeats’s attitude toward art and his literary style can be compared to the traits of art, and his literary style can be compared to that of the young artist depicted in A Portrait. In fact the young artist Stephen can be seen as Joyce the artist, and the paper discusses Stephen who grows linguistically and artistically competent. Yeats and Joyce are not merely Romantic writers; they were determined to develop new art and bring it to the highest perfection. And indeed they have achieved it in their works respectively.

이 논문은 20세기 후반 건축을 선두로 문학, 미술, 철학등 각 예술 분야에 대두된 포스트모더니즘의 미학을 중심으로 동양 현대음악의 시간적 구조를 살펴본 연구이다. 음악에 있어서 포스트모더니즘은 르네상스 이후 서양음악의 불문율로 여겨왔던 "목적 지향적 시간론(goal-oriented notion of time)"을 파기하고, 새로운 시간개념의 도입을 가능케 한 중요한 논리적 배경이 되었다. 특히 동양적 에토스(ethos)에 근거한 동양 현대 작곡가들의 작품들은 흔히 서양적 관점에서 보면 "목적 지향적 시간구조"의 결여로 이해되어져, 서양 예술론을 적용하기보다는 "이국적 정서(exoticism)" 혹은 "오리엔탈리즘"으로 이해되어져 왔다. 그러나 이 새로운 음악적 시간개념은 동-서양 현대작곡가의 작품을 하나의 통일된 예술론으로 이해할 수 있는 중요한 인식변화를 가져왔다. 이 논문을 통하여 필자는 포스트모던 건축학자 로보트 스턴(Robert Stern)의 "전통적 (Traditional) 포스트모더니즘과 분리파적(Schismatic) 포스트모더니즘론," 레오날드 마이어의 "비목적론적 시간론(NOn-teleology)"등을 바탕으로 포스트모더니즘의 한 시간적 특성을 "시간의 해방(the Emancipation of time)"으로 정의하였다. 한편, 동양철학이나 예술에 나타난 시간적 구조는 "순화적 시간(Circular Time)"과 "초월적 시간(Transcendental Time)"으로 구분 짓고, 그 들의 이중적 혹은 다중적 사용-시간의 이중성(Double Perception of Time)을 서양 포스트모더니즘 시간 구조와 비교, 고찰하였다. 필자는 이 논제를 위하여 일본의 도-루 타케미츠(Toru Takemitsu), 한국의 필자 자신, 중국의 탄 둔(Tan Dun)등 극동의 세 작곡가를 선택하여, 그들 작품에 나타난 음악적 시간구조를 분석하였다. 즉, 이 세 동양작곡가들 작품에 나타난 시간적 특성을 중심으로 그들의 창작과정이나 작품, 음악어법 등을 포스트모니즘이라는 새로운 시각으로 재조명하였다.

Behind major poems of Last Poems stand specific works of art: the statue, the portraits and pictures, the sculpted pieces. The sculpture, like the poetry, which attracted Yeats most, was what seemed to have created from the integrated Self. His special concern with ‘Upanishads’ is the fourth state of the mind, the union of Self and Not-Self. He knew much better what to look for in Michael Angelo was the spiritual energy expressed by the physical power of the muscular structure of his figures. He remarks that it is the poet’s business to describe desirable persons and the states of mind. The primary example of the ability of the mind to create and to impose form is art. “Under Ben Bulben” evokes Michael Angelo’s “Secret working mind and expresses the concrete aspiration” of Yeats’s creative mind and the aim of his greatest poetry in a world of men and human passion. Yeats discovers his own freedom, his own greatness of soul as he discovers the freedom and greatness of his friends in “Municipal Gallery Revisited.” Throughout the poetry we may notice that it is a community based upon a mutual greatness, a mutual glory that springs from communion of such friends” conduct. “Lapis Lazuli” explores the relationship between mind and history. Yeats has discovered a way of thinking about the world that locates all value in the act of mind. It is the act of mind involved in forming. Yeats’s contemplation of the piece of lapis lazuli is itself the sort of act of mind that is exemplified on the stone. All the stone records is the aspiration of the Chinamen; their struggle towards the autonomy of soul that will provide perspective. But the achievement of that autonomy is Yeats’s “I delight to imagine them seated there.” Michael Angelo became identified with Yeats himself as an inexhaustible creative energy, “an old man’s eagle mind.” And also, in acting as autonomous individuals, Yeats’s friends the status and the efficacy of works of art. They have become the pictures of their own virtue, so that ‘lineaments are their thought. Yeats’s ‘generosity of mind’ consists in his ability to proclaim commitment on the part of his friends to the values that are proper to a community of heroes. It is in Yeats’s belief in the power of mind, in the act of mind that he could reach the union of flesh and spirit in the completion of his passion.

보스턴 초기시들 중 하나인 ｢여인의 초상화｣에서 T, S. 엘리엇은 여 인들의 다양한 측면들을 세밀하게 그리고 있다. 이들은 결혼이나 사랑 의 실패로 인해 깊은 좌절감에 빠졌던 여인이나 소녀들이다. 이들에게 는 이제 우정이 사랑의 자리를 대체하게 되며, 타인들과의 진정한 교제 는 이들의 일상에서 가장 중심적인 관심/배려가 된다. 하지만, 이 다양 한 여성을 표상하는 한 여인을 예리하게 관찰하며 그녀의 내면을 깊이 파고 들고 있는 이 시의 남성 화자는 자신이 연인이 될 가능성을 의식 하고 있다. 이러한 가능성으로 벗어나려는 화자는 그녀를 떠나게 되며 가까운 미래에 그녀가 죽을 것이라고 갑작스럽게 상상한다. 극도로 자 의식적인 화자의 내면의 흐름을 집중적으로 조명하는 이 시는 시간과 기억에 대한 베르그송의 사상의 흔적을 지니고 있다. ｢여인의 초상화｣ 의 시공간은 실제적 공간이라기보다, 화자의 의식과 지속으로서의 기억 에 의해 구성되었다. 베르그송은 모든 생명이 끊임없이 유동적이며, 그 가 “지속”[durée]이라고 부르는 생성적 과정에 있다고 주장한다. 한편, 남성화자의 지속적으로/극적으로 변화하는 감정은 베르그송의 사유와 친밀한 관계에 있는 마티스의 미학 이론으로 설명될 수 있다.

T. S. Eliot has attracted an unprecedented degree of worldwide attention for almost a century but he has rarely been approached from the angle of his politics to the third world reader. His proclaimed position as anglo-Catholic, monarchist, and classicist, however philosophically pure he stood for these values, does not seem to be in accordance with the interest of the third world, most countries of which were once colonized and have continued to be under its prolonged traumatic influences. Eliot’s west- centered value amounts to supporting the ideology through which the imperialism of the previous centuries exploited the third world and rationalized their deeds in the course. John Ashbery, on the other hand, shows a relativistic worldview in his “Self-Portrait in a Convex Mirror,” whose apparent subject matter is an Italian Mannerist self-portrait with the same title. Ashbery in the poem questions the hierarchical value system, which Eliot shows in Four Quartets. Ashbery, refusing to attribute any superior values to certain views or notions over others, reasons that one cannot rely on any absolute values or premises. Questioning the validity of metaphysical and transcendental values on which traditional societies relied, he presents diverse postmodernistic skeptical visions on such issues as center versus periphery, appearance versus reality, and intention versus outcome. In the work, however, he is not absolutely without a tint of Eliotian propensity toward the transcendental, enriching its poetic suggestiveness.

“The Love Song of J. Alfred Prufrock” and “Portrait of a Lady,” two major works of T. S. Eliot’s early poems, have been regarded as a kind of ramatic monologues. Many critics indicated that Eliot’s use of dramatic monologue was different from Victorian poets’, so they called Eliot’s dramatic monologues “interior monologues” or “psychologues.” However, some critics like Won-Chung Kim insisted that Eliot’s and Robert Browning’s dramatic monologues shared some characteristics by comparing their masterpieces, “The Love Song of J. Alfred Prufrock” and “My Last Duchess.” In this paper, my premise is that Eliot’s dramatic monologues are different from Victorian poets’ like Browning’s because I think that Eliot changed the technique of dramatic monologue to reflect the spirit of his age, that is, the beginning of the 20th century. In the early 20th century, many writers including Eliot thought that the self is illogical and split, and claimed that they should focus on the human consciousness and try to find the method to express it. In his early poems, Eliot expressed the speakers’ consciousness that was divided. Some critics has also indicated that the speakers of Eliot’ early poems have self-conscious character caused by the split self. To create this character of the speakers, I think, Eliot adapted the technique of dramatic monologue. While the traditional dramatic monologues focus on showing the speakers’ values, Eliot’s show the conflict of the speakers’ doubling self that produces the effect of irony. The speakers’ doubling self consists of the superficial and the fundamental self. One represents the self that tries to conform to the life style of the bourgeois world and is very concerned about people’s judgment. The other represents the self that longs for something higher, more emotional and spiritual. When this doubling self collides with each other and causes conflict, the speaker observes himself in a dramatic way, that is, as a object. Then, the speaker returns to his daily life again.