Modernism is an internationally accepted design style. In addition, traditional Korean costume is not the clothing of the past, but its form is also used in modern fashion. Therefore, the purpose of this study is to examine the social and cultural contents of the morphological structure of traditional Korean costume, in order to derive the design characteristics of modernism and examine the global applicability of traditional Korean costume structure. For this study, photographic materials from museums, schematic drawings of relics, and Hanbok production books published by government agencies were analyzed. Further, this study examined traditional Korean costume, especially the modernism characteristics derived from Paul Greenhalgh and previous studies. The results are as follows. First, The traditional Korean costume is a cut based on basic shapes, along with a silhouette appears according to the background of the times. Second, the characteristics of modernism can be divided into universality, functionality, and simplicity. Third, as a result of analyzing the form structure of traditional Korean costume based on the characteristics of modernism, universality is expressed as standardized form, functionality as practical aesthetics, and simplicity as sustainable diversity. Furthermore, Korean costume has a difference in that was greatly influenced by various Eastern ideas and aesthetics of the late Joseon Dynasty. These findings provide a perspective of modern reinterpretation of the uniqueness and universality of traditional Korean costume in line with globalization by utilizing the design characteristics of modernism, an international style.

본 연구는 찰스 쉴러(Charles Sheeler 1883-1965)의 주택실내회화(1926-34)에 나타난 미국적 모더니즘에 대한 연구이다. 쉴러는 1910년대부터 지속적인 관심을 두고 있었던 미국의 오래된 건물을 소재로 한 주택실내회화 5점을 제작했다. 본 연구는 당시 쉴러가 현대화·산업화를 주제로 한 작품을 통해 새로운 미국 미술의 선구자로서 인정받았음에도 불구하고, 오래된 주택의 실내를 화폭에 담고자 한 까닭은 무엇인지에 대한 의문으로부터 시작되었다. 이에 따라 쉴러의 주택실내회화가 지니고 있는 표현적 특성과 독자적인 의미를 밝히고, 보다 다양한 측면에서 그의 예술관을 고찰해보고자 한다. 쉴러는 주택실내회화를 통해 일루전과 추상의 결합을 시도하였다. 그는 입체주의의 특성을 자신만의 고유한 회화적 정체성으로 승화하기 위해 끊임없이 탐구했다. 또한 쉴러는 사진 활동을 하며 습득한 다양한 기법과 구성 방식, 사실 묘사의 기능을 강 화하면서도 카메라 시각으로 보는 추상적 구도와 형태를 회화로 재구성하였다. 그는 주택실내회화를 그릴 때 회화의 비매개적이고 환영주의적인 측면과 추상성을 결합하기 위해서 사진 작업을 활용한 것이다. 사진은 재현을 강화하기 위한 수단으로 사용했지만, 사진기의 각도와 렌즈의 조작에 의해 대상을 추상화할 수 있는 사진의 방법을 회화에 응용함으로써 새로운 효과를 창출해냈다. 쉴러의 주택실내회화에 나타난 일루전과 추상의 결합은 갑작스러운 것이 아니라, 그가 지속해서 연구한 결과물이자 점차적으로 미국 모더니즘으로 고취시킨 것이다. 쉴러는 기계문명을 찬미하는 이미지와 다른 자신의 주택실내 이미지를 통해 또 다른 미국의 대표적인 이미지로 승화시켰고 이것은 모더니즘 양식에 기초하여 추상적 가치를 시각적으로 구현했다는 점에서 독자적 가치를 지니고 있음을 확인할 수 있었다.

본 논문은 에드가 드가(Edgar Degas, 1834-1917)의 조각 작품 <14살의 어린 무희 Little Dancer Aged Fourteen>(1881)에 대한 연구이다. <14살의 어린 무희>는 그녀의 정체성을 매춘부로 드러냈으며, 이에 제6회 인상파전에서 발표되었을 당시 엄청난 찬사와 비난을 동시에 받았다. 드가가 <14살의 어린 무희>의 정체성을 매춘부로 드러내기 위해 적용했던 이론은 당시 유행했던 발레-팬터마임과 관상학이었으며, 이 두 이론을 적 용했던 이유는 둘 다 인간에 대한 본질을 파악하는 것에 중점을 두고 있었기 때문이었 다. <14살의 어린 무희>의 발레-팬터마임에서 차용된 오만함의 자세는 오페라를 찾은 부르주아 남성들과 은밀한 관계를 맺었던 어린 무용수의 부정적 이미지를 함축하여 암시했고, 관상학에서 범죄자나 매춘부들에게서 나타나는 것으로 정의한 악덕 관상을 어린 무희의 얼굴에 새김으로써 무용수라는 직업 이면의 매춘을 상상하도록 했다. 예술작품 안에서 다양한 형태의 무용수 묘사는 고대에서부터 지속되어 왔지만, 근대 하층 노동자 계급의 표상인 파리 무용수의 조각적 형태의 매우 사실적인 재현은 드가의 <14살의 어린 무희>가 처음이었다. 그리고 한발 더 나아가 <14살의 어린 무희>는 매춘부라는 주제를 당시의 사회 문화적 담론을 통해 드러냄으로써 전통적 미술의 기준에 도전했다. 결국 드가의 <14살의 어린 무희>는 근대 생활의 양상과 그 시대의 이슈를 드러냈던 것 이었다.

서평

5.4 혁명 중에 중국에 최초로 번역, 소개된 예이츠는 중국문학에 영향을 끼쳐왔다. 이 논문은 그중 3개의 모더니스트 문학회에 주목한다. 문학연구회는 민족주의자 예이츠와 초기시학에 초점을 맞추었다. 초승달시인회는 예이츠의 후기시와 하이모더니스트 예이츠를 선호한다. 9잎 시인파는 사실주의 정신, 낭만주의와 상징주의 시학을 포괄하는 예이츠를 수용하려 했다. 예이츠의 시의 다양성과 풍요함뿐 아니라 중국신문학기의 다른 단계의 여러 요구와 문학개념 때문에, 예이츠는 중국 모더니즘의 구축과 변화에 심대한 영향을 미치고 있다.

모더니즘은 거대한 끈적거리는 생물체와 같거나, 아니면 생태계의 하나의 움직임 같아서, 혹은 생존을 위해 투쟁하는 다양한 주의들 속의 변덕스러운 피막 같아서, 각 이즘은 과거의 이즘(피터 비어랙의 우스운 조어인데)이 되는 것을 피하려고 한다. 미래파, 입체파, 추상, 신조형주의, 모두 허둥대면 서로를 잡아먹으려고 하는데, 이들 중 하나는 서로 경합하는 이즘의 한 부분이나 일부를 삼키는데 성공하여 소화시켜 자신의 몸의 일부를 형성한다. 내 생각에는 예이츠의 『환상록』(본인은 의도하지 않았지만) 조직적인 약도 혹은 전체도가 되어서, 모더니즘의 여러 요소들을 통합아여 하나의 디자인을 만든다.

본 논문은 예이츠의 "어부"가 시적 발달의 어디에 위치하는지를 잠간 보고, 어떻게 이 시가 특이하고 흥미롭게 자아의 재창출을 시도하는지 보여주려고 한다. 본인은 시적 자아 자체의 과정을 면밀히 검토하기 위해서, 최초의 시의 초안으로 돌아가서 이 시가 어떻게 순수한 창조의 이미지를 만들고 보존하는지를 보여 주려하는데, 이 과정에서 이미지는 중첩되고 복잡해진다. 1910년대에 보다 개인적이고 구체화된 자아에의 과감한 경향을 보이는 시인은, 반면에, 미리 후기 모더니스트적 면을 보인다. 동시에, 이상화된 고독한 시골의 인물에 대한 애정과 당대의 청중에 대한 회의시은 그가 아직도 낭만주의적 작가인 것을 보여준다. "어부"는 그가 거의 최상의 놀랄만한 재창조적 시인임을 보여준다.

This paper examines the Japanese contemporary art’s affinity with subculture by looking into the work of Aida Makoto (1965-), who employs visual and narrative elements drawn from Japanese contemporary subculture in expressing his explicit ‘anti-modern’ or ‘anti-western’ view. The flourishing subculture in contemporary Japanese society could have been resulted from the lack of modernist culture or system. This can be related to the troubling issue of modernity in Japan, which was once the earliest ‘modernized’ nation in Asia, yet totally defeated in WWII. Although the seminar of ‘kindai-no-chokoku (overcoming modernity)’ held in 1942 did not produce any productive discussion on overcoming the west, it served as a theoretical background to justify the Japanese invasionist policy and the eventual fantasy to overcome the West. Upon the forced ending of WWII by the attack of two atomic bombs, however, the issue of modernity in Japan in relation to the west became more complicated. Aida approaches complicated the issue of modernity in Japan by touching on the following four aspects;a hatred of the generalized notion of western modernity, a resistance to Modernism as an artistic style, a cynicism about Japanized Modernist art, and an unresolved relationship between Japan and ‘modernity,’ addressed by ‘kindai-no-chokoku.’ It should be noted that Aida’s adoption of subculture reveals his evasive view avoiding modernist methods. By drawing on Japanese subcultural media such as manga, animation or games, which is largely (science-)fictional, tragi-comic, slapstick or nonsensical, Aida attacks modernism by curtailing its seriousness. Instead of providing a serious criticism of modernism, Aida’s work widens the gap between the historical reality and what is represented. By means of exaggerated and comical attacks, Aida ironically achieves a gradual deconstruction of the authoritarian modern.

벨기에 극작가 모리스 매터링크는 새로운 드라마를 창조하기 위해서 셰 익스피어와 입센을 연구하여, 가냘프고 다소 있을법하지 않은 주인공들을 괴롭히는 일 종의 좀 몰인정한 운명론과 인생의 무의미성을 결합한다. 이런 종류의 극은 예이츠, 싱, 그리고 무엇보다 새뮤엘 베켓트를 예상하게 한다. 사실, 메터링크의 미궁 같은 성 (城)의 무대장치는 많은 모더니스트 극의 이해 불가하거나 이해하기 어려운 무대장치 를 예상케 한다.

Modernism and post-modernism are two aspects of aesthetic modernity reflecting some of the spiritual crises of the western civilization as resistance against the scientific modernity. These two are similar or the same to each other in seeing the modern world as fragments and discontinuities with pessimistic tone, the reality as relativity, and the language as lack. By contrast, many differences between the two can be seen as well. For example, modernism reflects Elite's taste of high culture while postmodernism is impatient with Elite's taste of ideas. And also, modernism hands down humanism and enlightenment while postmodernism rejects the so-called humanism and enlightenment. More likely than not, however, the foremost difference will be that modernism has the spirit of betterment by a kind of stoic attitude through self-criticism hoping for the birth of the hero who searches for the spiritual father, while postmodernism reflects a kind of Epicurism emphasizing 'seize the day' by accepting the commercial, technological and scientific values. It follows that modernism tries to expand freedom of more people through digging inner reality while postmodernism tries to expand equality of more people through de-constructing the concept of hierarchy of the western civilization. I think that Seamus Heaney's Seeing Things is characterized by the combination of modernism and post-modernism: his poetry contains the characteristics of modernism in respect that it continuously reflects the pursuit of tradition. At the same time, it includes post-modern aesthetics in respect that Squarings of Seeing Things transforms the concrete into the abstract by de-constructing some of the fixed meanings, from which readers can enjoy the entire freedom. My last conclusion is that Seamus Heaney's Seeing Things reflects not only his pursuit for the past tradition but also his desire to de-construct it. In brief, his poetry reflects some ambivalence: the search for the father and killing him, waiting for Godot and searching for light, freedom, equality and song.

The main purpose of this study is to reveal the properties and specialities of architectural space after Modernism. Space was the main theme of Modernity in architecture and they insist Modern architectural space had its own characteristics compared with the earlier period. With view that another paradigm of space is rising as a criticism of and departure from Modernity, this study try to show what is the contents of difference and how it express in reality. We can find a new trends in architectural spaces, that are the production of totally different circumstantial background as like information society, digital media environment, post structuralism, new science and heterotopian situation in urbanism. We can call it Post-Modernity in architectural space that would find the ‘Otheness' and expand the territory of architecture. It means not only the change of architectural space itself but also different cognition and perception of space is taking place. Contemporaru architectural space has lost its materiality and conventional socio-cultural functions. Dematerialization and media or image -like being is the new characteristics instead. It demands a new way of being in a different life-world as well as the new experience of architecture.

Modernism in architecture is a very complex and contradictory phenomena. So much so that it has been defined in various ways throughout the history, depending on one's position in the cultural and historical circumstances. It is thus necessary to map out the various concepts of modernism and their relationships in order to have a more comprehensive understanding of modern architecture. This paper attempts to define the various positions as functionalism, formalism and artistic avant-gardism, and to trace their history from the early twentieth century to the present. The change of the concept of modernism from functionalism to artistic avant-gardism seems a logical process in the history of western modem culture. The tendency of contemporary architecture to be more abstract and self referential artistic practice reflects the fragmentation of modern culture and the separation of art and technology. The validity of this position, of course, depends on how one evaluates the role of modern art in the situation of modern culture. It could be viewed either negatively or positively. However, this position is problematic in that it disregards the fundamental differences between architecture and other arts and distanced architecture farther from its material base. Given this historical perspective on the concept of modernism, modernism in Korea should not viewed simply identical to the western modernism, nor should western modernism be imported uncritically. The characteristics of her modernization and their differences from the west should be considered, along with the different status and role of architecture in korean modern society.

제1차 세계대전이 남긴 상처/그림자는 전쟁이 끝나도 사라지지 않고 남아 있었다. 엘리엇과 울프는 작가와 시인의 섬세함으로 인간의 삶 속에 그림자 진 우울증, 공허, 가짜 웃음, 거짓 평화, 폭력, 욕망, 기억과 망각을 읽어내었다. 전쟁의 뒤편에 남아 있던 그림자는 인간을 광기와 죽음과 자살로 내몰고 있었다. 엘리엇과 울프는 화자의 의식의 흐름을 통해 전쟁과 죽음으로 망각된 사람들의 목소리를 찾아낸다. 엘리엇은 죽은 자들의 소환을 통해 인간의 성적 타락, 병적 트라우마, 멜랑코리 등의 원인을 재빨리 진단하고 기독교적 원리를 통하여 해결방안을 찾는 노력을 『황무지』에서 보여 주었다. 반면 울프는 의식의 흐름 기법을 사 용하여 침묵의 언어로서 서사적 공존이 가능하게 한다. 이런 방법은 초대받지 않은 손님이었던 쎕티머스가 파티에 연결될 수 있도록 장치하였 고, 쎕티머스의 자살 소식에 죽음으로 포용한 삶이야 말로 진정한 파티의 완성임을 선언함으로써 Mrs. Dalloway의 종지부를 찍게 한다. 울프는 자살이라는 최후의 방법을 선택하여 현대인의 망각에 대해 경종을 울리고, 전쟁 이후 현대인의 절망 상태를 인식하면서 인간 본연이 가지고 있는 존엄과 자유를 주장한 것이다. 이처럼 의식의 흐름 기법을 사용하여, 엘리엇과 울프는 각자의 모더니즘적 해결 방식으로 현대인의 삶과 전쟁의 주제들을 재해석하고 있다.

이 논문은 근대의 세례를 받은 기독교 신지식인들이 3.1운동 이후 새롭게 형성된 ‘제한된’ 담론공간 안에서 젠더에 대한 사회적 논의에 어떤 방식으로 참여했는지 고찰한다. 젠더 이슈는 정치적 자유가 허용되지 않았던 일제 식민체제 하에서 근대사회에 대한 사회적 논의를 본격화시킨 촉매제 역할을 했다. 기독교 신지식인들은 새로운 변화에 ‘기대’와 ‘불안’을 동시에 표출하며 ‘근대’와 ‘전통’의 충돌에서 발생되는 파열음을 도덕적 균형으로 최소화하려는 전략을 보여주었다. 개개인의 자유를 억압하는 일체의 관습과 전통을 거부하는 자유주의 여성들에 대해서는 소비주의와 결합된 도덕적 일탈과 가정으로부터의 이탈을 경계하며 ‘가정’이야말로 남녀평등의 근간이 될 수 있음을 강조했다. 반면에 사회적 불평등에 대한 문제제기와 이에 대한 근본적 변화를 요구한 사회주의 여성들과는 이념적 급진성에도 불구하고 연대의 틀을 모색하고 ‘남녀평등’이 실현된 문명사회에 대한 이상을 공유하고자 시도했다. 이를 기반으로 여성해방논의가 더욱 확장되었음은 물론이다. 그러나 탈정치화된 문화지형의 틀 안에서 생존을 모색했던 만큼 기독교 신지식인들의 젠더 논의는 근본적인 인식의 한계를 드러내기도 했다. 우선 ‘문명사회의 실현’을 근대의 이상으로 제시하는 과정에서 서구적 근대의 사상적 종속을 인식하지 못한 채 서구 중산층의 근대적 욕구를 근대사회의 이상적 가치로 수용했다. 이는 서구사회에 대한 동경으로 이어졌다. 즉 그 어떤 정치적 자유도 결코 허용되지 않았던 식민지 현실에서 ‘남녀평등’과 ‘여성해방’을 중립적 근대가치로 치환시킴으로써 평등사회에 대한 갈망과 정치적 해방의 욕구를 서구문화에 대한 동경으로 해소하게 만드는 결과를 초래했다. 또한 식민지 조선에 대한 현실 인식에 있어서도 일본과 미국을 포함한 세계열강들의 식민주의 확장과 식민체제로부터 파생된 억압적 현실을 간과한 채, 그 근본원인을 조선의 ‘근대적 결핍’에서 찾았다. 이들은 조선여성들의 의지부족이나 미성숙한 정신 또는 교육환경의 낙후성 등을 조선여성운동의 저해요인으로 지목했다. 하지만 자신들 스스로가 식민지 조선에 쏟아져 들어오고 있었던 ‘식민화된 근대’의 주요채널이 되고 있음을 인식하지는 못했다.

Mainly exploring Eliot and Loy, this essay examines their networks of literary modernism in relation to their journal publications. By excavating their uses of the words in the poems, I assume that their interrelationships came from literary magazines fluorescent at that time. Journal publication was quite important, and most modernist, even contemporary poets were communicating with each other in their works. Thus, I work on the use of poetic words in order to trace the influence of literary modernists on each other. In addition, quoting significant lines in Eliot’s “The Love Song of J. Alfred Prufrock”(1915) and The Waste Land(1922), and Loy’s “Songs to Joaness,”(“Love Songs,” 1915-1917), I attempt to find what similarities and differences they have. In terms of Kristevan connection of flesh/flash in “Stabat Mater,” The Waste Land’s “Murmur of maternal lamentation” is explained and anticipates further research.