본 연구는 디지털 기술의 확산이 전통적 조각 개념을 어떻게 재구성하고 확장하는지를 탐구한다. 전통적인 조각이 물질성, 형식, 그리고 물리적 공간의 점유를 중심으로 정의되 어 왔다면, 현대 미술에서는 데이터와 알고리즘을 새로운 형성 재료이자 방법론으로 수용 함으로써 조각 개념에 근본적인 전환이 시도되고 있다. 본 논문은 디지털 환경에서 조각이 구현되는 구체적인 양상을 살펴보기 위해 3D 모델링, 증강현실(AR), 인공지능(AI)이라는 세 가지 핵심 기술을 중심으로 세 명의 작가 사례를 분석한다. 이를 통해 비물질적 요소들 이 현대 조각 실천에서 어떠한 방식으로 작동하는지를 고찰하고, 기술 융합의 시대에 조각 매체가 지니는 미학적 의미와 가능성을 조명하고자 한다.

본 연구는 확장현실(XR) 기반 버추얼 프로덕션(VP) 기술이 라이브 퍼포먼스에서 동일하 게 수용되지 않는다는 문제의식에서 출발하여 기술이 장르적·문화적 맥락 속에서 어떻게 전유되고 의미화되는지를 분석한다. 기존 XR 연구가 몰입도나 현존감 등 기술 성능에 집중 해온 반면 본 연구는 공연 안에서 기술이 부여받는 지위와 역할에 따라 효과가 달라진다는 점에 주목한다. 이를 위해 이상형 기반 질적 유형 분석을 통해 XR/VP 기술의 수용을 스펙 터클 지향형, 메시지 지향형, 서사 지향형으로 구분하고, 각 유형을 기술의 지위, 가시성, 관객의 주의 조직, 기술 실패 인식의 기준으로 정의한다. 사례 분석 결과, XR/VP 기술의 경험적 효과는 기술적 완성도보다 공연 장르와 문화적 기대 속에서 기술이 어떻게 전유되 는가에 의해 조직됨이 확인되었다. 본 연구는 XR/VP를 문화적 실천으로 파악함으로써 라이 브 퍼포먼스에서 기술을 해석하고 평가하기 위한 새로운 기준을 제시한다.

The purpose of this study is to develop a narrative-timeline framework for VJ practice that integrates artistic intention with technical execution. The model combines an eight-stage emotional narrative structure with a six-phase timeline workflow, positioning the VJ as both creative director and coordination mediator in live event production. Building on this foundation, the study explores how artificial intelligence can extend the framework through functions such as automated emotional tagging, predictive workflow optimization, and real-time conflict resolution. While still conceptual, the results indicate the design feasibility of a replicable blueprint for participatory and sustainable VJ practice. Future work will involve empirical validation and the development of AI-assisted tools that preserve human creative agency while expanding narrative and operational possibilities in live media performance.

The purpose of this study is to design a participatory framework for voxel-LED public art that integrates artificial intelligence for sustainable urban engagement. Using a Research through Design (RtD) approach, the framework combines a voxel-LED installation with an interactive kiosk, enabling citizens to co-create content through generative AI and to experience adaptive responses based on environmental data. The proposed system indicates both technical feasibility and design potential, offering two core scenarios: generative co-creation and environment-aware adaptation. While still conceptual in scope, the results specify a replicable model for participatory urban art and provide a roadmap for future studies to evaluate user interaction and advance placemaking-oriented practices.

This study proposes strategies for projecting media art onto glass-surfaced architecture, addressing challenges such as transparency, reflection, and visibility. Using the Aqua Art Overpass in Seoul as a case study, the research compares glass and opaque surfaces through mock-ups and luminance simulations. By applying high-lumen projectors, special films, and content adjustments, the study demonstrates that glass facades can effectively serve as dynamic media surfaces. The findings highlight the visual and spatial potential of glass in urban environments, offering practical insights for future applications in architectural media art.

This study explores the concept of screen-performance as a sensory and performative interface in interactive media content. Moving beyond the traditional notion of the screen as a passive display, it examines how screens can function as spatial, real-time systems that engage users’ bodies and perceptions. Based on theoretical research on screen media and performativity, the paper analyzes two original media artworks—Light, Movement of Boundaries and Boundaries: Coexistence—as case studies. These works demonstrate how screen-based installations can incorporate sensor feedback, adaptive visuals, and embodied participation. The findings suggest that screen-performance offers a meaningful framework for designing immersive user experiences in media art, interactive installations, and game environments.