그림을 소재로 한 기존의 시와 달리 린다 패스턴의 시는 자신이 의도한 메시지를 부각하기 위해 회화 작품을 주체적이고 창의적으로 활용하는데, ｢윤리학｣은 여기서 더 나아가 ‘렘브란트’라는 이름 말고는 그림의 정체 파악에 필요한 정보를 극도로 제한함으로써 시인의 인생관과 예술관을 집약하는 시의 결론을 난해하게 만든다. 본 연구는 시인 패스턴과 화가 렘브란트와 철학자 아리스리토텔레스의 상호관계성을 논의의 중심축으로 삼아 ｢윤리학｣에 언급된 첫 번째 그림은 렘브란트가 그린 일련의 자화상을 깊게 의식한 것이며, 두 번째 그림의 정체는 종교적 성격을 강하게 띤 󰡔선한 사마리아인이 있는 풍경󰡕이라고 주장한다. 그림에 대한 세밀한 관찰과 독자적 해석을 병행하면서도 막상 그림의 정체는 모호하게 제시한 패스턴의 독특한 시적 전략은 에크프라시스적인 시에 대한 정치(精緻)한 강독과 비평이 해당 그림에 대한 충실한 음미와 해당 화가에 대한 폭넓은 이해를 수반해야 한다는 점을 드러내는 것이기에 시사하는 바가 크다.

이 논문은, 17세기 네덜란드 화가 렘브란트 판 레인(Rembrandt van Rijn, 1606-1669)이 젊 었던 시절 고향도시 레이덴(Leiden)에서 제작한, 화가의 초기 유화 트로니들을 다룬다. 논문은 트 로니(Tronie)란 용어가 무엇을 뜻하는지, 회화장르로서의 트로니는 무엇인지 설명하는 것으로 시작한다. 그 다음, 렘브란트의 초기 유화 트로니 일곱 점을 선별해 본보기적으로 관찰함으로써 작 품들의 공통된 특징들을 제시한다. 논문은 마지막으로 화가의 초기 유화 트로니들의 원래 기능이 무엇이었는지를 논하며 끝이 난다. 렘브란트의 초기 유화 트로니들은 비교적 저렴한 미술작품들이 었고, 젊은 렘브란트는 이 저렴한 트로니들을 통해 더 많은 미술 감상자들에게 자신의 미술을 알릴 수 있었을 것이다.

This essay examines Rembrandt van Rijn(1606-1669)'s landscape etchings, focusing on their characteristic rendition of humans in a minuscule and shady form to embody the theme of rural life. Unlike conventional landscape paintings which foreground shepherds or farmers to convey peace and tranquility of idyllic atmosphere, Rembrandt's etchings of the same theme cover the humans and other objects with a dense hatching, rendering them nearly invisible. The mainstream view maintains that the painter intended to emphasize rural life itself by placing little distinction between humans and surrounding landscapes. This interpretation draws on the painter's personal history that he stayed for convalescence in the suburbs of Amsterdam in the late 1630s. Admitting the validity of the biographical approach as such, this study enacts a different angle to read the Rembrandt etchings in the social contexts. It pays attention to the fact that the Dutches of the mid-Seventeenth Century found in countrysides an emotional as well as physical resting place isolated from ever expanding cities. The trend among upper-classes was to purchase lands in rural areas where they built private resorts. Lower-middle classes, the largest segment of the population, couldn't afford such a luxury, but they sought the grace of nature in literature, meditations, and paintings. Therefore, there was a great demand for the landscape paintings portraying idyllic sceneries. Rembrandt's landscape etchings were conceived of to meet the demands of the paintings market. Yet they were not just consumer-oriented commodities. A great religious meditator himself, Rembrandt induced the potential viewer to have three phases of artistic experience or spiritual awakening. First, the viewer distances herself from the landscape portrayed on an etching work, but she finds it hard to locate the main motifs. Next, a long hard gaze enables the viewer to see the motifs of lovers, shepherds, and saints, but shortly afterwards she wonders why their shapes are masked by thick hatching lines. Finally, the viewer comes to understand what the style signifies: the humans are part of nature, a mere creation of God. This study concludes that Rembrandt invited his contemporaries, who longed for rural life, to his landscape etchings where he encapsulated his message that the true meaning of natural life is the life of religious devotion.