예이츠와 스티븐스는 자연과 실체와 상상을 사용한 시인이다. 그러나 두 시인은 서로 유사한 시상을 고유하기도 했지만, 그들은 주로 상반된 방법을 사용하 였다. 예이츠는 시를 신화와 혼합해서 승화시키려 하였으나, 스티븐스는 전통과 신화 를 해체하여 인간적인 상상으로 시화시켰다. 특히 두 시인은 상반된 종교관과 이성관 을 가지고 인간의 상상력을 극대화 시켰다.

이 논문의 목적은 “문화적 사이성”이라는 유사성에 초점을 맞추어 예이츠 문학과 포크너 문학의 비교문학적 읽기를 시도하는 것이다. 식민주의의 유산과 상 호대립적인 종교적 전통 속에서 그 문화적 정체성의 불명확함을 보여주는 것이 예이 츠 문학의 특징이라면, 포크너의 문학은 미국/남부라는 대립 속에서 타자화되고 혼종 화된 남부의 역사적 유산을 숙명적으로 대면해야 하는 비극성으로 정의될 수 있다. 이 논문은 이러한 두 작가의 균열된 의식이 어떻게 “아일랜드성”과 “남부성”을 재정의하 며 아일랜드문학과 미국문학의 경계를 교란하는지 논의한다.

예이츠와 조이스의 관계는 다층적이어서 그들의 작품과 전기를 비교하는 텍스트의 상호비교 해석이 요구된다. 조이스의 초상화 속의 스티분의 비라넬 시는 예 이츠의 사랑의 시 방랑하는 앵거스의 노래 에 대한 조이스의 숨겨진 반응 혹은 반어적 암시로 읽을 수 있다. 이 비교는 후자의 뮤즈 시로서의 감추어진 면모를 보이나, 보다 뜻있는 것은, 뮤즈-유혹자에 대한 각 내레이터의 태도에 있어 두드러진 차이를 보이는 데, 즉, 그녀를 찾기 위한 열정적 방랑자와 그녀에게 애원하는 지친 연인이라는 차이점 이다. 결과적으로, 본 필자가 제안하는 것은, 비라넬아의 후렴 “열열한 방법에 지치셨나 요”를 예이츠가 정치적에 “열정적인” 모드 곤에게 애원하는 말로 볼 수 있다는 점이다.

모던시의 특징 중의 하나는 서사 형태를 사용하고 있다는 점이다. 이는 모던시인들이 가장 높고 고귀한 형식의 시로 꼽는 서사시를 그들의 시대에 되살리려 했다는 사실을 입증한다. 그리고 학자들은 이 예로 에즈라 파운드의 캔토스와 티에 스 엘리엇의 황무지를 꼽는다. 나는 윌리엄 버틀러 예이츠도 이 모던시인의 그룹에 속해야 한다고 믿는다. 예이츠는 비록 캔토스나 황무지에 비견될만한 서사형태의 시를 쓰지는 않았지만 그가 쓴 많은 시들이 서사시의 요소를 갖고 있기 때문이다. 이 는 예이츠 역시 파운드나 엘리엇처럼 전통을 존중하고 그 전통에서 시적영감을 얻을 뿐만 아니라 시적 연속성을 지켜야 한다고 믿었기 때문이다.

예이츠는 코울리지를 1925년 이후에 읽었고, 그의 작품을 철학자의 이론 과 조화시킬 수 있었다. 이 논문은, 두 시인들의 작품들을 비교하면서, 어떻게 코울리 지와 예이츠가 그들이 처한 상황에서 비극을 수용하고 그들의 시 속에서 그 비극들을 승화시키는지를 연구한다. 예이츠는 인간은 비극을 이해할 때에만 삶을 진정으로 살아 낼 수 있다고 생각한다. 따라서 예이츠의 시에서 중요한 주제들 중의 하나는 비극이다. 예이츠와 코울리지는 비극적 순간들과 상황을 기쁨으로 변용시키기 위하여 그들의 작 품 속에서 많은 시도를 한다. 두 시인들은 두 편의 훌륭한 시들 — 코울리지의 절망 의 송시 와 예이츠의 청금석 을 썼다. 이 두 편의 시들을 읽으면, 이 작품들이 주제와 분위기에서 매우 유사하나는 점을 발견한다. 이와 동시에, 이 논문은 예이츠와 코울리 지의 작품 속에서 자신들의 아이들을 바라보면서, 다음 세대에 대한 구원의 가능성을 모색한다. 비극적 상황 속에서 각 시인은 인간의 유약함과 한계성을 발견하지만 미래 세대를 통해 희망과 비극적 기쁨을 상상하게 되는데, 코울리지의 한밤의 서리 와 예 이츠의 내 딸을 위한 기도 의 작품 분석을 통하여 관련된 주제를 전개시켜 나간다.

예이츠는 블레이크, 셀리, 오노레 발자크같은 작가들의 작품을 읽음으로써 그의 시적 창작에 영감을 받았을 뿐만 아니라 그의 세계령 사상 형성의 이론적 배 경으로 삼고 있다. 예이츠는 블레이크의 예언시를 편집하면서 자신의 신비종교에 관한 관심을 강화시켰고, 셸리에게서는 세계령을 문학으로 승화시킬 수 있는 가능성을 발견 했으며, 발자크로부터는 인간의 의지가 세계령의 기본이 된다는 것을 인식했다.

내란기의 사색 은 아일랜드 내란이 촉발한 예이츠의 시들 중 하나이다. 시에 내재된 주제인 유산이 예이츠의 윤리관이 반영되고 있는 것을 찾기 어렵지 않다. 이 시에서, 예이츠 자신은 예술가로서 혹은 시인으로서 역사에 참여하는데, 과거와 미 래를 다루는데 중심적 역할을 한다. 또한, 그는 자신을 역사적 유산의 상속인과 피상 속인으로 본다. 그는 건강한 역사적 상속을 받았으며 미래의 세대들에게 전할 자신의 건강한 유산을 만든다.

예이츠의 마스크 이론은 아일랜드의 역사의 중요한 순간, 즉, 1916년 봉 기가 있었던 해에 반대적 국가관이 뿌리를 내린다. 부활절 봉기는 그의 산문 친절하 고 고요한 달 에서 예이츠의 내적 상반의 필요성이 요구되는 역사적으로 부가적 맥락 으로 나타나게 하며, 부활절 봉기 당시에 그레고리 여사, 모드 곤, 그리고 다른 인사 들과의 서신교환은 그의 마스크 이론의 등장을 시험하고 강화시키는데 기여한다. 친 절하고 고요한 달 는 신비주의 이미지를 자주 언급하여 허버트 레빈이 말하는 신비주 의 용어 “집단의식” 즉 인간령 혹은 세계령이라는 것을 구상한다. 그러나 이 산문이 출간되는 해에, 예이츠의 내적 상반의 필요성의 문제가 그의 서신에 수사적으로 나타 나는데, 여기서 예이츠는 일련의 사건들과 관련자들을 만나면서 자신을 극복하고 그가 가졌던 고정 관념들이나 선입견을 초월하게 된다. 이런 의미에서, 집단의식은, 예이츠 에게는, 최종적이 아니라면 항상, 증명된 관점인 것이다.

이 논문의 예이츠와 아오키 읽기는 문학과 예술의 두 주요 운동, 형식 과 반형식/개념주의에 근거한다. 언뜻 보면, 간단히 말해서, 예술작품은 자족적이어서, 이를테면, 소금장이 는 어떻게 쓰여 졌는지에 대한 배경지식 없이, 작품 그 자체만으 로 충분하다는 것이다. 개념주의는 좀 더 복잡한데, 마셀 듀상이 원류이며 정의하기가 어렵다. 이 논문에서 예이츠, 아오키, 이우환을 원형적 개념주의 예술가로 취급한다. 개념미술은 듀상으로부터 출발한다. 개념주의예술은 새로운 예술을 창조하려는 시도이 다. 그러나, 본질적으로 이것은 “반형식주의”의 또 다른 형식으로, 옛 형식을 허물고 새 형식을 만드는 노력이다. 이 노력은 예이츠가 환상록에서 해명한 달의 28상이나 문명의 순환을 상기시킨다.

예이츠는 마지막 시편에서 자신의 죽음과 화해한다. 그가 직면한 것 은 자신의 죽음이지만, 그는 죽음이 마지막이라는 인식으로 죽음을 접근하지 않는다. 대신, 그는 자신의 저서 환상록에서 영혼이 재탄생을 준비할 때 “의식은 껍질(Husk, 욕망 등)에서 정신(Spirit)으로 지나가는 순간”이 죽음이라 기술한다. 죽음을 망각이라 기 보다는 이상한 시작으로 구분하는 것은, 환상록에서 상술하고 있듯이, 부분적으 로 예이츠의 시간에 대한 개념과 존재의 본성에 대한 개념과 상관이 있다. 이 접근은, 예이츠의 초기의 시간의 개념과 죽음의 시간성에 관한 개념에서 유래하며, 이것은 마 지막 시편 전편에 표현되어 있다.

This paper aims to compare William Faulkner’s Absalom, Absalom! and W. B. Yeats’s Purgatory from the perspective of the genealogy of the damned, the damned here being the Old South and the Protestant Ascendancy. For all their obvious differences, Faulkner’s Old South and Yeats’s Protestant Ascendancy share important features in common: the decline of aristocracy, the tendency to mythologize realities, and the sense of loss and self-loathing. In Absalom, Absalom!, Faulkner attempts to retrieve the hidden history of the South from the early years of white settlement on the Mississippi, through the Civil War and Reconstruction, to the Civil Right era. Yeats’s Purgatory dramatizes recent Irish history, looking back on the Irish independence and the establishment of the Free State as the irrevocable proof of the decline and fall of the Protestant Ascendancy. Seeing the genealogies of the Sutpen family and the Old Man as a metaphor of American South and post-independent Ireland respectively, this paper explores transnational possibilities of reading American and Irish literature against each other.

Yeats completed his theory of tragedy after his translation and the performance of Sophocles’ King Oedipus. The theory of his tragedy is as follows. First, the protagonist tries to overcome his fate and inquires into passionate identity. Second, the protagonist reaches tragic ecstasy. Thirdly, the protagonist changes his passion into wisdom. Fourthly, the protagonist completes the ultimate reality through the tragic gaiety. In short, Yeats, after completing tragic gaiety in Sophocles’ King Oedipus, shows how he embodies the ultimate reality.

William Butler Yeats’s poem “Among School Children” is a meditation on love, essence, and change. This paper attempts to relate the Buddhist theories of essence and change to the core philosophical premises of the poem itself. Furthermore, through two specific Buddhist texts, Milindapanho by Nàgasena and Mūlamādhyamikakārikā by Nagarjuna, the paper illustrates similarities in terms of imagery and philosophical ideas in the specific stanzas of the poem, highlighting a philosophical foundation in musings on love and essence as they emerge in the poem.

Unlike many canonized literary figures, William Butler Yeats endures as a curious and multifarious point of reference for both the academic community and purveyors of more popular media. Yeats allusions, references, and evocations span time, location, and genre, but their volume and consistency clearly indicate that Yeats matters. His name retains an authoritative, enduring, and uniquely protean capital; his literary signature aids the writer and affords resources, aligning it with a distinctive, though vaguely defined, literary tradition, historically popular and urbane, that simultaneously exploits, asserts, and perpetuates Yeats’s eminent and mutable position in the increasingly globalized, transnational cultural memory of the last half century. Through discussions of Richard Ellmann’s relationship with George Yeats, Yeats’s (re)politicization by Said and Kiberd near the end of the century, and Yeats’s appearances in television/film, I explore how Yeats’s poetry and personage have been tangled in complex notions of national, ethnic and social power across the 20th century.

That Yeats is the last Romantic whereas Pound a Romantic at first constitutes what this paper is about: what I mean is, Yeats as Romantic transforms himself and Pound overcomes romanticism inherent in him. To become a poet Ezra Pound first reached for William Butler Yeats; became a patron; then overcoming Romantic poetry, became an equal with Yeats. Yeats’s evaluation of Pound is ambiguous, reserving his last judgment. In his “Introduction” to The Oxford Book of Modern Verse, and in his “A Packet for Ezra Pound” in his A Vision (1937) Yeats conceals his judgment of Pound. But it is in fact his indirect yet highest praise for Ezra. I would like to see how so different poetic temperaments enrich each other. I enlist K.K. Ruthven, T.S. Eliot, John Berryman for unraveling the two poetries intermingled.

The paper focuses on the four conditions of earth, water, air, and fire identified by the pre-Socratic philosopher Empedocles, and alchemy. Yeats used concepts he learned from alchemy on the level of words and images and in distinctive tonal qualities. He also took from it concepts that energised his work, especially issues of opposition and desire, and the work towards transfiguration.

The paper is to study the poetic self in Yeats’s later poetry. Yeats dramatizes internal conflicts of the self fighting with the other self. He has not created a single unified image of character in his poetry. He has tried to consciously express the polarity of the self by projecting dual characteristics of being through the poetic self. The poetic self in his poetry is the self who is transformed and developed through the conflict accepting the reality of human nature. Looking over the whole of human life and its prevailing desolation, the poetic self tries to find the proper response to life and suffering in terms of “tragic joy.” The poetic self created by Yeats has got around the conflict through a positive response to life in all its tragic aspects.

Yeats for his life pursued the completion of self, creating “half-self” as a kind of dialectical self and borrowing transcendental power by medium to reach the origin or presence of Thing Itself as the esoteric way of “auto-writing” shown in A Vision. On the other hand, Jean-Baptiste Grenouille, protagonist in Perfume: The Story of A Murderer born with a sense of smell challenges making the essence of perfume risky of life, finally to kill women for creating a supreme perfume possible to fascinate everyone. Accordingly, both have something common as alchemists desiring a universal spiritual or exoteric solvent: the former immerges into enhancing spiritual ennoblement as a result of inner revelation, while the latter ventures his life to attempt the perfect combination of materials through numerous experiments to enchant all that smell the perfume, even those suspicious of charlatanism promising elixir of life.

This paper studies Yeats as imagist, which demands that the poet make use of ordinary and conversational words; different subject-matters, concise and accurate imagery and avoid abstraction. Interestingly he exhibits all the characteristics Imagist poets usually show.