희생은 아일랜드 민족주의의 중요한 가치이자 독립 투쟁의 수단이기도 했다. 희생은 예이츠 초기희곡 세 작품—『캐슬린백작부인』,『캐슬린 니 훌리한』,『왕의 문지방』—의 주제이다. 이 논문은 이 세 작품을 중심으로 각기 다른 형태의 희생 을 연구한다.『캐슬린백작부인􋺸에서 캐슬린은 가난한 농부들을 구하기 위해 영혼까지 팔고, 『캐슬린 니 훌리한』에서 젊은 농부인 마이클은 아일랜드의 상징인 노파의 부름 에 응해 신부와 가족을 뒤에 두고 노파를 위해 싸우러 떠난다. 『왕의 문지방』에서 국 민시인인 샤나한은 국가평의회 위원이라는 시인의 오래된 권리를 수호하기 위해 목숨 을 희생한다. 이 논문의 목적은 주인공들의 희생의 의미와 그 희생에 대한 예이츠의 태도를 분석하는 것이다.

비록 예이츠는 『3월의 보름달』을 『거대한 시계탑의 왕』 보다 더 좋은 극으로 여겼지만 성격묘사와 연극적인 관점에서는 맞지 않을 수도 있다. 살로메 모티 브를 똑같이 가지고 있는 이들 연극들은 여러 가지 면에서 완전히 다르다. 본 연구는 『거대한 시계탑의 왕』 이 ‘공연’의 측면에서는 더 나은 작품이라는 것을 보여주기 위하여 두 버전의 희곡들을 비교한다.

서평

본 논문은 호주 극작가 루이스 에슨에 대한 예이츠의 관계를 규명한다. 예이츠의 영향은 단막극 󰡔캐스린 니 훌리한󰡕(1902)으로 거슬러 올라갈 수 있다. 이 작품은, 본 논문이 “공간화의 기교”라 칭하는, 이중적 형식요소, 담화-공간 중심성, 그리고 주인공의 구체화된 방향성의 모방으로 구성되어 있다. 재구성을 통해서, 에슨이 이 극에서 취하는 것은 아일랜드의 민속의 영속화가 아니라 공간화의 극형식이다. 이 특별한 극작기법은 에슨이 집중적으로 취하여 청중에게 호주의 적대적 공간의 상상력을 제공하는데, 󰡔데드 팀버󰡕, 󰡔성스런 장소󰡕, 󰡔가축매매꾼󰡕을 포함하는 단막극에 활용한다. 본 논문은 20세기 초 영어상용지역의 모더니즘의 맥락에서 이 3작품 속의 예이츠를 분석하여 공간의 (재)구성이 왜 문화민족주의를 표현하기 위해시서 중요한지 설명하는 방법을 제시한다.

이 글에서는 예이츠의 후기극 『큰 시계탑의 왕』과 『삼월의 보름달』을 탄트라 도상학과 철학으로 살펴본다. 두 극에 나타나는 참수와 춤의 이미지는 칼리, 친나마스타 같은 힌두 여신의 도상과 놀라운 유사점을 보이며, 몸을 긍정하는 동시에 초월하는 탄트라 철학은 상반의 융합의 상징으로서 성적 결합을 찬미하는 예이츠의 존재의 통합 개념과 유사하다. 탄트라는 근본적으로 신과의 합일이라는 목표를 가진 영적인 수행법으로, 탄트라 도상학에서 참수된 머리는 에고 의식의 초월을 상징한다. 참수가 역설적으로 결합을 가능하게 하는 예이츠의 두 극은 존재의 합일이라는 시인의 비전을 표현한다.

이 논문은 예이츠가 1920년에 출판한 『무용수를 위한 네 편의 드라마』 (Four Plays for Dancers)에 실려 있는 네 편의 가면극을 분석하여 예이츠가 그의 연극에서 무대와 등장인물, 연극의 주제 등에서 다양한 시도를 하고 있으며 그의 음악적, 시적, 극적인 재능을 활용하여 아일랜드적인 주제와 신화적인 주제, 기독교적인 주제 등 상반되거나 갈등을 하는 주제들이 통합적으로 나타나고 있다는 것을 보여주려고 한다. 예이츠는 관객에 대해서도 그가 선택한 소수의 지적인 관객을 염두에 두고 드라마를 썼고 연출했으며 그의 선택적이며 배타적인 친구집단의 구성은 그의 연극에 독특한 영향을 끼치고 있다.

이 논문은 예이츠 희곡 『캐서린 백작 부인』 과 『배우 여왕』 두 편을 중 심으로 시인과 여주인공과의 대립을 연구한다. 연구의 첫 단계로 『캐서린 백작 부인』 에 등장하는 시인 어릴과 여주인공 백작부인의 대립을 분석하고 이를 통해서 이 조합 이 다른 예이츠의 대립 유형과 비교하여 갖게 되는 차이점과 그 원인을 밝혀본다. 그 다음 단계로는 희곡 『배우 여왕』의 시인과 여주인공의 대립을 비교 분석하여 시인과 여주인공의 조합만이 가지고 있는 특징들을 밝혀낸다. 결론으로써 여주인공과의 대립에서 보여 준 시인의 모습이 통상적인 예이츠가 그리는 시인의 모습과 다르게 보일 수 있지만 그럼에도 그것이 객관성보다 주관성을 우위에 두는 예이츠의 생각을 벗어 나는 것이 아니라는 것을 주장한다.

예이츠는 1798년의 아일랜드 항쟁과 1916년 부활절 봉기의 민족 항쟁 들을 직접적으로 언급한 두 편의 정치 극을 집필하였는데, 두 작품은 상징과 은유의 기법을 통해 정치적 의미들을 가지는 예이츠의 다른 드라마와는 다르다. 두 작품 캐 서린 훌리언 과 죽은 자들의 꿈 의 비교는 두 작품이 비슷한 정치 주제를 어떻게 다 르게 접근하는지를 밝히기 위한 시도다. 예이츠의 초기에 쓴 작품은 정치색이 너무 강 한 한편 후에 쓴 작품은 자신의 시학을 펴기 위해 정치를 이용할 뿐이다.

예이츠의 희곡은 시에 비해 잘 알려져 있지 않고 공연을 자주 볼 수도 없다. 이 글은 예이츠 희곡의 가치를 옹호하기 위해 그동안 예이츠의 희곡이 소홀히 다루어진 이유 및 배경을 찾아보고 예이츠가 연극을 통해 이루고자 하는 지향점을 밝 히는 일이다. 예이츠 희곡의 가치를 옹호하는 한 가지 방법으로써 학자와 비평가들이 예이츠 희곡을 폄하한 구체적인 이유를 분석하여 그 정당성 여부를 따져봄으로써 예 이츠 연극의 본질과 특징을 파악하고자 한다.

Mysticism was Yeats's lifelong concern and became the center of his work. He believed that mysticism can explain the truth of death, rebirth, the cycle of the universe. By founding his playwriting principles on mysticism, he revived Druidic belief, which had been formed mostly from Irish legends, lore, Celtic mysteries, his reading on Druidism ever since early childhood in Sligo. Yeats thought that a poet must be a mystic and that symbolism is the mystic's aptitude. To treat mystical themes, he needed to make things remote from reality by using symbols, but because of symbolic and mystical content some critics insist he founded his drama based on Noh plays. Even though he thought Noh is an ideal form of drama, it does not mean his drama is an extension of Noh plays. Symbols and the supernatural content were his solid principles long before he saw Noh plays. Furthermore, the similar themes in both Noh plays and Yeats's are something he had already learned from Celtic mysticism. The Shadowy Waters is an extremely mysterious story showing visionary experiences of Druidic otherworldliness. In this play, Forgael is following certain birds which are the souls of the dead in search of love. The ghost lovers in The Dreaming of the Bones have been dreaming of fulfilling their love since they died seven hundred years ago, but they can not achieve their dream because of the sin committed during life. This connotes something about Yeats's belief in purgation. He believed the dead have to live anew until the purgation is finished. He shows the same belief in Purgatory, where the dead can not free themselves from purgation due to the consequences of transgressions. In all of the three plays Yeats demonstrates Druidic doctrine that the dead exist and dream in the eternal cycle of birth.

Yeats has expended so much energy on theatre for the simple reason that his imagination was essentially dramatic. Just as in his lyrical poetry he was to find a way of embodying his conviction that conflict is at the root of life, so in his drama he was to develop techniques that enabled him to shape his vision into actable form. Despite great differences in subject matter and technique, Yeats's plays consistently dramatize the conflict between the opposing values: passion, intuition, heroism and self-assertion, on the one hand, reason, prudence, convention, community and self-submission, on the other hand. This paper studies the conflicts in Yeats's three early plays: the conflict between the poet Aleel's world of dreams and beauty and Cathleen's decision to sacrifice herself for the community in The Countess Cathleen, the conflict between the life-denying forces of moral orthodoxy and social conformism and gaiety and aesthetic vitality in The Land of Heart's Desire, and the conflict between the poet Forgael's transcendental journey and his companions' absorption in wine, women, and loot in The Shadowy Waters. Thus, conflict is a powerful instrument to dramatize Yeats's dramatic vision and these early plays, in spite of many failings, show the embryo of the recurrent theme of conflict in his more successful later plays.

This paper examines Yeats's idea of hero and heroism in his Cuchulain plays. Cuchulain is the mythological champion of the ancient province of Ulster. He is the protagonist in a cycle of plays written by Yeats over a span of thirty-five years. Cuchulain became for Yeats a personal symbol for the heroic as well as the national ideal. He was not only his mask or alter ego but also the chief representative of that heroic age to which Yeats wished Ireland to aspire. Yeats significantly altered the Celtic legend to serve his dramatic purposes. He was concerned more with the nature of heroism than with the character and the life of the Ulster champion. So he was not interested in the hero's superhuman feats of arms or bravery which his source had emphasized. Instead he wished his countrymen to learn the hero's spiritual virtues: the unyielding spirit of challenge in At the Hawk's Well; selfless courage and sacrifice for his country in The Green Helmet; the comparison and contrast between the actual anti-heroic world and the heroic ideal in On Baile's Strand; true love and self-sacrifice of his wife in The Only Jealousy of Emer; forgiveness, mercy, unselfishness, and transcendence of the fear of death in The Death of Cuchulain. Cuchulain's heroism consists in a combination of daring, gaiety, strength and beauty, and he is a free man, a challenger who, whether he wins or loses a specific battle, is ultimately victorious over himself and over others. The hero is freed from every form of hesitation, both moral and physical. The essence of Yeats's heroism is sacrifice and the creative joy separated from fear.

예이츠에게 있어 아니마 문디, 혹은 세계영의 사상은 여러 가지 역할을 하고 있으며 그중 가장 중요하고 기본적인 것은 역시 작품의 배경으로서의 역할일 것이다. 특히 그의 연극작품들에 나타나고 있는 아니마 문디는 아일랜드적 배경들과 함께 작품과 관객(혹은 독자)들에게 공통적인 감정을 이입시켜 연결하게 해준다. 그의 연극적인 배경이 되는 신화적 요소들과 현실과 환상이 공존하는 공간적 배경들, 삶과 죽음의 세계와 그 중간의 세계가 윤회적으로 나타나는 시간적 배경들은 모두 작가와 그의 독자들에게 모두 친숙한 세계이다. 이런 소재들과 사건들을 다루면서 예이츠는 그의 민족주의적 연극이 관객들에게 줄 수 있는 메시지를 스스로 조절할 수 있었으며, 관객들이 작가의 의도를 알아차리는 데는 별 문제가 없어 보인다. 이 글에서는 예이츠의 연극 열 편에 등장하는 켈트적인 신비와 상징을 중심으로 아일랜드인들이 모두 공유하는 집단적인 대기억들이 조국의 문화적 동질성을 회복시키며 정치적 종교적 분열을 치료하여 민족적인 통일을 이루어내기 위하여 직접적으로 또 간접적으로 사용되었다는 것을 밝힘으로써 세계영의 사상이 이론에 치우친 허황된 개념이 아니라 국민들의 의식속에 실재로 존재하고 있다는 것을 밝히고자한다. 물론 공연을 염두에 두고 쓰여졌으며 민족주의적인 메시지를 담고있다는 목적이 뚜렷하고 또 무대공연의 제약이 있기에 시에서처럼 심오한 의미를 전달하기는 어렵지만, 이들 연극에서 신비한 과거의 세계가 원형으로 사용되어 현재와 미래를 동일시하게 해주고 있음을 잘 알 수 있다.

This paper is an attempt to examine the political aspects of Yeats's plays, and, for that purpose, four of his major plays are selected and analyzed: The Countess Cathleen, Cathleen ni Houlihan, The Dreaming of the Bones and Purgatory. In the introductory part, the present writer briefly surveys the ways how Yeats, finding in drama an effective means of achieving the unity of culture for Ireland, dedicated himself to the dramatic movement and related activities. The next and main part of the paper examines the selected plays, paying attention to the political themes and the other political elements specifically revealed in these plays. The early two plays, The Countess Cathleen and Cathleen ni Houlihan, show the rare and sublime cases of sacrifice and devotion directed toward the cause of Irish independence and wellbeing by creating two characters, an aristocratic lady who sacrifices her life and soul to save the starving peasants and a young man who rushes to the heroic death for Irish independence leaving behind his new bride and home. While The Dreaming of the Bones asks the political and historical meaning of the two most important events in Irish history: the Diarmuid and Dervorgilla episode of the 12th century and the EasterRising of 1916, Purgatory deals with the political and social implications of the destruction of an honored house caused by mesalliance. To the extent that both of these middle and late plays end in a tragic note of unforgiving bitterness and hatred, they can be regarded as the aesthetic expression of the real political and cultural situations of Irish society at the time of their writing. What this paper is trying to say as a conclusion is that the four plays discussed here reveal the political and ideological positions of Yeats as they developed in his early, middle and late years of life. In other words, they reveal the specific ways in which Yeats as an Anglo-Irish poet and playwright tried to solve the problems and contradictions he faced in the changing political and social situations of Ireland.