이 논문은 워즈워드와 예이츠의 시에 나타난 자연과 회귀성이 초기 작품들과 후기 시들에서 어떻게 변화하는지 연구한다. 두 시인들은 그들의 감정을 분명하게 드러내기 위한 매개체를 자연에서 끌어왔다. 워즈워드에게 자연은 지식과 즐거움을 주고, 전 생애에 영향을 미친다. 워즈워드가 인간과 자연사이의 유대관계에 대한 믿음을 가지고 있었던 반면에, 예이츠는 그러한 관계에 대한 실마리를 찾는 데 있어서 모호한 태도를 보인다. 예이츠는 낭만적 서정시에서 시작 활동을 시작하여 후기 시들에 이르기까지 자연으로부터 회귀적인 주제들을 더 깊은 통찰력으로 보여준다.

이 논문은 워즈워드의 『서정담시집』과 예이츠의 중기 시 읽어서 두 시인을 비교한다. 이 시인들은 전통시의 관습에서 영시를 자유롭게 해방시킨다. 워즈워드는 상위계급을 다루는 주제나 인위적인 시의 규칙과 관습을 비난하며 보통 사람의 생활에서 소재를 취하여 자연스런 언어로 풍요롭고 자연적인 감정을 표현한다. 예이츠의 경우 20세기의 시작과 더불어 전환기에 도달한다. 1901년과 1902년에는 시와 희곡 속의 수정된 여성의 원형을 이상화하기 시작한다. 구어를 강조하는 그의 중기시에 초점을 맞추는데, 『일곱 숲에서』, 『초록 투구 시편』, 『책임』의 시들을 다루게 된다.

워즈워스와 예이츠는 프랑스혁명과 부활절봉기를 겪으면서 각각 새로운 공화국의 설립과 아일랜드의 독립을 꿈꾼다. 하지만 이들 역사적 사건이 불러온 폭력과 유혈사태는 두 시인이 이전에 가졌던 시각을 변화시킨다. 이들은 양가적 감정에 사로잡혀 본인의 판단에 대해 끊임없이 의문을 제기하면서 분열된 자아의 양상을 보인다. 워즈워스와 예이츠는 혼란스러운 역사적 사건을 마주할 수 있는 유일한 방법으로 각각 자연과 언어로 회귀하지만 양가적 감정을 완전히 해소하지 못한다. 두 시인은 프랑스혁명과 부활절봉기의 빛과 그림자 사이를 끊임없이 오가며 환희와 슬픔, 긍정과 부정, 희망과 두려움을 동시에 시로 표현한다.

서곡 은 워즈워스의 정신적 성장사를 보여주는 작품으로 고백적 성격을 띠 고 있다. 시인은 정신적 위기를 극복하고, 손상된 상상력을 회복하기 위해 과거 의 경험들을 회상하는데, 사실적 기억의 차원을 넘어 현재의 필요에 맞게 재구 성하듯 회상해 낸다. 워즈워스의 서곡 은 서구문학사에서 매우 독특한 위치를 차지하고 있는데, 이 작품에서 눈에 띠는 서술기법은 “시간의 점들”(spots of time)에 대한 회상이다. “시간의 점들”은 서곡 의 전개에서 매우 중요한 의미 를 지닌다. 이 시간의 점들은 어느 한 순간에 신비로운 모습으로 나타나 기억을 지배하며, 무의미하게만 느껴지는 일상의 숱한 기억을 향해 밝은 빛을 비춰 그 것들이 각기 모래알처럼 흩어지지 않고 나름의 유기적 관계를 맺어 전체에 의 미 있는 구성요소가 되도록 도와준다. 워즈워스는 이런 시간의 점들을 과거의 사건이 아닌 현재적 사건으로 해석하고 고백하면서 오랜 세월에 걸쳐 시인으로 서 자신의 서사적 고백시를 완성하였다. 본 소고는 이런 시간의 점들에 대해 문 학적 차원뿐만 아니라 종교, 철학적 차원에서 새로운 조명을 시도하고 있다.

예이츠의 첫 시집 교차로(1889)는 낭만주의 전통에 기반을 두고 있다. 이는 시의 바탕을 이루는 낭만주의 시인들, 블레이크, 셸리에 대한 예이츠의 공감과 탐구의 반영이라고 볼 수 있다. 현실세계와 거리가 동떨어지는 경향이 있지만, 세련되고 복합적인 사상들이 형성되기 전의 젊은 시간에서만 생산될 수 있는 예술을 위한 예술, 시 자체를 향한 순수한 시 정신을 표현하고 있다. 이 논문에서는 블레이크, 워드워드, 키츠와 연결할 수 있는 예이츠의 시에 맞추고 시 작품을 구체적으로 비교한 다. 특히, 낭만주의 시와 구별되는 예이츠 특유의 독특한 시적 개성과 시를 현대적인 감각으로 발전시킨 예이츠의 시적 능력을 탐색하는 데에 중점을 두고 있다.

본고는 워즈워스와 예이츠의 시에서 나타나는 폭력의 이중성을 다룬다. 두 시인은 특정한 힘을 변화시키거나 개혁하기 위해 폭력을 원하면서도 동시에 그것에 대한 죄의식을 느낀다. 그들의 환상은 그 힘에 대항하는 것이 단지 그것을 얼마나 쉽게 재생산하는 것일 뿐인지를 구체적으로 보여준다. 워즈워스는 로베스피어리가 가한 폭력을 비난함으로써 자신의 죄없음을 회복해야한다고 느낀다. “나는, 로베스피어리, 당신을 고발한다!” 그러나 그는 자신이 로베스피어리인 것처럼 암시하는 방식으로 자신의 적과 자기 자신 사이에서 갈등한다. 예이츠는 1916년 부활절 과 내전기의 사색 에서 폭력의 이중성이 문화를 창조하는 것으로 해석한다. 폭력은 자신의 힘을 문명으로 승화시키면서도 그와 동시에 매우 공들여 건설된 사회 질서를 불가피하게 파괴할 수 있는 것이다.

예이츠는 낭만주의자, 신비주의자, 상징주의 시인 등으로 불린다. 이 논문은 영국 낭만주의를 태동시킨 워즈워드의 시 이론으로 예이츠의 시를 읽는다. 예이츠는 워즈워드의 “즉흥적인 강한 느낌의 넘침”이라는 개념과 비슷한 시의 이론으로 아름답고 리듬감을 살려 자신의 시를 창작하고 있으며, 또한 자신의 시의 이론도 정립한 시인이다. 본 논문은 예이츠의 낭만주의 시학에 초점을 맞추어 예이츠 시에 대입한다.

Analysis of how texts’ rhetorical strategies endanger or sustain the narcissistic structure of the self is an important approach in recent deconstruction criticism. This criticism carries out a challenge to the analogy between the mind and nature that is to establish a coherent image of the mind and the self. By taking Wordsworth’s the Prelude and a few poems in the earliest Yeats, this essay focuses more centrally on threats to the self and the possibility of self-representation posed by the process of representation itself. In Book IV of The Prelude, the dynamic of passion and memory operates through the image of self-knowledge as a ‘reflection.’ The motion from past to present is a totalization of the self by means of metonymical substitution: the mere eye that looks into the water receives a whole image. But as the word hang, deeps, and gleam suggest, the motion is not necessary to lead to a totality of the self. Passion and prop of affection is always already involved in the self-reflection, preventing it from closing upon itself. The complex dynamic of passion and memory thus is inimical to self-representation. The Blessed Babe passage in Book II is also governed by the figure of passage, present here in the word passion as a sort of originary movement. The self-recognition of the poet is structured as crossing between past and present relations. Here substitution occurs as a transformation of the negation of the mother into a positive gain of nature. But the phrase ‘unknown cause’ and the reference to a ‘trouble’ imply the disruption of the passage from the maternal props to natural properties. The dominant mood of Yeats's earliest poetry is one of narcissistic self-contemplation. The poet in the mood does not contemplate a thing in nature but the working of his own mind. The outside world is used as a pretext and a mirror for self-representation. In “The Song of the Happy Shepherd,” the shell is not sheer nature, impressing itself upon a passively receptive consciousness, but the subjective dream of a human imagination. In spite of the apparent replacement of all the substance of the object by its reflection, however, the image of the shell remains altogether conditioned by the existence of this object. The reflection can be left to exist as a mere phantom of the self without substantial existence of nature. The failure is made explicit in “The Sad Shepherd” where the same shell shatters his song into confusion. Yeats is well aware of this paradox. In order to escape from this narcissistic predicament, for example, he uses the image of a parrot in “The Indian to His Love” who rages “at his own image in the enamelled sea.”

T. S. 엘리엇의 초기 시 ｢불멸의 속삭임｣과 윌리엄 워즈워드의 ｢어린 시절 회상으로 부터의 불멸의 암시｣에서 서로 공통적인 요소가 발견된 다. 엘리엇은 형이상학파 시인들의 남겨놓은 불멸의 유산을 전통으로 받아들임으로써 불멸성을 설명하였고 워즈워드는 어린 시절 기억을 통하여 천국에서 막 태어난 신성한 자취를 신성한 불멸성이라고 찬양하였다. 본 논문은 낭만주의적 불멸성을 어린아이가 바로 태어난 이후에 지니고 있는 불멸성을 “생후 불멸성”이라고 모더니즘적 불멸성은 17세기 시인들의 죽음의 흔적을 통해 그리고 그 흔적들과의 대화를 통해서 얻어내는 불멸성을 “사후 불멸성”이라고 지칭하고 그 차이를 살펴보고자 한다. 그리고 결국, 왜 엘리엇은 전통과 불멸성을 동일시했고 왜 워즈워 드는 어린 시절에서 신성을 찾으려했는지를 각각의 시대의 사상을 통해 증명해 보려고 한다.