예이츠의 작품에서 반복적으로 나타나는 모티프인 변신(Metamorphosis) 은 현실의 가혹함으로부터 위안을 제공한다. 아일랜드 유산에 뿌리를 두고 전설과 민 간 전승에 둘러싸여 자란 예이츠는 변신을 상징적 탈출구로 활용하여, ｢흰 새｣, ｢레다 와 백조｣, ｢비잔티움으로의 향해｣, ｢메이브 여왕의 노년｣, 환영의 바다 등의 작품을 통하여 덧없는 삶 속에서 영원한 사랑의 주제를 탐구한다. 본 논문은 예이츠의 변신 사용의 예를 분석하고, 존재의 덧없는 본질에 맞서는 그의 의도와 그 의미를 밝히는 것을 목표로 한다.

예이츠의 시는 유토피아를 찾는 내용이 많다. 자신의 삶이 고통스러웠 음을 반증한다. 그는 개인적으로는 반평생 쫓아다닌 모드곤의 사랑을 얻지 못했고 사 회적으로는 정치적, 종교적으로 갈라진 아일랜드가 늘 서로 싸우고 헐뜯고 비난하는 세상을 경험했다. 그러다가 나이가 드니 또 다른 형태의 고통인 생로병사의 문제점에 직면한다. 그때마다 그의 시는 유토피아를 향한다. 늘 고통 속에서 몸부림 쳤던 시인 의 생은 어쩌면 보편적인 인간의 모습이기도 하다. 예이츠는 예술가의 임무는 비극 속 에 신음하는 인간을 유토피아로 인도하는 것이라고 했다. 그가 말하는 유토피아는 결 국 무엇을 의미하는가? 시인의 유토피아는 결코 물질적인 장소의 개념이 아니다. 시인 은 자신의 마음 깊숙이 존재하는 생각, 사고의 프로세스, 자유롭게 상상하는 힘, 죽은 자에게 생명을 불어넣는 예술적 창조의 힘, 그리고 명상의 힘이라고 말한다. 시인에게 는 그 정신적인 힘 그 자체가 유토피아이다.

예이츠와 조지 하이드-리즈의 자동기술은 예이츠의 시학에 커다란 전환 점을 제공한다. 자동기술 이전에 예이츠의 시는 아일랜드의 문화와 역사, 모드 곤과의 사랑 등과 같은 아일랜드와 연인에 대한 사랑이 주요한 소재이었다. 그러나 자동기술 이후에 예이츠의 시학은 전 세계의 역사와 문화, 우주 등으로 확장된다. 더욱이 예이 츠와 아내의 자동기술은 인공지능의 초지능 상태와 유사하다. 그래서 이 연구는 예이 츠와 아내의 자동기술과 강인공지능의 초지능의 상태와의 유사점을 비교 분석하면서 예이츠가 그의 시에서 추구한 사상을 추적해 보는 것이다.

예이츠는 확실히 완벽한 시의 시인이다. 아니면 적어도 그가 살아있는 동안 어느 때건 끊임없이 자신의 시를 다듬었다는 사실을 아는 것에서 비추어 자신의 시를 완벽하게 만들려고 했다는 것만은 이해할 수 있다. 그렇다면 바로 이 질문에 답 해야한다: 그가 죽을 때까지 간행하지 않았던 시들을 간행해야 하는가? 나는 이 시들을 읽고 나서 예이츠의 판단에 동의하고자 한다. 즉, 발행하지 않아야 한다는 것이다. 그러나, 초기시 연구학자들에게는 『윌리엄 버틀러 예이츠: 달빛 아래서: 초 기미간행시』 (조지 본스틴; 뉴욕: 스크리브너, 1995)는 큰 도움이 될 것이다. 난해한 원고를 읽고 해독하고 각 시에 주를 다는 본스틴의 노력은 가치 있는 일이었다.

이 논문은 윌리엄 버틀러 예이츠의 「조각상」 , 「델픽 오라클을 위한 소식」 , 그리고 「긴다리 파리」 의 순서에 대한 중요성을 탐구하려한다. 본 연구자는 이 세 시의 순서는 예이츠의 위대한 예술에 대한 견해를 반영한다고 주장한다. 즉 예이츠는 위대한 예술은 비극으로 시작해서 기쁨 더 정확히 표현하자면 섹스로 끝난다고 쓴 적이 있다. 예이츠는 예술을 신혼 첫날밤의 기쁨 같은 존재에 비유하기도 했다. 「조각상」은 비극적인 시이고 「델픽 오라클을 위한 소식」은 섹스의 기쁨을 노래한 시인데 이 기쁨은 예이츠에게는 천국이요 유토피아의 세계이다. 이 두 시 다음에 「긴다리 파리」가 위치한 점을 눈여겨보아야 하는데 이 시 역시 비극과 섹스라는 같은 주제를 다루어 앞서 제시된 같은 주제를 확장하고 강화하려는 의도를 보여준다. 시를 통해 기쁨을 추구하려는 예이츠의 의도는 그의 정치적인 목적과 깊은 연관이 있다. 즉 아일랜드 국민을 유토피아로 이끄는 것이다. 여기서 시인이 꿈꾸는 유토피아는 고대 그리스보다 더 위대한 문명의 요람으로 세계에 우뚝 설 미래의 아일랜드이다.

『나선계단과 기타 시들』의 구조는 가이어를 형상화한 것이다. 시집의 서시는 나선계단의 초입 즉 작은 원, 시집의 결론부분인 『젊은 그리고 나이든 여인』은 나선 계단의 마지막 부분 즉 큰 원을 연상시킨다. 이 가이어는 예이츠의 철학과 역사관을 나타내는데 시집의 시작을 신생 아일랜드 자유국의 분열된 정치판을 그리고 시집의 끝을 고대 유럽 특히 그리스의 신화와 희곡으로 맺는다. 이렇게 아일랜드와 고대 그리스를 가 이어로 연결시킨 예이츠의 의도는 분명하다. 비록 지금은 정치적으로 종교적으로 분열되어 있지만 미래에는 아일랜드가 동서양을 아우르는 보다 포용적인 나라가 될 뿐만 아니라 고대 그리스에서 시작한 인류의 문화적 철학적 전통도 계승하게 될 거라는 시인 자신의 철학과 역사관을 표현한다.

이 시의 중심 이야기 즉 여신 이퍼와 젊은 전사와의 사랑의 이야기는 보통 정치적, 예술적 의미로 받아드린다. 그러나 이야기 속에는 예이츠와 모드 곤과의 좌절된 사랑의 의미뿐만 아니라 예술가로서 이를 어떻게 극복할건지에 대한 의미도 숨어 있다. 이퍼와 젊은 전사의 사랑 이야기 속에는 시인과 모드 곤과의 관계가 숨어 있다. 이퍼가 자신을 버린 젊은 전사를 원망하는 마음은 자신을 버린 모드 곤을 향한 예이츠의 마음이라는 말이다. 이퍼의 아픔은 고반이 빚은 술로 치유된다. 여기에서 술은 예술을 상징한다. 즉 시인은 스스로 좌절에서 벗어나는 길은 앞으로 창작활동 뿐이라는 점을 천명하고 있다.

아일랜드 문학사에서 가장 영향력 있는 작가들로 손꼽히는 와일드와 예이츠는 인생에 있어서는 공통점이 많지는 않으나 『살로메』나 『그림자 드리워진 바다』 에서 나타나듯 사랑의 철학에 대해서는 많은 공통점이 있다. 주인공들의 사랑에 대한 태도는 자신감 있고 위압적인 전형적인 또는 전통적 “남성적” 행동양상으로 나타난다. 예이츠의 극에서 포겔의 태도는 마법에 의존할 수 있기 때문에 부드러운 양상으로 나타나는 반면 와일드의 극에서 살로메는 마법에 의존할 수 없기 때문에 사랑에 빠진 사람이 생각해낼 수 있는 가장 잔인하고 기괴한 방식으로 나타난다. 본 논문은 두 작가의 작품들 『살로메』와 『그림자 드리워진 바다』에서 사랑을 표현하는 데 있어서 미학적 접근이 어떻게 유사하게 나타나는지 알아본다.

본 논문은 현대문학의 중심에 예이츠를 두고 현대문학의 초민족주의시 학을 구획하고 정의하려고 한다. 20세기의 주된 작가 예이츠, 파운드, 엘리엇과 레이디 그레고리와의 문학적 교류를 다루고자 한다. 이들 중 레이디 그레고리와 파운드와의 관계는 면밀했었다. 예이츠가 극작품을 집필하기 시작할 때 레이디 그레고리의 예이츠에 대한 영향력을 컸었다. 파운드의 경우, 파운드의 초기에 예이츠의 영향력을 강력하였고, 스톤 오두막에서의 협업 이후에는 파운드의 영향은 예이츠가 낭만주의의 시삭을 극복하는 촉매가 된다. 먼저 서두에서 본 논문의 이론적 근거를 마련하려고 하는데, 예이츠는 가족적 사회적 배경을 근거로 예이츠를 바라보며 아울러 아일랜드 안에 서뿐만 아니라 영국, 프랑스 내외에서 발생하는 아트 운동과 문학운동의 맥락으로 예 이츠를 보려고 한다. 작가 예이츠의 변화를 추적할 때 본 논문은 미시적 및 거시적 관점을 견지하여, 그의 시 세계의 보다 크고 명학한 면을 드러내고자 한다.

이 논문은 예이츠와 포프가 창문 위에 쓰인 말과 머리카락의 유린 에서 실존 인물을 어떻게 작품화하는지 연구한다. 이 두 작가의 장르는 다르지만, 둘 다 이야기를 극화하는 동일한 접근을 시도한다. 포프는 시를 쓰지만 극적 요소가 있는 서사시를 쓰고, 예이츠는 극을 쓰지만 힘찬 시를 포함하여 극 자체를 시적으로 만든 다. 이 두 작가들은 또한 독자들의 혼과 귀신에 대한 생각을 활용하여 자신들의 작품 이 신비롭고 환상적이게 보이게 한다. 이 논문은 실재하는 사람들의 이야기를 극화하 기 위하여 초자연적 요소들을 어떻게 활용하는 지를 비교하게 된다.

이 논문은 오든의 어느 저녁 때 산책하면서 와 예이츠의 비잔티움으 로의 항해 와 학교 어린이들 사이에서 를 비교하여 이 시들의 공통관심사인 시간의 문제가 어떻게 다르게 다루어지고 있나를 논의한다. 오든은 기본적으로 시간의 힘과 독재에 대한 인간의 나약함과 무기력함에 대한 관망 또는 명상하는 자세 그 이상 이 하도 아닌 반면에 예이츠는 이 문제를 극복하고 초월하려는 자세를 견지하고 있다. 이 는 두시인의 다른 시학에서 비롯된 것으로 결국 이 차이는 모던과 포스트모던의 차이 를 구별 짓는 많은 요소 중의 하나로 논의될 수 있을 것이다. 이는 한마디로 문학의 역할을 어떻게 볼 것인가 하는 점으로 귀결되는데 예이츠는 낭만주의의 후예답게 문 학은 사람을 변화시킬 수 있다고 믿는 데 반해 오든은 그러한 문학의 힘을 더 이상 믿지 않는다는 것이다. 다시 말해 예이츠는 시인의 역할은 민중을 깨우치는 위대한 선 지자로 보는 반면에 오든은 현대사회에서 과학의 발달로 인해 시인의 사회적 위상이 많이 약해졌다고 믿고 있는 것이다.

예이츠와 엘리엇은 그들의 이력과 작품에 동양사상, 특히 불교의 영향을 짙게 보여준다. 자신들이 불교의 영향을 받았다고 말하기도 했고, 불교를 깊이 있게 천착하기도 하였다. 이들의 작품이 불교적인 색채를 보이는 것은 당연하다. 본고는 이들의 삶이 불교와 어떤 관계를 맺고 있는지, 그리고 작품에는 불교 사상이 어떻게 표현되어 있는지를 살펴본다.

Building on the readings of Yeats’s esoteric poems and A Vision, I pose to rethink the dimensions of his occultism, more specifically his reflection on an encounter with the supernatural beings. The need for rearticulation of the role of relation to the other gains urgency because the supernatural beings are by nature obscure, indistinct, and indefinite. They resist too much clarification and determination that may reduce their complicated and irreducible beings to distinct concepts. The difficulty, therefore, lies in the question of how Yeats could present the beings in a manner as precise, proper, and rigorous as possible and at the same time he could respect and honor the mode in which the beings conceals themselves in the mystery, by letting them be the mystery that they are. Applying the concept of “ecstasy” and “epiphany” to Yeats’s three poems, my paper investigates how each poem reflects and illustrates the nature and the structuality of “ecstasy” and “epiphany.” In “The Double Vision of Michael Robartes” the girl dancing between a Sphinx and a Buddha in the fifteenth night is the anti-self of Yeats. In a moment the girl, the Sphinx, the Buddha and the poet himself had overthrown time in contemplation. They remain motionless in the contemplation of their real nature. when Robartes meets the girl, he can be a totally subjective mind, overcome the illusion of duality, and find a “revelation of realty.” They finally all integrated into one and accomplish the ultimate reality as a phaseless sphere. This poem Robartes shows how ecstasy or epiphany in an encounter with the supernatural being not only arises from the contemplation of things vaster than the individual and imperfectly seen but also escapes from the barrenness and shallowness of a too conscious arrangement. In the second section of “Vacillation,” Yeats presents a ritual ceremony in which “Attis’ image” is hung between the two parts, uniting death with eternal life, assuring immortality. He who performs this rite “May know not what he knows but knows not grief.” Yeats in his poetry consistently and repeatedly alludes to an ancient sacrificial ritual and the imitations of ritual techniques through words and rhythms. For him, the ritual enacts an inner vision of permanent beauty and harmony and enables us to participate in the transcendental experience of a rite. Yeats often clearly sees and evokes the effects of sacrifice to ensure symbolize the transcendental vision of whole beyond ordinary experience or expression. Yeats showed Unity of Being in “Byzantium.” He attains the Ultimate Reality completely, in which subject and object are unified in the space without the time. He achieves the ultimate reality as an eternal instant. This ultimate reality is Yeats’s Unity of Being.

In A Vision, Yeats provides multiple trans-temporal (crossing different periods in history) and trans-national(crossing different nations) collage of “the glance characteristic of a civilization in its final phase,” and provides different images of eyes for each period. Each of these images is related to a certain point between concernful dealing with the world and the vision of the infinite world. Each image of the gaze characteristic of sculpture represents a civilization, and constitutes a “discontinuous image” which connotes “the symbolic message.” In fact, Yeats reveals each image of the eye as a fragment or stasis of a moment of the spiritual eye, and at the same time as the representation of Yeats's intention to quest for the Unity of Culture, the “vast design” of his transnational poetics. The objective of this paper is to trace the trajectory of Yeats's poetics and rhetoric. My contention is that Yeats reveals his major shift from the poetics to the rhetoric in the midst of the multi-level “twists and turns” which mark an important manifestation of the process of transmigration toward the Unity of Culture, and I argue that Yeats’s quest for the Unity of Culture manifest a transnational poetics. Yeats’s poetic development manifests the on-going process of contestation and fragmentation on the bridge between the poetics and the rhetoric. The bridge is a site of turbulent aporia site in which duplication of contestation creates a simultaneous centripetal and centrifugal movement, comingled with multiplication of fragmentation. Between “Magic” essay and A Vision, there is a missing link to establish the so-called “linguistic turn” in the career of Yeats the transnational poet/theorist. Yeats in his Per Amica Silentia Lunae already conceived the doubling intertext of intentionality as an anchoring center of the breakthrough out of the dilemma of the theory of magic. In fact, what Yeats has done in Per Amica Silentia is to create conflict, tension, and equilibrium between the theory of magic and the theory of the linguistic turn, thereby rupturing the inauthentic theory of correspondence and establishing the foreground of the authentic concept of correspondence in terms of Othering. The Only Jealousy of Emer is the dramatic manifestion of Yeats’s linguistic turn in the speech of the characters in relation to the desire of the Other. My focus here in this play is rather the role of the multiple masks which represent the nature of the Other as well as the process of Othering. The Other has been represented by the multiple characters’ masks such as those of Bricriu (The Figure of Cuchulain), Fand (Woman of the Sidhe), The Ghost of Cuchulain, Emer, Eithne Inguba. As a unified vision of Yeats’s own diachronic and synchronic transnational poetics, A Vision can be seen in terms of Deleuze and Guattari’s “desiring- production.” Opposed to the (negative) Lacanian dialectic of lack and desire, Deleuze and Guattari propose a theory of “desiring-production,” which they define as a “pure multiplicity, that is to say, an affirmation that is irreducible to any sort of unity.” If we re-consider A Vision as a desiring-machine that is connected to other desiring-machines, we deterritorialize the perspective which constructs lack as the centre of subjectivity, thereby reterritorializing subjectivity as a network of multiplicities. The gaze of the writing subjects in A Vision become autonomous, creating automatic writing and automatic speech. Then, A Vision which is given for the metaphors for poetry and poetry achieves its being in language. In short, Yeats has established a transnational poetics which traces its poetics of the Other and Othering back to the poetics and the rhetoric of the linguistic turn, a turn in which poetry exists in language and turned toward an inner reality.

This study proposes to venture into the common elements and differences in both W.B. Yeats’s and Derek Walcott’s poems. It has been said that the young Walcott was sympathetic to the Irish writers, such as Synge, Pearce, Yeats, and Joyce, because he intended to make himself master of the themes and rhythms of the exile or castaway that the Irish writers echoed in their works. Of the Irish writers, Yeats was especially a poet who a little more previously wrote of the same issue as the young Walcott tried to and the young poet’s attention was deeply caught in the Yeatean poetics, more specifically, in the Yeatean mask which echoes a solitary self as an artist. Walcott’s Crusoe as a poetic self echoes the Yeatean mask. More specifically, it is a parallel for a poet with his daily ritual of the poet creating a new poem in the desperately isolated island. It is believed to be created by Walcott’s comparing himself and his own country to Yeats and Ireland in terms of an exile, a castaway or a lost self, which reflects a solitary and artistic figure in his poems, such as in “Crusoe’s Island” and “As John To Patmos”. Despite this fact, Walcott is also a poet who has built up the self-figure on a different base from Yeats’s heroic or aristocratic self. His poems are based on the Caribbean multi-racial background characteristic of slavery, poverty, lost hope, and lost identity that have resulted from the colonial policy of the British government that stepped into the Spanish and the French shoes. His Caribbean figure is a poverty-stricken, obedient, but patient, willful castaway, with his thick lips tightly closed. Although Walcott is a poet who has developed his own poetic self on the Yeatean base, which resulted in his fruitful poems, it is believed that he made greater efforts to weave the Caribbean spirit into poems than others. Then, the Caribbean tropical landscapes, such as sea, wood, and sun, etc. are a poetic space which sublimated his themes into the Caribbean soul.