예이츠와 히니 두 작가 모두 다른 기질과 역사 및 문화 배경으로 인하여 서로 다른 유토피아를 추구한다. 두 작가를 비교해보면 낭만적경향의 예이츠는 과거나 미래 혹은 저 먼 나라를 그린 점에 있어서 '지금' 그리고 '현재'라는 실재에 비중을 두는 히니와 다르다. 예이츠를 궁중풍 시인 혹은 켈트의 무당 혹은 기사라 칭한다면 히니는 초기에는 아일랜드 역사를 파헤치는 고고학자, 중기에는 방랑 순수시인, 그리고 후기에는 과학자적 객관주의와 초월주의 시인의 면모를 동시에 보이는 점 때문에 예이츠에 비해 사실적 작가로 평가하게 된다. 그들이 그린 유토피아에 그리스 어원을 적용해보면 예이츠는 '어디에도 없는 곳'을 히니는 '좋은 곳'을 추구한다는 차이를 발견하게 된다.

예이츠의 "비잔티움의 항해"와 "비잔티움"은 전체적인 관점에서 통합정신이 깔려 있다. "비잔티움의 항해"는 정형화된 영혼정화의 과정이 그려져 있고, 갈등의 부분은 다소 모호한 방식으로 드러나 있다. 이에 비해 비잔티움은 계속적인 갈등의 상황으로 시를 마무리 한다. 이에 비해 비잔티움은 계속적인 갈등의 상황으로 시를 마무리 한다. 두 시에서 갈등의 상황이 포착되나, 이러한 갈등은 예이츠의 통합의 정신에 이르기 위한 조건들이다. 결국에 예이츠는 두 시의 갈등의 상황을 통해서 통합의 정신을 이루어 나아가고 있다.

예이츠의 『비잔티움』과 『비잔티움으로의 항해』는 흔히 비잔티움 시편으로 알려져 있다. 이 두 편에서 예이츠의 비잔티움을 이상향으로 상정하고 여기에서 생활하는 것을 이상으로 생각하고 있음을 보여준다. 이러한 이유로 이 작품은 예이츠가 이상향을 추구하는 작품으로 연구되는데, 본고에서는 『비잔티움으로의 항해』를 중심으로 예이츠가 이상향을 추구하지만, 결국 현실을 긍정하고 있음을 살펴본다.

저자는 히니의 시어에 대한 태도는 예이츠의 것과 같다고 여긴다: "하나의 나무에 난 새로운 잎." 예이츠는 과거를 매우 주의 깊게 관찰 한다: 스펜서, 셰익스피어, 돈, 토마스 그레이, 블레이크, 셸리, 콜리지. 시뿐 아니라 산문도 그에게 영향을 미친다. 그리고 문학사에서, 어떤 특정 작품에 영향을 받으면, 설득력 있는 비교가 용이하다. 예로서, 다빈치와 예이츠의 비교가 그렇지 않다면 가능하겠는가?

본 논문은 예이츠의 "어부"가 시적 발달의 어디에 위치하는지를 잠간 보고, 어떻게 이 시가 특이하고 흥미롭게 자아의 재창출을 시도하는지 보여주려고 한다. 본인은 시적 자아 자체의 과정을 면밀히 검토하기 위해서, 최초의 시의 초안으로 돌아가서 이 시가 어떻게 순수한 창조의 이미지를 만들고 보존하는지를 보여 주려하는데, 이 과정에서 이미지는 중첩되고 복잡해진다. 1910년대에 보다 개인적이고 구체화된 자아에의 과감한 경향을 보이는 시인은, 반면에, 미리 후기 모더니스트적 면을 보인다. 동시에, 이상화된 고독한 시골의 인물에 대한 애정과 당대의 청중에 대한 회의시은 그가 아직도 낭만주의적 작가인 것을 보여준다. "어부"는 그가 거의 최상의 놀랄만한 재창조적 시인임을 보여준다.

예이츠 이후의 시적 자세와 태도를 일견하면, 그의 시가 나중에 쓰여 지는 많은 시의 근거가 된다는 점에서 예이츠 이후의 시인들은 그의 그늘에 있다. 그가 황소고 그들이 개미라는 뜻이 아니라, 하나의 태양이 어떤 지형에 하나의 그림자를 던진다는 뜻이다. 그리고 같은 땅 내의 한 부분에서 일한다는 것은 하나의 개미의 그림자가 보다 큰 다른 개미의 그림자와 겹치거나 우연일치가 되며, 그의 그림자의 윤곽은 앞으로 보다 큰 그림자가 나타날 때까지 기준이 된다는 뜻이다.

예이츠는 인류의 역사를 주관적과 객관적으로 나누고 이 두 성격의 문명이 순환한다고 생각했다.『캘버리』는 객관성의 상징인 그리스도가 주관성 시대의 잔존 인물인 라자로, 유다와 갈등을 겪는 것을 극화했다. 라자로의 항의, 유다의 배신, 로마 군사들의 무관심을 통해 이 극은 그리스도의 사랑이 모든 사람을 구원하는 것은 아니고 기독교 세계 보다 큰 역사의 질서가 있다는 예이츠의 역사관을 보여준다. 예이츠는 관객에게 익숙한 기독교 신화를 변형시킴으로써 신빙성이 떨어지는 위험을 막기 위해 '꿈으로 다시 살기', 가면, 운문대사, 춤, 음악 등 극적 장치를 마련하여 현실과 동떨어진 느낌을 갖도록 하고 관객들이 '마음 속 깊은 곳'으로 들어가도록 유도하려고 했다. 기독교 신화라는 익숙한 주제를 다루는 것이 무리이고 너무 추상화되어 그의 역사이론을 모르면 이해하기 어려운 단점이 지적되고 있지만 기독교 신화를 다른 차원에서 볼 수 있는 발상의 전환과 상상력, 운문의 아름다움이 돋보인다.

예이츠는 후기시에서 다양한 춤 이미지를 사용하여 현실에서 실재를 추구하였다. 이러한 실재의 추구과정을 1)무용수의 내면세계의 의식변화를 투영하고, 2)인간의 윤회를 제시하여 현재의 이 순간의 중요성을 강조하며, 3)가이어의 순환처럼 인간의 의식이 생성과 소멸하는 것을 제시했다. 이러한 실재의 추구과정에서 춤 이미지는 4)삶과 죽음, 무아경과 평정심의 경계를 구분하는 출입구의 역할을 하여 5)사중생과 생중사를 넘어서 궁극적 실재를 성취하도록 견인하는 상징적 이미지었다. 그리고 춤 이미즈는 인간의 삶의 모순이 비극적 환희로 해결되어 현재의 이 순간에서 궁극적 실재의 완성을 드러내는 상징이었다. 요컨대 예이츠는 무용수의 춤 이미지로 인간이 궁극적 실재를 완성할 수 있다는 방법을 제시했다. 그 결과 예이츠에게 있어서 춤은 자신의 삶과 연인이며, 시와 극작품이며, 시 쓰기과 상상력이었다.

예이츠가 평생을 추구해온 초자연적인 것들에 대한 믿음은 그의 시적 철학의 핵심이다. 그는 "증오와 충만과 공허의 환영들"의 화자처럼, 논리보다는 초자연적인 현상을 중요시하며, 오직 논리적인 것만을 중요시하는 사람들과는 다이몬적 지혜를 함께 나눌 수 없다고 생각한다. 이 논문은 예이츠가 신비주의 사상을 구축하는데 기반이 되어준 다야한 원리들을 연구하고, 다이몬적 이미지를 구현한 그의 시들을 연구한다.

『친절하고 고요한 달』의 첫 번째 에세이인 『인간령』에서 예이츠는 『비전』으로 정리되는 그의 중심사상인 마스크의 이론을 가장 명확하게 정리해서 제시하고 있다. 이 에세이에서 예이츠는 마스크로 제시되는 서로 상반되는 이미지들의 갈등이 예술의 창작행위에 가장 중요한 에너지를 공급하며 이러한 대칭이 역설적으로 조화를 이룬다는 것을 주장하고 있다.

모더니즘은 거대한 끈적거리는 생물체와 같거나, 아니면 생태계의 하나의 움직임 같아서, 혹은 생존을 위해 투쟁하는 다양한 주의들 속의 변덕스러운 피막 같아서, 각 이즘은 과거의 이즘(피터 비어랙의 우스운 조어인데)이 되는 것을 피하려고 한다. 미래파, 입체파, 추상, 신조형주의, 모두 허둥대면 서로를 잡아먹으려고 하는데, 이들 중 하나는 서로 경합하는 이즘의 한 부분이나 일부를 삼키는데 성공하여 소화시켜 자신의 몸의 일부를 형성한다. 내 생각에는 예이츠의 『환상록』(본인은 의도하지 않았지만) 조직적인 약도 혹은 전체도가 되어서, 모더니즘의 여러 요소들을 통합아여 하나의 디자인을 만든다.

W. B. 예이츠는 중국문학에 지속적 영향을 끼친 20세기 초 서양 작가 중의 하나로서 지금 중국에서 문학연구의 중심적 대상이 되고 있다. 중국의 예이츠연구는 3단계로 구분된다. 5.4혁명(1919)부터 1940년대, 1980년대, 1990년대 이후(90년대 이후는 항시 상징주의가 주요 주제이다). 푸 두롱의 저서 W. B. 예이츠시의 상징주의 미학 (2006)은 이 분야의 이정표이다. 체계적으로 시인의 상징주의 논의를 분류 하고, 그의 작품에서 상징주의의 근원을 찾고 상징주의의 미학적 체계를 통찰력 있게 분석함으로써, 이 저서는 예이츠의 상징주의에 대한 중국학계의 연구를 요약한다. 이 저서는 세계 예이츠 연구에 커다란 자극이 되고 있다.

이 두 시의 초안들은 예이츠의 삶과 고통에 대한 비전의 변화 과정을 보이는데, 현실의 이미지는 비관적, 일시적, 고통으로 찬 변화하는 것이고, 이데아의 이미지들은 신성하고 영원한 것이다. 이 시들을 쓰면서 시인은 고통을 체험하지만, 결국 삶을 예술로 승화시킨다.

고양이와 달은 일본의 연극 광언의 영향을 받았지만, 예이츠는 자신의 극작가 예이츠, 시인 예이츠의 탁월한 재능으로 새롭고 창의적이기까지 한 극을 만들었다. 예이츠는 이 고양이와 달에 “가장 근접하고 가장 정교한” 표현이라는 개념을 적용하여 완벽한 예이츠적인 극으로 만들고자 한다. 또한, 이 3중으로 구성된 검은고양이 미나루쉬의 노래(동일한 제목의 시가 3분된)는 이 광언 극의 구조적 원리가 된다. 이로 인해서 이 극은 이상하고도 아름다운 희극으로 변모한다.

예이츠의 첫 시집 교차로(1889)는 낭만주의 전통에 기반을 두고 있다. 이는 시의 바탕을 이루는 낭만주의 시인들, 블레이크, 셸리에 대한 예이츠의 공감과 탐구의 반영이라고 볼 수 있다. 현실세계와 거리가 동떨어지는 경향이 있지만, 세련되고 복합적인 사상들이 형성되기 전의 젊은 시간에서만 생산될 수 있는 예술을 위한 예술, 시 자체를 향한 순수한 시 정신을 표현하고 있다. 이 논문에서는 블레이크, 워드워드, 키츠와 연결할 수 있는 예이츠의 시에 맞추고 시 작품을 구체적으로 비교한 다. 특히, 낭만주의 시와 구별되는 예이츠 특유의 독특한 시적 개성과 시를 현대적인 감각으로 발전시킨 예이츠의 시적 능력을 탐색하는 데에 중점을 두고 있다.

젊은 시인 예이츠는 개인의 상상력이 영감의 제일 중요한 원천으로 믿었다. 그의 낭만적 확신은 아더 홀럼의 주장에 힘을 받았는데, 그의 주장은 “순수” 시는 “어떤 극히 예민한 사람들에 대한 인상”에서 나온다는 것이었다. 그러나 그는 자신에 대한 집중은 유아론으로 귀착된다는 것을 즉시 깨닫는다. 그는, 또한, 점차적으로 아일랜드 민족주의자로서 자신의 글이 세상과 직접 연결되길 원한다. 영감이 어디서 오는지, 예술은 자기목적적인지, 하는 관심들은 1890년 후기 작품에 강화되며, 이어서 순수한 창의성 은 “보편적 사상”에 접근함으로써 자기중심적인 것을 초월할 수 있다고 제안하기에 이른다. 그는 이 제안을 그의 환상록에서, 마스크 이론으로 다듬고, 유동적이고 투과성이 있는, 마법사-예술가가 만드는 자아라는 신낭만주의 개념을 만들어냈다. T. S. 엘리엇은 시를 “개성의 표현이 아니라 개성에서의 탈출”로 인식한 것으로 유명하다. 예이츠의 시적 영감의 후기 개념들은 예술가를 필연적으로 흙과 손가락을 인정함으로써 그를 괴롭혀왔던 주요 긴장감을 해소했다. 불안정한 다중적 자아라는 모더니스트의 개념을 초기에 수용함으로써, 예이츠는 역설적으로 보다 더 낭만적인 작가가 된다. 주제어: 예이츠, T. S. 엘리엇, 낭만주의, 모더니즘, 창조의 원천 저자: 제임스 페디카는 매사추세츠 주 윌리엄 칼리지에서 아일랜드와 영국 모드니스트 문학을 강의하며, 현재 레이디 그레고리의 공식적 자서전 집필을 하고 있다. 그의 저서는 레이디 그레고리 일기 1892-1902; 코넬대 예이츠 시리즈 마지막 시편: 원고; 그리고 예이츠의 시, 드라마, 산문: 노튼 평론집, 등이 포함된다.

본고는 워즈워스와 예이츠의 시에서 나타나는 폭력의 이중성을 다룬다. 두 시인은 특정한 힘을 변화시키거나 개혁하기 위해 폭력을 원하면서도 동시에 그것에 대한 죄의식을 느낀다. 그들의 환상은 그 힘에 대항하는 것이 단지 그것을 얼마나 쉽게 재생산하는 것일 뿐인지를 구체적으로 보여준다. 워즈워스는 로베스피어리가 가한 폭력을 비난함으로써 자신의 죄없음을 회복해야한다고 느낀다. “나는, 로베스피어리, 당신을 고발한다!” 그러나 그는 자신이 로베스피어리인 것처럼 암시하는 방식으로 자신의 적과 자기 자신 사이에서 갈등한다. 예이츠는 1916년 부활절 과 내전기의 사색 에서 폭력의 이중성이 문화를 창조하는 것으로 해석한다. 폭력은 자신의 힘을 문명으로 승화시키면서도 그와 동시에 매우 공들여 건설된 사회 질서를 불가피하게 파괴할 수 있는 것이다.

이니스프리의 호도 는 예이츠의 초기시로서 그의 대표작 중 하나이다. 12행으로 구성된 단시임에도 불구하고 이 시는 여러 가지 특징이 동시에 혼재하고 있으며 또한 이 사실이 그 매력이라고 할 수 있다. 먼저 이 시는 특유한 음의 통일성을 지니고 있다. 바로 그 음의 통일성으로 인해 동요로 감상할 수 있을 것이다. 이는 예이츠가 이 시를 창작하면서 멜로디를 심중에 유념했음을 알 수 있다. 게다가 이 시는 일관된 전원적 이미지들과 함께 시각, 청각 등의 감각적 이미지 그리고 다양한 색채이미지들로 구성되어 있다. 단시이지만 이니스프리의 호도 가 지닌 의미 또한 여느 시 못지않다. 즉, 시적 화자의 개인적 이상향의 추구임과 동시에 20세기 물질만능주의에 서의 탈피라는 좀 더 광의적 의미로 해석된다.

예이츠는 음양의 조화를 방편으로 사용하여 존재의 통합에 도달하는 과정을 제시했다. 이러한 조화는 무용수가 긴장과 갈등의 단계를 거쳐서 육체와 정신이 융합되는 남녀의 성행위를 통해 양성이 하나로 통합되는 정점의 시점에서만이 성취되는 지복의 상태이다. 성행위를 상징하는 춤 이미지에서 1)화자는 무용수가 춤을 추는 꿈을 꾸고, 2)그 춤은 성행위를 하는 이미지로 재현되고, 3)무용수는 탑의 나선형 계단을 따라 선회하여 탑의 정상에 도달한다. 이러한 것은 4)조각상, 미인, 태양과 달의 결합과 같은 상징으로 시에 발현된다. 예이츠는 존재의 통합에 이르는 다양한 방법 중에서 이와 같이 성행위를 상징하는 춤 이미지를 사용하여 자신의 핵심사상에 도달하는 또 다른 과정을 제시했다. 이처럼 무용수가 춤을 추면서 육체와 정신이 하나로 통합된 상태는 불교에서 열반에 이르는 단계를 연상시켜주고 있다.

예이츠는 일반적으로 낭만주의자, 컬트주의자, 모더니스트로 알려지고 있다. 그러나 본 논문에서는 예이츠를 식민 사회를 경험한 탈식민주의자로 가정하여, 파농, 사이드 그리고 스피박의 이론을 가지고 예이츠의 텍스트를 분석하고자 한다. 문학의 독법으로서 탈식민화의 과정은 단순히 학문적 체계 안에서 글읽기로 남아있는 것이 아니라 주요 실천적인 독법의 전략을 가지고 있다. 이 논문의 주요 관심사는 그의 시적 글쓰기에 재현된 언어와 신화의 도구를 가지고 탈식민화에 기여했는가를 탐색하는 것이다. 결국, 탈식민주의적 담론과 텍스트 전략은 제국주의의 암묵적인 의도에 숨겨진 지배 이데올로기를 밝혀내는데 주요한 영향력을 가진다고 할 수 있다.