본 연구는 국립미술관이 지향하는 공공성의 실체를 파악하는 과정에서 그 운영방침의 전제가 되는 미술정책과 공공성의 역학 관계를 과연 어떤 관점에서 조명해야 하는가를 질문한다. 만약 정책을 ‘공익의 실현’이라는 목표에 이상적으로 부합할 수 있는 실질적이면서 합리적인 수단이라고 전제한다면, 박정희 정권의 조국 근대화 프로젝트 중 하나였던 국현 경복궁관 개관, 공공 미술관으로서의 대중성과 전문성을 확보하고자 했던 과천관의 설립과 전개, 그리고 민간 경영의 개념 도입 이후 정부와 미술계의 논쟁으로부터 비롯된 특수법인화 추진까지의 정책사는 공공성 에 대한 복합적인 정치적 이해관계가 얽혀있음을 전제해야 한다.

도시민 삶의 질적 추구와 여가생활 증진에 이바지하는 미술관의 역할은 수동적인 예술작품 보존의 공간에서 방문객의 다양한 요구를 수용하는 공간으로 전환됐다. 현대인에게 부족한 자연과 예술에 대한 향유와 보다 나은 휴식의 공간이 되기 위해선, 미술관의 역할을 내부공간에 국한시키지 않고 옥외의 공간으로 확장하는 것이 필수적이다. 본 연구는 미술관의 옥외 전시공간 방문객을 대상으로 중요도 및 만족도를 조사 분석하고 이를 토대로 옥외 전시공간의 질적 향상을 추구한다. 연구 대상지로는 수도권을 대표하는 국공립 미술관으로 국립현대미술관 과천관과 소마미술관을 선정했으며 설문조사 및 IPA 분석 방법을 사용해 후행 연구에 활용 가능한 실증적 데이터를 제공한다. 연구 결과 25개의 항목에서 중요도와 만족도간에는 유의미한 차이가 있었으며 각 항목에 따라 현상 유지, 최우선적으로 개선되어야 할 사항, 현시점에서는 고려가 불필요한 사항, 추후 시설 도입 시 고려되어야 할 사항으로 분류할 수 있었다. 특히 보행공간에 대한 안전성과 연계상태 그리고 이동의 용이성 등이 개선되어야 할 것으로 판단되었다. 미술관의 옥외 전시공간 조성 과정에서 고려 또는 개선되어야 하는 방안을 수립하는 데에 본 연구의 결과는 유용한 기초 자료로 활용될 수 있을 것이다. 도시민의 요구에 따라 미술관의 옥외공간에 대해 보다 세부적인 연구와 체계적인 가이드라인 구비와 함께 쾌적한 휴식의 장소가 되도록 해야 함을 명시한다.

Hangang Artpark construction is an enterprise founded in 2018 that involved installing public artworks created by 37 different people (teams) in Hangang Park located in Yeouido and Ichon Park. An iconic public space in Seoul, Hangang Park is turning into an even better public space due to the efforts to change the park into an eco-friendly, cultural-artistic space in tandem with the change in times. The objective of the Hangang Artpark construction business is to augment the environmental and scenic value of Hangang not only to provide a space for leisurely activities but also to revive it as a cultural-artistic area. This is a study of the concept and the design and installation processes of “Thinking of each other”, a project by the Hangang Artpark construction business. This art piece has been installed in the wetlands and it trails along Ichon Hangang Park, which was created during the environmental recovery project. The piece consists of sculptures molded into animal shapes that are unique to the location and ecology of the area, displayed in harmony with the park’s street furniture. By showing the coexistence of animals that existed in Hangang in the past along with the current inhabitants and the natural enemies of these inhabitants, the piece displays an ecofriendly scene. Moreover, by incorporating this piece into the street facilities of the park, such as gazebos, streetlights, surveillance cameras, and perches, the piece exhibits a different kind of street view compared to the installation style of other conventional environmental artworks. The various sculptures are installed along with the street facilities throughout the trail, rather than in a specific location intended for artworks, thereby achieving harmony with the park scene. In so doing, the piece elicits in the beholder an environment-friendly way of thinking, and at the same time, gives them a sense of calm and pleasure. Further, the paper researches the methods of safely installing art pieces in public spaces and of maintaining these installations.

본 연구는 해결중심 부부미술치료가 중년기 부부의 결혼만족도에 어떠한 영향을 미치는가를 살펴보는 데 목적이 있다. 연구대상은 결혼생활에 대한 불만을 호소하는 중년기 부부이다. 연구기간은 2017년 2월 25일부터 2017년 4월 28일까지 주 1회 총 10회기를 실시하였다. 측정도구는 결혼만족도 척도(Marital satisfaction Scale: MSS)와 K-HTP를 사용하였다. 자료 분석은 결혼만족도 척도에 대하여 사전, 사후검사와 추후 점수 간의 차이를 비교하고 그 변화를 분석하였다. K-HTP는 사전, 사후 검사결과를 비교 분석하고 변화에 대해 평가하였다. 연구결과는 첫째, 해결중심 부부미술치료가 중년기 부부의 결혼 만족도의 전반적 결혼생활 만족에 긍정적인 영향을 준 것으로 나타났다. 둘째, 해결중심 부부 미술치료가 중년기 부부의 결혼만족도의 부부관계의 만족에 긍정적인 영향을 준 것으로 나타났다. 셋째, K-HTP 사전 및 사후 검사 결과와 단계별 진행과정에서 나타난 변화들에서 부부관계와 결혼생활 만족에 긍정적 영향을 미친 것으로 나타났다. 이러한 결과는 해결중심 부부미술치료가 중년기 부부의 결혼만족도에 긍정적인 효과가 있음을 알 수 있다.

본고는 1920년대 말-1940년대 중반 초현실주의가 일본 미술계에 소개되어 주요한 미술운동으로 전개되는데 큰 역할을 담당했던 단체와 인물을 중심으로, 일본 초현실주의 미술의 보편성(국제성)과 특수성(민족성)을 문화번역의 관점에서 살펴본다. 일본 초현실주의 미술은 초기에는 기계주의, 주지주의가 반영된 도시적 모더니즘 경향이 강했으나, 점차 “앙드레 브르통 및 그의 동료들과 마찬가지로” 반이성주의와 인간정신의 해방을 강조하게 된다. 1930년대 중반 이후 사회 전체에 대동아공영(大東亞共榮) 사상이 확산된 무렵 일본 초현실주의를 이끈 지도자들은 오리지널과의 차이를 역설하면서 ‘일본 환상성의 전통’을 소환한다. 특정 전통의 재발견은 군국주의와 전체주의가 강화되어가는 전시(戰時) 체제 하에 초현실주의를 보호하기 위한 전략이었을 수 있으나, 결국 전위가 시국(時局)에 동조함으로써 전위성을 상실하게 되는 모순을 낳았다.

이 연구의 목적은 교육철학적인 관점에서 푸드아트테라피의 생명중심사상을 분석함으로써 오늘날 우리에게 주는 교육적인 함의들을 발견하려는 데에 있다. 이정연에 의해 개발된 푸드아트테라피의 생명중심사상은 동양적인 사고와 한국의 전통음식문화에 기초를 두고 있는데, 그 궁극적인 목표는 우주적 감수성을 회복하고 함께 더불어 사는 대긍정의 세계로 나아가도록 하는 것이다. 따라서 푸드아트테라피의 생명중심사상은 다음과 같은 특징을 지닌다. 첫째, 푸드아트테라피는 전일적인 치유을 추구한다. 둘째, 푸드아트테라피는 통합적인 치유를 추구한다. 셋째, 푸드아트테라피는 사회구성주의적인 치유를 추구한다. 이와 같은 푸드아트테라피의 생명중심사상은, 내담자와 상담자는 상호작용을 통해 함께 회복과 치유를 향해 나아갈 것을 시사한다.

At the beginning of the 20th century, Cartier developed Art Deco jewelry designs that have been used as design inspirations to this day. The purpose of this study is to analyze the characteristics of the Art Deco jewelry designs of Cartier in the early 20th century. Regarding the research method, this study explored the jewelry designs from 1904 to 1939 by extracting 288 analysis subjects from Cartier’s exhibitions, auction picture books, and foreign books, and analyzed the characteristics in terms of design motifs, colors and materials. The results of the study are as follows. Regarding the design motifs, 73% were geometric motifs, and 66% were a combination of circular shapes and polygons, the most frequent. In terms of colors, 69% were chromatic in color, and vivid colors were mostly used in the order of red (24%), - green (19%), and - blue (14%). Of the materials, 92% of the metals consisted of platinum, and gemstones were used in the order of diamonds (41%), - onyx (13%), - emeralds (11%), - rubies (9%), and - sapphires (8%). In the early 20th century, Cartier’s Art Deco jewelry designs featured abstract and geometric motifs, vivid colors and strong contrasts, platinum and precious gemstones. This study is meaningful in that it explores the competitiveness of Cartier’s designs and provides practical ideas to combine Art Deco style with contemporary jewelry designs successfully.

For centuries, the smell was considered as an inferior sense, underestimated by scholars who considered it linked to animals and sexuality, thus, unsuitable to knowledge. The disinterest of our civilisation for olfaction is reflected by the poverty of the language to describe scents, that comes from our lack of education and culture in this field. In addition, the French law states: “the fragrance of a perfume, which proceeds from the simple implementation of a know-how, does not constitute the creation of a form of expression that can benefit from the protection of copyright”. Yet, thanks to its unique climate to grow flowers in Grasse and the implementation of Fashion Houses in Paris, France is the cradle of Fragrance. How then, can we explain that the first perfume museum in Paris opened only a year ago? For Guillaume de Maussion, the initiator of this tremendous project, it seemed unbelievable that such a place didn’t exist in the French capital city, where Perfume industry is an essential part of the heritage. The Fashion Houses, as Dior, Chanel, Saint-Laurent or Givenchy benefit from this lack of knowledge and spend colossal amounts in Marketing in order to attract consumers. People thus focus on advertisement rather than on the scent and most of the time buy a perfume because of the brainwashing. Fragrances are in this case made with the intention to sell as much as possible. This mass-market industry offers very similar product, at an accessible price and easily available. Consequently, designer brands skimp on the quality using synthetic material and lower concentration. From this aspect, the perfumer is more a technician that aims to seduce the biggest part of the population in order to generate a maximum of profits for the brands. Hence, could perfume be considered as an Art? Is there a future for Fragrance sector, despite the lack of education? Most perfumer compare themselves to compositors, painters, and artists while creating a perfume. Edmond Roudnitska, widely considered as one of the greatest perfumers of 20st century and creator of masterpieces such as Diorissimo or Eau Sauvage, defined himself as a « perfumer-compositor ». Nevertheless, with the multiplication of alternatives perfumes brands, the Perfume sector reveals itself and spreads its artistry. Indeed, these niches companies perceive the perfumer as an artist, and the fragrance as a creation. They focus on the scent, using the best quality ingredients, know-how and craftsmanship. Niche devotees often argue that boutique perfumes offer the consumer the opportunity to reward oneself with a scent that is both uncommon and individual. These brands are focused on customer experience and relationship, take time to initiate and educate the customer on scents. According to Euromonitor; “The next five years will likely see the proliferation of small, artisan perfume brands hoping to capture millennials’ hearts, minds and noses.” In addition, a new trend is emerging from perfume experience: olfactory Marketing. Offices, fashion stores, opticians, even bakeries and using this new sensorial dimension. Brands are trying to reinforce their DNA by creating a distinctive scent to make them unique and unforgettable. The scent is completing a visual and auditory experience by bringing soul. Few studies showed that a pleasant fragrance, triggers a positive mood and a customer will stay 30% to 40% longer in a store well perfumed. These facts increase chances to make a purchase and especially to increase loyalty from the customer who will keep a good memory of its experience. Even though scents were created more than thousands of years ago and evolved over the centuries, Fragrance is still unknown and not recognized as a craft. With the rise of artist-perfumers, a willingness of education on scents, the ease of access to information and a real desire of uniqueness and distinction, there is no doubt that Perfume industry is the Art of tomorrow.

We demonstrate that art appreciation enhances positive self-concepts, which induce abstract mind-sets and, in turn, endorsements of cultural diversity. Advertisements of a product that feature art and contain embedded ideas about cultural diversity enhance intentions to purchase that product. Furthermore, appreciating artwork increased endorsements of cultural diversity for individuals with positive self-concepts.

This paper investigates the (presently unexplored) relationship between a peculiar kind of performing art, i.e. opera (as in the Western musical tradition), and the fashion and luxury business within the context of fashion cities. In particular it investigates, on the one hand, how the relationship with opera production may benefit the marketing strategy of luxury companies and, on the other hand, how opera houses may profit from the relationship with the luxury industry. As a preliminary work, introducing a new research project, its aim is to provide a tentative systematization and clarification of the research questions and to stimulate an early discussion of their consistency and relevance. Three sets of research questions are proposed for discussion and further exploration, concerning: a) the audience segmentation of opera as experiential luxury (based on self-congruency theory) and its implications; b) the luxury industry as opera sponsor; c) integrating opera in luxury marketing strategy (brand heritage vs. opera heritage).

The research study explores the concept of storytelling as a method to facilitate the communication of the art of the traditional upholsterer to add value to professionally restored chairs and sofas within the context of design and sustainable practice.

픽셀 아트는 낮은 해상도와 제한된 색 팔레트를 가지고 영상을 표현한다. 픽셀 아트는 낮은 연 산 성능과 적은 저장 공간을 가지는 초기 컴퓨터 게임에서 주로 사용되었다. 현대에 이르러, 픽셀 아트는 예술이나 퍼즐, 게임과 같은 다양한 분야에서 찾아볼 수 있게 되었다. 본 논문에서는 게임 캐릭터 영상을 입력으로 받는 픽셀 아트 생성 모델을 제안한다. 기존 방법 과는 달리, 합성곱 신경망(CNN:Convolutional-Neural Network)를 픽셀 아트 생성 목적에 맞게 변형하여 이를 이용하는 방법을 제시한다. 기존의 합성곱 연산 후에 upsampling 과정을 추가하여 픽셀 아트가 생성될 수 있도록 하였다. 네트워크는 ground truth와 생성된 픽셀 아트와의 평균 오차 제곱(MSE:Mean Squared Error)을 최소화해나가며 학습을 수행한다. Ground truth는 실제 아티스트가 생성하도록 하였고, 이미지 회전과 반전 기법을 이용하여 augumentation을 수행하였다. 생성된 데이터 집합은 학습, 검증, 시험 데이터로 나누었다. 이러한 데이터 집합을 기반으로 감독 학습을 실시하여 픽셀 아트 생성 네트워크를 학습하였다. 학습 모델의 학습 과정과 학습 정확도를 제시하고, 시험 데이터 뿐만 아니라 다양한 영상에 대한 픽셀 아트 결과도 함께 제시한다.

최근 들어 다양한 스트레스로 인한 병적인 해석이 마음의 내면으로부터 만들어낸다는 말들이 과학적으로 증명되면서 예술치료에 대한 개념이 새롭게 부각되기 시작했다. 예술심리치료는 전문가의 예술작품보다 치료 개념에서 사용되어질 때, 작품성보다는 창작과정을 통해 그려지는 과정에서 내면세계를 탐구하는 심리치료의 가능성을 보고자한다. 때문에 예술을 매개체로 사람의 심리적 변화를 탐색하여 치료하려는 예술치료사들이 점점 증가하고 있다. 이와 관련 선행논문들을 살펴보면 김인수(2013)는 무속원형적 관점에서 본 민화의 시각성 연구, 한유진 (2014)은 민화의 주술적 기원과 상징연구를 호랑이를 중심으로 하였다. 신미경(2014)은 분석심리학 관점에서 본 민화의 상징적 의미와 예술치료적 가치탐색 연구 등에서 다양한 활용매체도구로 이용되고 있음이 보고되고 있다. 그리고 임상 현장에서 예술매체의 활용이 다양하게 구성되어 재미와 흥미를 유발해 감정표출이 더 자유로워짐을 알 수 있다. 이에 본 논고는 우리의 전통적 맥락을 함께하고, 민족 신앙적 요소가 많은 무속의 원형에서 민화의 심리치료적 요소들을 찾아보는데 목적이 있다. 이러한 관점에서 민화에서 심리치료적요소를 찾아 그 의미와 가능성을 살펴본다. 또한 한국 전통사상 속에 내재한 무속과 민화에 나타나는 원형들의 연관성과 상호작용을 살펴봄으로써 심리치료의 매개요소를 다루어 보았다.

아서 웨슬리 다우의 구성은 20세기 초 미국의 고전주의적 미술교육의 한계를 극복하기 위해 고안 된 새로운 미술교육법이다. 학생들은 구성을 통해 동양과 서양, 과거와 현재를 망라한 모든 시대와 양식의 미술로부터 구성의 기본요소인 선, 매스, 색채를 조화시키는 법을 스스로 발견하고, 그것을 바탕으로 자신만의 디자인을 창조할 수 있었다. 다우는 학생들에게 구성 디자인을 수공예로 만드는 실험도 권장하였다. 구성교육은 미국에서 유행한 아트 포터리 운동과 여성 도예가의 등장에 영향을 미쳤다는 점에서 중요하다. 본 연구에서는 아마추어 장식가였던 여성들이 구성교육 이후 독창적 도자기 디자인을 개발하게 되는 배경과 과정을 고찰하고, 도자기를 예술적으로 생산하는 프로페셔널 미술가의 지위를 획득한 여성 도예가들에게 미친 구성의 영향을 살펴보았다.

이 연구는 데렉 마혼의 시 세계가 역사에 대한 시인의 죄의식과 시인의 책임감을 거쳐 예술의 자율성에 대한 추구로 발전되었음을 고찰한다. 첫째, 마혼은 개신교도로서 북아일랜드 사태에 대한 죄책감을 경험하는데, 이것이 그의 시의 기저를 이룬다. 둘째, 이러한 죄책감에 기인하여 마혼은 아일랜드뿐만 아니라 세계 역사에서 희생된 이들에 대한 관심을 표현하며 시인으로서의 책무를 수행한다. 마지막으로, 마혼은 엑프래시스의 독특한 시적 형식과 빛의 이미지를 사용하여 초월성 및 예술의 자율성을 추구한다.

『담예록(談藝錄)』은 첸중수(錢鍾書, 1910-1998)의 문예비평서이자 중국 최초의 중서(中西) 비교 시학서이다. 첸중수는『담예록(談藝錄)』집필 과정에서 동서고금의 문예 전반을 아우르는 주요 현상 및 쟁점을 정리, 그 속의 오류를 밝혀내어 학술적으로 바로 잡고자 했다. 또한 방법론적으로는 중국과 서양의 고전 및 문예이론에 대해 상호 비교(參較), 상호 참조(參互)를 진행하여 동서고금의 문예 전반을 포괄적으로 아우르고자 했다. 이에 근거하여 본 논문은 크게 ‘감상(appreciation)’과 ‘평론(critic)’의 문예학적 시각을 통해 양자(兩者)의 접점이『담예록』에서 어떻게 구현되었는지, 첸중수 학문 연구의 궁극적 지향점인 ‘시심(詩心)’과 ‘문심(文心)’ 의 ‘보편적’인 ‘문예심리(文藝心理)’가 『담예록』에서 어떻게 발현되었는지 고찰하여 학자 첸중 수와 그의 학문에 좀 더 다가설 수 있는 발판을 마련해보고자 한다.

본 연구는 자연치유로서의 예술 활용 가능성에 관해 고찰하고자 하였다. 특히 예술치 료에서 가장 빈번히 활용되어지며 효과가 입증되어진 미술치료의 개념과 특성 및 효과 에 대해 살펴보았다. 예술은 표현의 힘과 관계의 효능을 지니며, 예술 활동을 통해 욕망 과 즐거움을 추구하게 만든다. 또한, 창의적이고 자유로운 표현은 억압된 정서를 분출시 켜 정신적으로 변화를 일으키게 하는 요인으로 작동함으로써 치유에 효과적이다. 최근 예술치료가 심리치료에 효과적임을 밝히는 연구가 많이 보고되고 있으며 미술치료가 가 지는 심리적 특성으로 인해 심리치료현장에서 많이 활용되어지고 있다. 미술치료는 미술 이라는 매개체를 통해 환자 내면의 정서와 갈등을 안전하게 표출하고 수용하며 승화시 킴으로써 건강한 자아로 성장시킨다. 이에, 미술치료는 인위적이고 물리적 도구사용 없 이 스스로 자기치유과정을 가지게 함으로 자연치유로서의 충분히 활용 가능함을 알 수 있다.

The purpose of this study is to reestablish the innovative and experimental designs of Rei Kawakubo by considering and analyzing the flow on the avant-garde nature of her design collection from 1981 to 2017. Design trends such as the art trend, silhouette, color, and expressive technique showcased in Rei Kawakubo’s collection from 1981 spring/summer to 2017 spring/summer were examined through precedent studies, books, internet materials, and the avant-garde expressive nature of her designs appearing in modern fashion. Additionally, this study considers the definition of avant- garde and analyzes the expressive nature of Rei Kawakubo’s 137 works from the Comme des Garcons collection, exhibited in New York’s Metropolitan Museum of Art. As a result of this examination, the avant-garde expressive nature seen in modern fashion was classified into the following themes: historicity, de-structure, exaggeration, intermixture, and surrealism. As a result of reclassifying these characteristics according to historical flow, the historicty, intermixture, and de-structure appeared in the 1980s, while intermixture, exaggeration, and de-structure appeared in the 1990s. More recently, historicity, intermixture, and de-structure appeared in the 2000s, and intermixture, de-structure, exaggeration, and surrealism appeared in the 2010s. The present study is significant in providing theoretical material for the more innovative and various design development in diverse domains while helping to define and understand the avant-garde expression through Rei Kawakubo’s collection.