영화음악은 영화 속 장면들과 연계해 영화 감상의 몰입과 이해를 돕는다. 같은 화성구조의 반복 과 변화, 삽입곡의 활용, 모티브의 발전 등 영화 속 영화음악이 가지는 기법은 다양하며, 한 작품 속에서 이 모든 기법들이 등장할 수도 있다. 본 연구는 영화음악 작곡가 알렉상드르 데스플라 (Alexandre Desplat, 1961~)의 작품들 중 영화 『프렌치 디스패치』(2021)에 나오는 그의 음악에 주목하였다. 액자식으로 구성된 본 작품은 각 섹션마다 독립적인 이야기들로 구성되어 있다. 이를 표현하기 위해 데스플라는 각 섹션마다 서로 다른 독립적 테마를 사용한 곡을 썼을 뿐 아니라, 이를 발전시키는 방법 또한 다르게 하였다. 어떤 섹션에서는 서로 비슷한 분위기의 소품들을 병렬 하고, 또 다른 섹션에서는 삽입곡으로만 장면을 구성한 한편, 어떤 섹션에서는 모티브의 발전을 위주로 전개를 하였다. 이에 본 연구에서는 각 섹션의 주요한 특징에 기반해 악곡들을 분석하여 영화에서 섹션마다 음악들이 어떻게 다른 방식으로 전개하는지 고찰하였고, 데스플라가 한 영화 속 다른 부분마다 어떻게 다른 작곡 방법을 취하였는지에 대한 결론을 도출하였다.

멕시코의 영화 감독 알레한드로 곤잘레스 이냐리투 (Alejandro Gonzalez Inarritu)는 자신의 영화에서 영화 속의 다양한 요소들을 입체적으로 연결하여 내러티브를 이끌어가는 방식을 즐겨 사용하는 것으로 알려져 있다. 이런 방식으로 만들어진 그의 영화들 가운데 다수의 작품이 하이퍼 링크 시네마로 분류된다. 이냐리투 감독의 하이퍼링크 시네마에 등장하는 배경음악들은 미니멀한 사운드를 가지고 있는 것이 특징이다. 이 미니멀한 음악들은 영화 속의 복잡한 스토리 구조에 동 일한 분위기를 부여하여 자칫하면 산만해질 수 있는 내러티브의 진행에 중심을 잡아주는 역할을 한다. 본 논문에서는 이것을 토대로 이냐리투 감독과 함께 활동해온 작곡가 구스타보 산타올라야 (Gustavo Santaolalla)의 영화음악을 연구의 대상으로 한다. 이 가운데 2007년 아카데미 시상식 (Academy Awards)에서 음악상 (Best Original Score)을 수상한 영화 「바벨 (Babel), 2006」을 중점적으로 분석하였다. 본 연구를 통하여 알아본 영화「바벨」에 쓰인 배경음악의 기능은 다음 과 같다. 첫째, 민속악기의 사용과 선법을 통해 시공간적 배경을 확인시키고, 서로 다른 공간을 동일한 서사로 엮는다. 둘째, 영화 속 인물들이 느끼는 정서에 테마가 구성되어 각각의 인물들을 연결시킨다. 셋째, 영화에 시공간적 연속성을 부여하여 각각의 이야기들을 연결시킨다. 영화「바 벨」에서 쓰인 구스타보의 음악은 위의 기능들이 독립적으로 또는 복합적으로 작용하여, 영화를 이루는 시각적 요소들만큼이나 내러티브의 전개와 해석에 크게 기여하고 있다. 작곡가 구스타보 는 선법의 사용과 최소한의 악기 구성만을 이용한 미니멀한 사운드로 이를 모두 구현해 내고 있 다.

본 연구는 팀 버튼과 대니 엘프만이 같이 작업한 작품 중, 주어진 현실 세계와 사후 세계를 넘나 드는 영화에서 현실과 비현실, 그로테스크와 유머, 그리고 소외와 포용이라는 이중성을 잘 표현하 는 대표 장면들을 추출하여 분석하였다. 이러한 대표 장면들에 나타난 버튼의 이중성의 의도가 엘 프만 음악에서 음악적 요인들로 어떻게 표현하고 있으며, 어떠한 상관관계를 보이는지에 대해 고찰 하는 것이 본 연구의 목적이다. 그 결과, 팀 버튼 영화에서 나타나는 각 이중성의 관점과 대니 엘 프만의 음악 상관관계 특징을 확인할 수 있었다. 첫째, 그로테스크와 유머이다. 이 관점에서는 반 복되는 리듬 형태에 악기로 변화를 주어 각 등장인물의 움직임 변화를 드러내고, 반음계인 선율과 반복되는 악센트의 변화로 그로테스크와 유머를 가진 캐릭터의 움직임을 형상화한다. 또한 장면의 상황과 같은 배경을 가진 클래식 곡을 차용하여 캐릭터의 특징을 극대화한다. 둘째, 소외와 포용이 다. 이 관점에서는 장면에 부합하는 노래를 차용하여 소외와 포용의 이중성을 드러낸다. 등장인물 이 대사를 하지 않더라도 가사에서 간접적으로 표현을 더하여 인물의 심리를 나타낸다. 이 연구의 제한점으로는 현실과 비현실 이중성 관점과 선과 악 관점의 음악 상관관계를 연구하지 못하였다. 또한 선정한 장면 이외에도 이중성이 드러나는 장면이 존재할 수 있을 것이다. 본 연구를 통해 팀 버튼이 현대사회의 풍자나 소외자들의 포용과 같은 관객들에게 전하고 싶은 메시지와 대니 엘프만 의 영상 음악 표현 방법을 알 수 있었다. 더 나아가 버튼과 엘프만이 함께 작업한 다른 작품들을 더 다양한 이중성 관점으로 영상과 음악의 상관관계에 대한 고찰이 이루어져야 할 것이다.

본 연구는 2009년작 영화 백야행에 삽입된 오리지널 사운드 트랙 중 작곡가 석승희 가 작곡한 라이트모티프(Leitmotiv) 두 곡 <카페로로>와 <요한>을 작곡가의 인터뷰를 통해 분석하고 영화에서 음악의 활용을 조사하였다. 이 두 곡은 피아노 독주곡의 형태로 작곡되었으며, 작곡가는 악기가 가진 고유의 음색이 등장인물의 감정 표현에 적합하고 작곡가가 의도한 주제 선율을 가장 잘 전달할 수 있다고 설명하였다. 영화음악 제작 시 일반적으로 작곡가는 음악의 강렬한 인상을 남기기 위해서 다채로운 사운드를 만들기에 용이한 대규모의 악기 편성이나 음량이 다소 큰 악기 사용을 선호한다. 하지만 <카페로 로>와 <요한>은 다양한 악기 편성을 배제하고 피아노 독주곡으로 만들어졌으며, 이렇게 흔하지 않은 악기 편성과 작곡 기법은 개별 연구가 필요하였다. 연구방법으로 작곡가가 제공한 악보를 토대로 <카페로로>와 <요한>의 조성, 박자, 리듬, 화성, 패턴을 분석하 였으며, 작곡가를 인터뷰한 내용을 토대로 이 영화에서 그의 음악이 영화 속에서 표현하 는 바를 연구하였다. 이를 통해 영화음악 제작에 다양한 기법이 활용될 수 있음을 제시 하고, 이러한 예시가 앞으로의 한국 영화음악 작곡 양식의 발전에 도움이 되는 데에 목 적이 있었다. 그 결과로‘요한’의 라이트모티프의 주요 특징은 반복되는 주제선율과 음형이며, 이는 대사의 유무에 따라 변형되어 발전되거나 원래의 형태로 머물러 있었다 는 것을 알게 되었다. 이는 음악이 배우의 대사가 있는 장면에서 영화의 흐름을 방해하지 않고 대사를 돋보이게 하는 효과를 주었고 영화 속에서 인물의 감정을 보조해주고 관객들이 영화에 몰입하고 이해하도록 도와주는 의미가 있다는 것을 알 수 있었다. 본 연구는 영화의 오리지널 사운드 트랙의 악보 부재로 영화 전체의 음악을 연구하지 못하 는 한계점을 가지고 있었으나 이 영화의 모든 곡이 악보화 되어 후속 연구가 이루어진다 면 한국 영화음악 작곡 양식의 파악과 작곡의 실제에 보탬이 된다는 제언을 하였다.

작가의 작품은 직접적인 메시지 전달이나 간접적인 메시지 전달의 도구이다. 작품을 깊이 살 펴본다면 이들이 살았던 시대와 삶과 메시지를 알 수 있다. 특히 우리가 살지 않았던 과거의 작 품을 다시 조명하는 것은 이들이 살았던 시대와 삶이 투영된 메시지를 알 수 있게 한다. 그렇기 때문에 과거의 작품을 연구할 필요가 있다. 본 연구의 목적은 여성의 메시지 표현 방식을 분석하 기 위해 관련 영화를 선정하여 각 작품에 담긴 내적 의미를 분석하는 것이다. 연구 범위는 현대 에 와서 재조명된 여성 음악가 클라라 슈만(Clara Josephine Schumann, 1819~1896)과 소설가 버지니아 울프(Adeline Virginia Woolf, 1882~1941)의 삶과 작품을 중심으로 하였다. 이를 위해 이들의 삶과 작품이 영화화된 영화 『클라라 (Geliebte Clara, 2008)』, 『디 아워스 (The Hours, 2002)』를 중심으로 여성 주인공의 시각적 요소와 청각적 요소를 분석했다. 시각적 관점 은 등장인물의 심리를 청각적 관점은 영화음악을 분석했다. 분석을 통해 음악에 투영된 인물의 심리 상태와 문학에 투영된 인물의 심리 상태를 알 수 있었다. 분석한 결과 영화음악의 경우 등 장인물이 직접 연주하는 내재 음악으로 하여 멜로디를 연주함으로써 감정 표현을 하고 있으며, 내러티브의 경우 시대가 다른 인물을 배치한 후 공통되는 소설을 통해 감정을 표현했다. 특히 음악은 심리를 표현하기 위해 대사를 대신하여 음악이 사용되었다. 영화에 사용된 음악과 소설 은 타인에게 감정이 전달되고 그 전달된 감정이 영화의 내러티브를 전개했다.

북 뮤지컬의 구성 요소는 원작을 바탕으로 하며 음악과 가사가 중요시 된다. 이를 중심으로 사건의 전개, 등장인물의 캐릭터 설정, 내러티브 구조 배치, 대사와 가사 등을 설정한다. 그렇다면 감독이 다르지만 유사한 내러티브를 구조를 보인다면 그 영화음악도 유사한 것인가에 대해 문제를 제기했다. 때문에 감독은 다르지만 영화음악 작곡가가 같은 영화를 선정하여 영화음악을 분석해 볼 필요가 있다. 연구목적은 감독이 다르지만 음악 작곡가가 같고 내러티브가 유사한 북 뮤지컬 영화를 선정하여 작곡가는 어떤 음악 요소를 사용하여 내러티브를 전개하고 있는지 영화음악 특징을 알아보는 것이 목적이다. 연구대상은 영화 『왕과 나』의 <Getting to know you>와 『사운드 오브 뮤직』의 <Do-Re-Mi> 영화음악이다. 연구 방법은 영화 『왕과 나』와 『사운드 오브 뮤직』 영화 내러티브 구조 분석하고 두 영화에서 유사한 장면 중 노래가 있는 장면을 발췌했다. 여기에 해당하는 영화 음악 <Getting to know you>와 <Do-Re-Mi>의 노래 가사, 조성, 박자, 리듬, 음정, 음정 패턴 특징을 분석했다. 연구한 결과 반복되는 멜로디의 사용으로 알지 못했던 지식을 노래를 통해 알려줌으로서 거부감 없이 받아들이게 하며 유대 관계도 형성되는 효과를 가져왔다.

이 논문은 음악적인 요소가 특정 장르의 영화에서 어느 정도의 유사성을 가지는지에 대한 연구이다. 특정 영화 장르에서 소재와 주제, 성격묘사, 플롯, 시각적 배경 등의 요소가 공통점을 보이는 것 같이, 음악 또한 같은 장르의 영화 내에서 어떠한 유사성을 가지며 특징을 나타내는지 범죄영화 중에서도 도박 소재의 영화를 통해서 살펴보았다. 본 연구에서는 국내 브랜드의 대표적인 도박영화인 <타짜>시리즈의 음악적 특징을 분석하였고 도박 소재의 미국 영화인 <신시내티의 도박사(The Cincinnati Kid)>, <라운더스(Rounders)>와의 비교를 통하여 음악적인 공통점을 도출하였다. 음악의 삽입 지점(spotting), 멜로디, 화성, 편곡, 관현악법, 악기편성 등을 분석한 결과로 결정적인 순간의 대비적인 악상, 페달 포인트와 지속음의 사용, 크게 드러나지 않는 선율과 패턴적인 음형, 여린 트레몰로 주법, 비브라폰의 사용 등이 해당 영화음악들의 두드러지는 특징임을 알 수 있었다. 또한 이러한 음악적 특성이 드러나는 원인으로는 정적인 특성이 두드러지는 하이라이트 장면과 작은 음량의 효과음 등을 꼽을 수 있었다.

영화에서 사용되는 오페라의 음악 및 줄거리는 유사성을 통하여 의미를 강화하고, 극적 전개에 기여한다. 오페라가 영화에 사용되면 그것은 분명 내재적 음악에 해당하나, 세련된 의미 전달과 강화를 위해 영화 제작자들은 영화 속 오페라의 위치성을 조작하여 현장감(청각적 충실도)을 성취하거나, 그와 반대로 처리하여 외재적으로 변용하기도 한다. 이 논문에서는 필자는 음악의 현장감을 확보하거나 무마하기 위해 위치성을 강화하거나 약화시키는 요인으로 음원의 명료성과 좌우 혹은 중앙의 방향성을 분석하였다. 전자는 위상상관계수, 후자는 고니오미터를 통해 계측이 가능한데, 필자는 영화에 사용된 두 요소의 미묘한 조정이 영화의 의미 형성 및 강화에 어떻게 기여하고 또 나아가 내러티브 전략을 보조하는 측면을 논의하였다. 필자는 『대부3』(1990), 『007: 퀸텀 오브 솔라스』(2008), 『미션임파서블 5 로그네이 션』(2015)에서 사용된 오페라 ⪡카발레리아 루스티카나⪢, ⪡토스카⪢, ⪡투란도트⪢가 음향의 변화에 따라 어떻게 기능하는지 위상상관계수와 고니오미터를 통해 분석하였다. 『대부3』에서는 오페라의 특정 지점에서 위상상관계수를 높여 가사를 대사 수준의 명료하게 확보하는 처리가 돋보였고, 『007: 퀸텀 오브 솔라스』에서는 근본적으로 내재성을 지닌 ⪡토스카⪢가 외재적으로 삽입 된 아놀드의 음악과 결합하며 만들어내는 위치성의 변화를 통한 역동적인 현장감 확보와 매체 간 감정 공유 방식이 드러났고, 『미션임파서블 5: 로그네이션』에서 음악의 처리 방식과 방향성 및 음향 조절을 통한 현장감 전달 방식을 확인할 수 있었다. 이러한 음향 조절은 영화음악이 내재와 외재의 위치성을 넘어 앰비다이제틱하거나 메타다이제틱한 음향 효과를 보조함으로써 관객들의 감정적 만족도와 풍요로운 정보로 인한 몰입도를 확보할 수 있음을 확인하였다.

본 논문은 골만(Claudia Gorbman)의 내재적· 외재적 음악의 분류를 비판적으로 검토하고, 이러한 이분법적 공간을 넘어서는 공유공간과 사이공간인 앰비다이제시스(ambidiegesis)와 메 타다이제시스(metadiegesis)에 대한 개념적 검토와 정의를 시도하였다. 기술발전에 힘입어 영화에서 음악의 처리 방식이 다원화되고 복잡해짐에 따라 홀브룩, 스틸웰, 스미스와 같은 학자들은 음악의 위치성을 설명하기 위한 수단으로 앰비다이제시스와 메타다이제시스는 물론, ‘환상적인 갭’(fantastic gap), ‘애매한 상태’ 등을 제시하였으나 이들 간의 합의는 도출되지 않았다. 필자는 음 악의 위치성에 대한 최근의 논의들을 검토하고 이들에 대한 비교, 종합, 적용을 시도하였으며, 장면의 변화에 따라 음악의 위치성 변화를 역동적으로 판단해야 함을 주장하였다. 몇몇 사례로 든 영화의 장면들에서 시시각각 변하는 음악의 위치성 변화에 대한 역동적 인지가 해석에 끼칠 수 있는 영향과 여기서 나오는 풍부한 의미에 대해 탐구하였다.

본 논문에서는 영화 《디아워스》(The Hours, 2002)의 음악을 분석함으로써 내러티브와 음악 간의 상호 연관성을 연구하고자 한다. 이를 위하여 필자는 이 영화에서 빈번하게 등장하는 표면상 의 7화음(apparent 7th chord)에 주목하였으며, 이 7화음이 영화가 진행될수록 공통음 관계에 있 는 장3화음과 단3화음의 결합으로 이루어져 있음을 발견하였다. 보다 더 흥미로운 점은 이 영화에 서 중요한 주제로 다루어지는 삶과 죽음이 이들 장3화음과 단3화음의 교대로 표현됨으로써 영화의 내러티브에 반영된다는 점이다. 즉 장3화음과 단3화음의 대조적 음향은 삶과 죽음의 대조를 의미하 기도 하며 또한 최대한의 공통음 관계에 있음으로써 삶과 죽음의 연관성까지 표현한다고 볼 수 있 다.

이 연구는 대학에서 ‘음악의 이해’, 혹은 ‘서양음악의 이해’ 등의 명칭으로 개설된 교양과목으 로서의 ‘음악’에 관한 영화를 활용한 교수법을 다룬 것이다. 이 연구에서 칭하는 ‘대학교양음악’이란 인류문화와 함께 성장해 온 음악의 저변에 대한 고찰을 다루는 ‘음악 입문과목’으로서, 서양음악에 관한 역사, 감상, 이론 등이 유기적으로 어우러져 포괄적이고 통합적인 접근으로 교양교육이 이루어 져야 함을 상징한다. 이에 본 연구는 ‘교양교육으로의 음악’이라는 거시 목표 아래, 그 첫 걸음을 ‘영화’의 활용에서 찾고 있다. ‘영화 속 클래식’이라는 학습동기의 제공은 자칫 고루할 수 있는 클래식 음악에 대한 집 중도를 잃지 않게 하면서 교수자가 원하는 학습목표로의 도달을 용이하게 한다. 바로 이러한 점이 학습자들에게 클래식 음악으로 자연스럽게 입문하는 계기를 제공해 줄 수 있는 것이며, 궁극의 목표 인 음악을 폭넓게 즐기는 방법, 즉, 교양으로서의 음악교육에 도움이 될 방법을 찾아가는 길인 것이 다. 그러므로, 본 연구에서는 영화 《캐논 인버스》를 대상으로, 영화구도와 삽입된 클래식들의 음 악 교육적 관점 분석에 근거한 실제 강의 모형을 구축하였다. 이러한 ‘대학교양음악’의 구상을 통한 학습목표의 성취가 일차적으로는 합리적인 ‘대학교양음악’을 이끌 것이며, 나아가 대학의 효과적인 교양교육으로 이어질 뿐 아니라, 장기적 안목에서 국가와 사회가 지향하는 교양교육으로서의 이상을 실현하게 되는 하나의 대안이 될 것이다.

본 논문은 쇼스타코비치의 《새로운 바빌론》에 나타난 그의 음악 특징들을 연구하고 영화음악 작곡가로서의 쇼스타코비치를 재조명하고자 하였다. 《새로운 바빌론》은 그의 첫 영화음악 작품이자 20세기 초 러시아 무성영화음악에 새로운 방향을 제시하는 모델이 되었다. 그는 젊은 시절 영화관에서 쌓은 피아노 연주 경험을 바탕으로 영화음악 작곡에 본격적인 행보를 보였다. 쇼스타코비치는 영화와 음악의 관계를 간과하지 않으면서도 음악이 영화에서 독자적인 역할을 수행할 수 있는 구조와 기술을 채용한다. 음악의 지속성, 대조의 원칙, 음악적 몽타주와 인용 기법, 그로테스크한 오케스트라의 연출 등 다양한 기법을 통해 단순히 삽입되거나 반주되는 영화음악에서 벗어났다. 특히 이 작품에는 그가 다른 장르에서 보여준 춤곡의 사용, 패러디 및 풍자, 오케스트라 음악의 내러티브 성격 등 초기 음악 특징들이 고스란히 담겨있어서 쇼스타코비치 영화음악의 탁월한 극적 연출을 확인할 수 있었다.

코른골트는 초기 할리우드 영화음악사에서 전통음악을 공부한 첫 번째 세대로 분류된다. 코른골트는 리하르트 슈트라우스의 화성을 즐겨 사용하였고, 후기 낭만주의의 소리와 음색 을 즐겨 사용하였다. 특히 코른골트는 영화음악에 오페라 작곡 기법을 수용했다. 코른골트 의 음악적 특징은 장대한 심포닉 사운드를 사용하는 오케스트라 음악과 각 장면과 대상을 상 징하는 라이트모티브 기법의 사용이었다. 코른골트는 음악을 통해 영화 장면을 연결해주며, 인물의 내면세계를 잘 표현하였다. 그가 사용했던 오페라적 기법과 심포닉 사운드는 할리우 드의 전통이 되었으며, 존 윌리엄스에게 큰 영향을 주었다.

이 논문은 미니멀리즘 음악의 양식적 특성이 멀티미디어라는 환경 속에서 어떤 특징을 도출하는지 관찰하는 것을 목표로 한다. 이를 위해 미니멀리즘 음악 작곡가 필립 글래스(Philip Morris Glass, 1937~ )와 영화감독 갓프레이 레지오(Godfrey Reggio, 1939~ )가 공동작업한 실험영화 《코야니스카치》(Koyaanisqatsi, 1982)를 분석하고, 글래스의 음악이 ‘영상’과 맺는 관계를 세 가지로 정리한다. 본 논문에서 관찰한 글래스 음악과 영상의 결합방식은 다음과 같다. 첫 번째 결합방식인 ‘음악과 영상의 시청각화’는 미니멀리즘 음악과 이미지가 동일화되는 현상이다. 이런 현상은 글래스 음악의 음형 반복·연타음 그리고 화성적인 정체(harmonic stasis)에서 오는 특유의 회화적 인상이 영화 속 기하학적 이미지와 동일화되면서 나타난다. 두 번째 결합방식인 ‘오스티나토로서의 음악과 선율로서의 영상’은 글래스 음악의 ‘화성진행의 반복’이나 ‘음악적 단락’의 반복이 영화 안에서 거대한 오스티나토처럼 작용하며, 이에 결합하는 영상을 마치 ‘선율’처럼 견인하는 현상이다. 보통 대중적이고 단순한 스타일의 음악이 한 벌의 화성진행을 반복하고, 이 위에 다양하게 분절되는 영상이 결합하는 경우에 관찰된다. 마지막 결합방식인 ‘영상은 음악에 맞추어 춤을 춘다’는 시간을 기반으로 하는 매체(time based media)인 영화가 지속적인 비트를 가진 호모포니 짜임새의 미니멀리즘 음악과 결합하는 모습이다. 이 결합방식에서 1개의 시간 축을 갖는 영화는 호모포니 짜임새의 음악과 손쉽게 결합하며, 음악의 특정 지점에 맞추어 편집될 수 있다.

1930-40년대에 오스트리아에서 건너온 막스 슈타이너(Max Steiner)와 에리히 볼프강 코른 골트(Erich Wolfgang Korngold, 1860-1945)는 20세기 폭스사의 전속 작곡가 알프레드 뉴만 (Alfred Newman)과 함께 헐리우드 황금시기의 영화음악을 주도했다. 막스 슈타이너가 음악 감독으로 참여한 영화 ⟪바람과 함께 사라지다⟫와 ⟪카사블랑카⟫는 영화사에 길이 남을 명작으로 오늘날에도 최고의 명화로 손꼽히고 있다. 1930-40년대 헐리우드 영화가 크게 발 전할 수 있었던 것은 영화사에서 영화음악의 중요성을 인식하고 영화사 내에 영화음악 전문 부서를 만들고 전문가들을 영입했기 때문이다. 특히 막스 슈타이너와 에리히 볼프강 코른골 트와 같이 전통예술음악 교육을 받은 전문음악가들이 영화음악분야에서 활발하게 활동했기 때문에 헐리우드 영화음악이 발전했다. ‘실용음악’이라는 불편한 용어로 마치 전통예술음악 이 ‘비실용음악’으로 치부되는 우리나라 음악교육 현실 속에서 전통예술음악이 사실은 영화 음악과 같은 분야에서 가장 ‘실용적’일 수 있다는 사실을 막스 슈타이너는 자신의 영화음악 을 통해 잘 보여주고 있다. 막스 슈타이너가 영화음악에 사용한 다양한 기법은 전통예술음악 작곡기법에서 유래했으며, 그의 영화음악 특징은 19세기 낭만주의 음악의 영향, 대규모 편성 의 관현악 오케스트라의 사용, 장조-단조의 대비효과, 라이트모티브 기법의 사용, 주제-동기 발전기법의 사용과 주제 화성과 리듬, 음형의 변화 등 변주곡 기법으로 요약정리 할 수 있다.