예이츠는 작가로서의 여정을 시작할 때부터 아일랜드의 과거의 영광과 영웅들의 이야기, 그리고 신화와 전설, 민담 등을 통해 문화적 민족주의를 고취하려고 노력했다. 이는 당시 영국의 식민지였던 조국의 독립과 평화를 위한 그 나름의 노력이 었다. 그러나 당시에 영국과 직접 전쟁을 하며 아일랜드의 독립을 위해 싸우던 정치가 들은 예이츠 초기의 민족주의적 작품들을 사람들로 하여금 아일랜드를 위해 목숨을 바쳐 영국과 싸우라는 의미로 왜곡하여 소개하며 그들의 이해와 목적을 위해 오독하 고 있다. 예이츠는 부활절봉기와 내전을 거치면서 그의 작품들이 정치적으로 오독되는 것을 보면서 그가 초기에 순수한 마음으로 민족주의적인 작품을 썼다는 것에 대해 후 회하면서 책임감을 느끼고 있다. 이 논문에서는 부활절봉기와 내전에서 정치가들이 오 독하고 있는 그의 시를 살펴보면서 예이츠의 후회하는 반응을 확인해 보고 있다.

예이츠는 초기시 일부를 미간행으로 남겼다. 본 논문은 이 미간행시들 중 「일출」을 분석하여 물의 은유법, 영혼의 이미져리, 코머의 (미)사용, 어린시절의 예이츠에게 미친 셸리의 영향 등을 포함하여 시인 자신이 선정하고 간행한 그의 시전집 과 희곡전집의 후기 작품에서 어떻게 이 시적 양상이 다시 나타나는 지를 분석한다. 「일출」은 예이츠 초기 산문 「셸리 시의 철학」과 「무드」가 보여주듯이 초기에 예이츠가 셸리의 영향을 받았음을 보여준다. 시를 처음 쓰기 시작할 때부터 시인 예이츠는, 시인과 과학자는 본질적으로 다르다는 것을 깨달았으며, 시인은 논리보다는 이미지와 무드로 말하여야 한다는 것을 깨달았다. 「일출」의 내용과 이 시가 쓰여진 방법은 미래 의 시인 예이츠의 진로를 보여준다. 따라서 이 시는 앞으로 예이츠가 어떤 시를 쓸지를 이해하는데 중요한 시가 된다. 이 시가 아직 미숙하지면 지금의 위대한 예이츠가 되는 과정을 보여주는 중요한 원천이 될 것이다. 본 논문은, 아마도, 영미권은 물론이고 국내외 예이츠 학계에서는 세계 최초로 “미간행”(예이츠 생전에 출판을 막았던) 시 「일출」을 분석하려는 하나의 시도이다.

예이츠의 초기시는 아일랜드가 영국의 식민지를 겪던 시기에 발표된 것 으로, 암울한 국민들의 마음속에 고상하고 영웅적인 기상을 심어준 것으로 높이 평가 된다. 이러한 찬사는 예이츠가 신화, 아일랜드의 전설, 자연에 근거한 다양한 메타포를 사용하는 데 탁월한 역량을 발휘했기 때문인 것으로 사료된다. 이 논문의 목적은 예이 츠가 초기시에서 어떠한 메타포를 사용했으며, 그것들은 예이츠 자신의 연애 경험뿐만 아니라 아일랜드의 사회적, 문화적, 정치적 상황과 어떠한 연관을 맺고, 어떤 함축적이 고 내재적인 의미를 전달하는 지를 고찰하는 것이다. 이 논문에서 직유와 상징을 메타 포와 같은 비유적 표현의 한 유형으로 간주하고 메타포로 통일하여 부르고 논문의 서 두에 그 이유를 밝힌다.

W. B. 예이츠의 노년을 다룬 초기 시는, 비록 예이츠가 젊어서 썼지만, 상실 속에서의 위엄이나 폐허에 대한 열정과 같은 기본적인 톤이 생기는데 이것은 그 의 후기 시에서 늙음에 대한 거친 저항으로 발전한다. 그의 초기 시는 후기의 나이에 대한 시의 서곡의 역할을 한다. 더구나, 이 시들은 후기의 나이든 예이츠가 늙음의 족 쇄를 벗고 젊은 자신과 다시 일체가 되게 하는 데 도움이 된다.

This study examined the constituting principle of Hwasajip("Flower-Snake Anthology") and its Christian influence. The consciousness of original sin in the Bible refers to the fall of Adam and Eve that led mankind to a state of corruption. However, the consciousness of original sin in "Self-Portrait," "Flower snake," "Leper," "Daytime," and "Barley Summer" seems to be a longing for something carnal. Mankind's sins were the cause of the Passion and death of Christ. Yet, "From the Hill of Noon," "Goeulna's Daughter," "Rooster(I)," and "Rooster(II)" depict the struggle for freedom from the body and the accompanying limitations of human existence. Christ was resurrected three days after his death. But in "The Sea," "The Door," "Ode to the West Wind," and "Resurrection," Seo Jeong-ju depicts the resurrection of the poetic speaker from the desires of youth. However, this desire for resurrection indicates an Oriental worldview. Therefore, the poet seems to have understood, assimilated, and transformed Christianity into a vehicle for revealing the wanderings and intense mental agony of youth.

This study is an attempt to analyze Yeats’s early poetry in the light of his theory of the mask. For this purpose the writer of the present study has first proposed to define the ‘mask’ to investigate the theory and has reached the conclusion that the ‘mask’ is a Yeatsian term for an ideal image of life which is always opposite to the natural self or the natural world, and the theory of the mask has three aspects−aesthetic, moral, and philosophical−according to the role of the mask. The aesthetic meaning of the theory demonstrates Yeats’s argument on the nature, the source, and the touchstone of a work of art: art is the embodiment of the writer’s mask of life and his inner struggle between mask and life sets him to his creative work; the quality of a work depends upon the expression of this tragic war. And all the more important, Yeats’s strong belief in polarity of the two terms of conflict is clarified. The study of Yeats’s early poetry in terms of his theory of the mask has concluded that Yeats’s early mask is the very transcendent realm which Yeats’s early symbolism proposes to evoke and the main symbols used to express this ideal world are the images of Arcadian island across the sea, rose, the Irish mythic world and Maud Gonne; and the synthesis of Yeats's theory of the mask and symbolism in his early poetry causes some distortions in both his theory of the mask and symbolism. The nature of his transcendent world is conveyed not by the symbols but by the imperfect realities in spite of his strong belief that “divine essence” can only be evoked by the symbols; the nature of this ideal world has also been distorted: it is not the super reality lying beyond reality like Mallarme’s but only an ideal place where all the impurities and imperfections of the real world are removed or corrected. As for the theory of the mask, polarity, the most important basis of the theory, has been impaired: only the value and the love of the ideal world is emphasized, whereas those of the earthly life are restrained or its weaknesses and painfulness are stated to describe the ideal world.

Natural Image in Yeats`s early poetry shows the relationship and tension between nature and consciousness. In Romantic poetry, natural image comes to be the most prominent dimension of the style. Natural image mediates between natural object and human consciousness and becomes an critical indicator of the problematic crisis related with the status of poetic language. Assuming the pantheistic nostalgia toward nature and the ontological primacy of the natural object, poetic consciousness compares poetic language to the natural object and desires to give poetic language the stability and substantiality of the natural object. However, poetic language which originates from nothingness differs from the natural object which is an epiphany, a natural emanation of a transcendental principle. Due to the ontological difference between them, poetic language fails to get the status of the natural object. The attempt to overcome the failure of the mimetic natural image leads to the self-conscious natural image. This conscious natural image belongs to the tradition of symbolism. Within the image nature and consciousness are mutually transformed and united. Now nature becomes the starting point and the mirror which reflects acts of consciousness. The self-reflective image is a reflection of consciousness which is reflected on the nature-as-mirror. It needs the natural object as its starting point and has no material substance; therefore, it fails to possess itself as its object and faces the narcissistic predicament in which consciousness is alienated from nature. Due to the intrinsic discrepancy of the natural image, the hope to unite nature and consciousness is frustrated. Consciousness still belongs to nature and poetic language becomes to face the crisis of sterility and extinction. This study considers the dialectic between nature and consciousness through the natural image of Yeats`s early poetry.

Generally speaking, W. B. Yeats's early poetry has been thought as romantic and dreamy and criticized as a negative poetic example. But students would rather like to read these poems than his later philosophical poems. Maybe these early poems are more attractive to them because the dim yearning, homesickness and mysticism evoke their young emotion. But I think there is a more important element to attract reader's interest, that is the physical sense. The sense - sensory feeling gives a kind of elasticity of energy to Yeats's early poems. Without this sense, these poems would have degraded as those of dim exclamation about lost love or escape from the world. To study Yeats's sense we need to research some other poets who could affect young Yeats, and compare them: Keats and Hopkins. There are many good examples of sensory feeling in their poems. Thus I see a kind of affective relationship between them and realize this sensory feeling is a very important element of English poetry which we hardly find in Korean poems.

이 논문은 Yeats의 두편의 초기시를 분석한다. Yeats는 학자들 사이에 잘 알려져 있듯이, 자신의 시에 끊임없이 수정을 가하였다. 대부분의 학자들은 마지막에 Yeats 자신이 수정하고 배열하여 간행한 The Collected Poems를 “final”한 것으로 간주하며, 당연히 여기에 실린 시가 초기의 것 보다 우수 한 것으로 간주하는 경우가 많다. Richard Ellmann의 분석도 예외가 아니었다. “The Ballad of Moll Magee"는, 그에 의하면, 열등한 시이나, 본 논문에서 분석한 바로는 그의 주장이 옳지 못함을 보여준다. 특히, “The Ballad of Father Gilligan”에서 Yeats가 들춰내려고 한 종교의 가식을 풀어낸다. 이 시는 Yeats에게서는 좀처럼 보기 힘든, humor가 흥미롭게 담겨있다. Gilligan 신부는 신앙심이 무척 두터우면서도, 극히 인간적인 것으로 묘사된다. 임종을 지키는 신부의 일이 지나치게 많아지자 심신이 피곤해져, 자신도 모르게 불평하고, 다시 깜짝 놀라 하나님께 사죄한다. 이러한 Gilligan의 인간적 면모는 다시 한번 마지막 두 연의 기도에서 나타난다. 자의적으로 하나님의 뜻을 풀어 간 것에도 우리의 미소를 자아내게 한다. Gilligan이 자신도 모르게 빠져든 잠깐의 잠에서 놀라 눈을 뜨고 말을 달려, “새처럼 즐겁게”(as merry as a bird) 죽은 그 여인의 남편의 소식을 접하는 장면들의 묘사에서는 종교에 대한 Yeats의 풍자적 체취가 느껴지기까지 한다. 즉 앞 연들에서 보인 무의식적인 Gilligan의 인간적인 면모에 종교로 다듬어진 Gilligan의 의식을 대비시킴으로써 이러한 종교적 가식을 들춰 내려한 것이 Yeats의 의도였는지 모른다. 왜냐하면, 마지막 두 연에서 이 두 의식이 두 행씩으로 대비되어 있는 것을 미루어도 알 수 있는 사실이다. 결론적으로, 이 논문에서 다루어진 Yeats의 초기 시들은 일부 평론가들의 주장처럼 열등한 시가 아니다. 도리어 수정하지 않은 시들에서 보다 더 미묘한 시적 묘미가 더 살아 있는 것 같다.

In order to appreciate Yeatsian poetics it is important to consider the fact that Yeats poses his own self with masks, which are represented as his poetic persona in his poetry. It is also necessary to consider that the majority of traditional Yeatsian critics have different opinions about the differences between Yeats's early and later poetry. To a larger extent, Yeatsian criticism has argued that Yeats's early poetry diffuses some index of femininity -- ornament, detail, dreaming atmosphere, and so on and lacks reality, intellect, 'masculine,' and 'salt.' And many of the critics frequently condemn it as bad poetry on the basis of the argument that it is full of feminine profusion that obscures the reality. From the traditional viewpoints, however, his poetic persona give some insights into a certain way of appreciating his early poetry. First of all, Yeats's female persona in his early poetry belongs in the literary current at the end of the 19th century. In this perspective the persona and the characters in his works of this period have some common features in pursuit of an imaginary world, such as an uncivilized, primitive or mythic world. The pursuit of the imaginary world of male characters in Yeats's early poetry parallels the real and active female persona. Most of the female persona in Yeats's early poetry have consistent and real perspectives on their reality, and are firmly founded on their world. Nashina in The Island of Statues and Niamh in The Wandering of Oisin are very active and have firm purposes. By contrast, the male characters, such as Colin, Thernot, Almintor, and Oisin, hesitate for their love and are ‘enwound' inactively by their counter-characters. The other point to consider in order to appreciate Yeats's early poetry is his treatment of female beauty. Traditional love poems deal with female beauty as a thing that passes away like any other thing in this world, and in a threatening tone argue that it should be used at its prime times. In Yeats's love poems, however, female beauty is presented as a power to fascinate and urge men to act. The attitude of these female persona and characters in his early poetry develops and makes ‘Crazy Jane' character possible in his later poetry.

본 논문에서 필자는 예이츠의 초기시에 나타난 신화를 가면으로 보고, 그가 왜 초기시에서 신화의 인물들을 자신의 가면으로 사용하는지를 라깡의 ‘구술치료’를 원용하여 밝혀 보고자 하였다. 본 논문에서는 특히 아일랜드 신화가 투영된 시들을 분석하였다. 예이츠의 신화 사용에서 주목할 점은 그가 신화를 변용하였다는 것이다. 이것은 곧 시인이 신화를 변용함으로써 자신의 어떤 의도를 거기에 투영하였다는 것이다. 초기시에 나오는 신화의 인물들은 세 부류로 나뉘어진다: Fergus and King Goll, Aengus and Oisin, and Cuchulain. 퍼거스와 골왕의 신화는 젊은 시인의 시적 추구의 한 모습을 나타내며, 앵거스와 어신의 신화는 모드 곤과의 사랑의 드라마를 투영한 것이며, 쿠훌린은 시인이 바라는 이상적인 영웅상을 그린 것이다. 예이츠는 이러한 신화의 이야기를 통해 현실에서 바라지만 쉽게 이룰 수 없는 욕망들을 투영하고자 한 것이다. ‘Unity of being’은 예이츠가 평생동안 추구한 화두이다. 초기시에 나타난 신화의 인물들도 모두 이 주제로 통합될 수 있다. 시인은 이상적인 자아와 실제의 자아 사이에서 끊임없이 갈등하였다. 식민지 조국에 대한 갈등, 이루어지지 않는 사랑에 대한 갈등을 겪어야 했다. 현실에서의 좌절을 극복하고 결핍을 채우기 위해 시인이 택한 것은 가면이었다. 이를 통해 시인은 자신의 바라는 바를 충족할 수 있었을 것이다. 그러나 시인이 바라는 가면을 쓴다고 할지라도, 실제의 자아와 이상적인 자아와의 틈은 영원히 채워질 수 없다. 끊임없이 다다르려고 할 뿐 쉽게 이를 수 없는 예이츠의 장미와 같다. 그러나 이러한 욕망과 결핍의 드라마 또는 비극성이 시인에게는 오히려 창조의 힘이 된다. 그렇기에 시인이 택하는 가면은 완전한 해결책은 아니었을지라도, 최선의 해결책인 것이다. 그런 의미에서 예이츠의 초기시에 등장하는 가면들은 보다 나은 reality 또는 unity of being에 이르고자 하는 시인의 시적 추구의 도구인 것이다.

엘리엇은 1927년 영국카톨릭으로 개종하면서 본격적으로 기독교에 귀의한 모습을 보인다. 하지만 엘리엇이 자연주의적 세계관에 불만을 품고 형이상하적 가치를 지향하는 성향은 ｢프루프록의 연가｣이전부터 발견된다. 엘리엇의 화자들은 스스로 확신이 부족하며 행동장애를 가진 인물로 등장하지만 이런 성격은 세속적인 가치를 지향하는 다른 등장인 물들과 세태에 대한 비판의식과 맞물려있다. 이 논문에서는 엘리엇의 초기시에 이미 그의 형이상적 지향성이 풍부하게 된다는 전제아래 다음과 같은 점을 살펴보았다. 먼저 ｢프루프록의 연가｣의 화자를 비롯한 초기시의 화자들이 모두 인간관계에 실패하고 있는데 그 이유는 그들이 관계하는 대상들과 다른 세계관을 가지고 있어서이다. 가장 본질적인 문제로 고민하는 화자들은 세속적인 가치에 몰입하는 다른 등장인물과 어울리지 못하고 있다. 또한 엘리엇은 죽음의 문제에 대해 많은 관심을 보이는데 사후의 문제 대한 자연주의적 견해에 냉소적인 모습을 보인다. 이는 기독교적 세계관을 상실한 상황에 대한 반발로 이해된다. 그가 신화적 방법론을 주창한 것은 시적 제제들을 종교적 위계질서 내에 배치하려는 시도로 읽힌다. 마지막으로 엘리엇이 그의 시에 무의식을 도입하려 한 시도는 심리학에서 종교적 경험의 근원인 무의식을 탐구하려는 시도와 일맥상통하는 요소로 볼 수 있다. 이처럼 엘리엇의 초기시에는 혁명적인 새로움과 더불어 형이상학적 지향성이 나타난다.

1920년 이전의 엘리엇 시의 두 가지 심리적 특징은 환상과 좌절이며 여기에 원인과 과정으로 여성(성)이 깊이 개입하고 있다. 이 시기의 화자들은 여성들의 반응과 그들과의 관계에서 의해 자기를 이해하고, 스스로에 대한 가치를 매기며, 이 태도는 여성들과 관계없는 일에까지 영향을 미친다. 이들은 저항할 수 없이 여성들에게 끌리지만 예민한 자의식속에서 여성들에게 받아들여질 수 없을 것이라고 예단하며 더 이상의 관계를 추구하지 못하는 나약한 모습을 보인다. 이 같은 정체감은 화자들이 의식하고 있는 보다 근본적인 문제에 대한 접근 노력을 사전에 차단하는 효과를 보이기도 한다. 화자들이 겪는 이 같은 곤경은 당시 시인이 겪었던 성적인 욕망과 좌절, 보다 근본적으로는 시인에게 작용하는 어머니 원형과 아니마의 경쟁관계에서 비롯된 것으로 보인다. 아니마의 유혹과 어머니의 세계에 머물고 싶은 충동이 충돌하는 양상이 시에 반영되는 것으로 보인다. 하지만 『황무지』를 거쳐 『재의 수요일』에 이르면 시인은 활발하게 여성성과 활발하게 교류하며 종교적 행로를 모색하게 된다. 이 글에서는 엘리엇의 초기시 몇 편에 나타난 환상과 좌절을 여성과의 관계라는 측면에서 추적해 보았다.

엘리엇의 여성관은 늘 논쟁의 중심에 서 있었다. 특히 엘리엇의 전기적 사실이 부각되던 시기에는 그의 시에 등장하는 여인들을 여성혐오주의의 희생양으로서 해석하는 경향이 있었다. 엘리엇은 모든 시의 출발은 사적 경험이라고 하였으니 시에 등장하는 여인들이 그의 삶에 등장했던 여인들과 불가분의 관계일 것이 마땅하다. 그러나 몰개성시론이 반증하듯 엘리엇은 사적 경험을 분석·해체하여 객관적, 보편적 경험으로 승화시키려고 일관되게 노력하였다. 비록 시대적인 한계와 개인적인 편견에 기인한 가부장적 어조와 관점이 다소 남아있다 하더라도 엘리엇의 시에 등장하는 여인들은 개인의 경험과 관점을 넘어선 시적, 상징적 인물로서 기능한다. 여기에 엘리엇 특유의 자기조롱 및 극적아이러니가 작용하여 이들 여인들의 성적, 젠더적 정체성을 중립화시키고 남성 등장인물과 공감할 수 있는 기반을 형성해 나간다. 엘리엇의 여인들은 여성으로서 보편적인 인간의 한 축을 대변하는 한편, 그들이 겪어내는 고통을 매개로 다른 한 축인 남자들과 연결되어 있다. 이 두 성적, 젠더 주체는 고통의 대상인 동시에 주체로서, 한번 해체되면 새로운 통합과 구원으로 나아갈 수 있는 잠재성을 지닌다. 이 점에서 엘리엇의 여인들은 궁극적으로는 구원의 가능성과 희망을 염두에 둔 상징적 설정이다.