조셉 파사노는 상당한 학문적, 창의적 포트폴리오를 갖춘 다각적인 인물이다. 그는 하버드 대학에서 학업을 시작했으며, 수학과 천체 물리학을 공부한 후, 철학으로 학문적 궤도를 전환했으며, 특히 비트겐슈타인의 언어 철학에 중점을 두었다. 그 후 그는 마크 스트랜드, 루시 브록-브로이도, 리차즈 하워드와 같은 영향력 있는 멘토들과 함께 일하면서 콜럼비아 대학에서 시 대학원 공부를 했다. 이 인터뷰에서 조셉 파사노는 시적 능력의 참여와 그의 시에 대한 개인적인 관점에 대해 논의한다. 특히 파사노는 독자들이 자신의 시에 대해 부여할 수 있는 다양한 해석에 대해 개방적인 입장을 보여준다. 더욱이 그는 작가로서 자신의 개인적, 직업적 발전에 대한 통찰을 공유하며 이 여정을 ‘생존 방식’으로 규정한다. 시와 소설에 대한 그의 창작 노력의 근간을 이루는 중심 모티브는 ‘개인적인 것과 역사적인 것’을 연결하려는 필요성이다.

조제프 말로드 윌리엄 터너의 <노예선>은 인간 경험의 극적이고 감정적인 측면을 포착 하는 사례다. 1840년에 완성된 이 작품은 격렬한 폭풍 속에서 노예가 된 아프리카인들이 배 에서 밖으로 던져지는 비인간적인 장면을 묘사한다. 또한 이 작품은 대서양 횡단 노예무역의 잔인성과 경제적 이익을 위한 인간 착취의 윤리적 의미에 대한 회화적 증언이다. 그러나 노 예무역의 열악한 환경은 종 호 사건은 물론 노예무역을 둘러싼 복잡한 법적 문제를 발생시 켰다. 본 연구는 <노예선>이 ‘노예제 폐지’나 ‘노예무역폐지’와 같은 사안들과 결합하는 과정 에서 파생되는 메시지를 어떻게 시각적으로 형상화시키고 있는지를 사회사적 관점에서 분석 한다. 이를 통해 노예제도에 함축된 정치경제적 맥락과 작가의 조형 의식 형성 간의 관계성 을 조명하여 터너의 작품 세계에 대한 기존의 인식론적 지형도를 확장시키는데 집중한다.

본 논문은 이탈리아 태생의 미국화가 조셉 스텔라의 1910-1920년대 작품에 나타난 종교성에 대한 연구이다. 스텔라는 뉴욕의 도시풍경을 묘사한 대표작 <빛의 전쟁, 코니 아일랜드, 마디 그라 Battle of Lights, Coney Island, Mardi Gras>(1913-1914)와 <해석 된 뉴욕 도시의 음성 The Voice of the City of New York Interpreted>(1920-1922) 등으로 잘 알려진 미국의 미래주의 선구자로 평가되고 있다. 스텔라는 산업도시 이외에도 여성 누드, 마돈나, 식물 등 다양한 주제와 양식으로 풍성한 다작을 남겼다. 그러나 대부분의 스텔라 작품 연구는 미래주의 시각에서 아주 짤막하게 소개되었고, 간혹 정밀주의에서 스텔라의 이름이 언급되지만 그 관계는 매우 미미하다. 그렇다면 어떻게 스텔라의 작품 속에 내포된 의미에 접근해야할 것인가. 스텔라는 1896년에 도미(渡美)하면서 대도시 뉴욕의 모습에 압도되었다. 그는 산업적 풍광에서 심미적이고 위대한 아름다움을 느꼈으나, 이내 건물에 가려진 햇빛과 주변의 노동자와 이민자들의 현실은 망향(望鄕)이 깊어지고 내면적 감정을 작품에 투영하게 했다. 스텔라가 간직한 고향 풍광은 교회종탑이 있었고 이는 그리움과 종교적 근원처럼 그의 무의식을 지배했다. 따라서 스텔라는 대도시 뉴욕의 수직적 공간에서 발생한 양가 적 감정을 천상과 소통하려고 하는데 유연한 접근이 가능했다. 스텔라는 브루클린 다리를 본 순간, 다리의 본질적 기능인 통로를 떠올림과 동시에 과거의 대성당이 그 시대의 상징물이었던 것처럼 현대 기계시대의 상징물로 보았다. 그는 브루클린 다리를 배경 속의 부수적인 역할로 등장시킨 당대 예술가들과 달리 지상과 천상을 연결하는 통로로 사용하여 감상자를 신성의 면전에 세울 수 있었고, 이를 통해 종교미술에 내포된 신성함과 경건함 등의 감정을 드러낼 수 있었다. 이러한 스텔라의 노력은 전형적인 현대 도시, 뉴욕 자체를 묘사하면서 더욱 강화되었다. 스텔라는 거대한 크기의 <해석된 뉴욕 도시의 음성>에서 종교 제단화 구조의 서사적 구성으로 맨해튼을 상징하는 장소들을 가시화하고 유랑하는 듯이 정신적 체험을 유도할 수 있었다. 1910-1920년대 스텔라의 대표작 속에서 종교성은 갑작스러운 것이 아니라, 가톨릭 문화권에서 유년시절을 보낸 스텔라에게 내재되어 있는 가톨릭 유산이 나타난 것이자 점진적으로 정신적 통합을 고취시킨 것이다. 스텔라는 기계문명을 찬미하는 세속적 주제와 종교성을 결합하여 캔버스를 정신적 감동으로 승화시켰고, 이것은 모더니즘 양식에 기초하면서도 정신적 가치를 시각적으로 구현하여 표현하는데 적합하게 작용했다. 따라서 본 논문에서는 스텔라의 1910-1920년대 뉴욕 이미지를 통해 종교성이 내포된 것을 확인할 수 있었다. 본 연구는 스텔라의 작품에 대한 기존 연구가 미흡한 것을 고려할 때 대표 작품을 종교성이라는 주제에서 재조명하고 스텔라 연구의 영역을 확장했다는 점에서 의의가 있다.

He was able clearly examine his personal background, his ability to devote himself to the Jeju region by checking the characteristics of his hometown and his general history revealed in his genealogical records. This reflection was made through communication with Bishop René Dupong(September 2, 1929~now) of the same missionary group who arrived in Korea two years after father Emile Taquet, both were members of the Paris Foreign Missionary Church. Recently, Bishop René Dupong visited Paris in person. However, due to the ageing population of librarians at the Paris Foreign Missionary Church, data was not available. But on the way out of Paris, his nephew, who was studying history, made him search for the genealogy.

18세기 프랑스 지식사회에서 신앙의 자리를 대신하여 철학과 과학 그리고 예술이 새로운 관 심과 연구의 대상이 되었다. 이성주의 관점에서 예술은 인간 정신 활동의 산물로 간주되었고 각 시 대의 문화를 대변하는 상징물로 인식되었다. 이 시기 프랑스의 지식인들은 예술을 통해 인류 문명 의 발전 과정을 분석하려 했으며 예술이 인류 문명사를 조망하고 각 시대의 지적 단계를 판가름하 는 주요한 근거가 된다는 생각 하에 미술을 학술적으로 접근하는 태도를 출현시켰다. 특히 18세 기 이탈리아 남부에서 이루어진 고고학적 발견은 고전 미술에 대한 전반적인 시각의 변화를 가져 오며 고전 시대와 고전 미술에 관해 연구하는 고고학과 미술사학의 성립을 유발하였다. 이와 더불 어 1760년대 프랑스 미술계에서 고전 취향의 확산과 고전 미술의 해석을 둘러싼 다양한 논쟁들은 조셉-마리 비엔으로 대표되는 당대 그리스 스타일의 화가들, 즉 신고전주의 1세대 작가들의 출현 과 밀접하게 연계되어 있다. 본 논문에서는 이러한 이성주의 세계관과 연계되어 형성된 프랑스 지 식 사회에서의 고전에 대한 관심과 1760년대 파리 화단에 등장한 고전 취향을 반영한 예술 작품 들 간의 연관성에 관해 고찰해보고자 한다.

아일랜드의 모더니스트 시인 W.B. 예이츠와 트리니다드 출신의 영국흑인 시인 안소니 조세프와의 비교는 예외적일 수 있다. 예이츠는 핵심적 하이 모더니스 트 시인들 중 하나이며, 조세프는 당대 “영국 흑인” 문학의 아방가르드적 변두리의 혼합장르 작가로 인식되고 있다. 그러나, 이 두 사람은, 특정 기법의 사용, 주제, 신화와 과학적 은유와 결부된 목표 등을 비교하면, 의외의 공통점이 나타난다. 이런 공통 점은 모더니스트와 포스트모더니스트의 서정시의 가능성을 확장시켜 전통적 장르의 구분을 뛰어넘게 한다.

이 논문은 성경 속의 내러티브를 신의 섭리라는 관점에서 바라보면서 이야기가 어떻게 논리적인 일관성을 유지하며 성경 전체의 틀에 맞춰지는지를 분석한다. 창세기에 기록된 요셉의 이야기는 기독교에서 말하는 구속사의 중요한 일부분을 차지할 뿐 아니라, 사건의 전개과정으로부터 절정에 이르기까지 뛰어난 문학적인 요소를 담고 있는 성경에서 가장 예술적이고 완성된 작품으로 간주된다. 특히 요셉의 내러티브는 신학적으로 난해한 주제인 인간의 자유의지와 하나님의 예정이 어떻게 상충하지 않고 상호보완적인지를 보여주는 대표적인 이야기이다. 또 형들에 의해 애굽에 노예로 팔려간 요셉은 추방당하는 영웅으로서 그가 꾸었던 꿈 혹은 꿈에 나타난 예언이 그대로 이뤄지는 전형적인 고대 추방문학의 주인공 역할을 한다. 여기서 요셉을 애굽에 팔아넘긴 형들의 범죄가 이후 그들 가족과 애굽 및 주변 백성들을 극심한 기근에서 구하고 요셉을 애굽의 총리로 만드는 기초를 제공한다면, 인간의 죄악을 언약의 성취로 이어지게 만드는 하나님의 섭리는 세상을 전지적 관찰자의 시점으로 바라보고 조정하는 문학적인 요소를 가지고 있다고 말할 수 있다. 이런 점에서 이 논문은 요셉의 내러티브를 통하여 인간의 죄악을 궁극적인 선으로 인도하는 신의 섭리를 분석하고 그 논리적 일관성을 살펴봄으로써 성경 이야기의 문학적인 의미를 되짚어본다.

미나르는 19세기의 가장 창의적인 지도제작자로 알려져 있다. 그러나 그의 지도에 대한 연구는 지도학분야에서는 거의 이루어지지 않고 있다. 본 연구에서는 미나르의 지도의 지도학적 특성과 그의 지도가 주제도 발달에 미친 영향을 고찰하는 것을 목적으로 한다. 이를 위해 먼저 미나르의 지도가 19세기 주제도 발달사에서 가지는 의미를 고찰하였다. 그의 형상적이고 개락적인 지도는 프랑스의 국토정책 의사결정을 위한 것으로 지도학적 정확성보다는 신속하게 인지가 가능하도록 일반 메시지 전달에 중점을 두고 제작되었다. 둘째, 미나르 지도 중 유선도와 단계구분도와 도형표현도, 그리고 나폴레옹의 1812년 러시아 원정 지도의 지도학적 특성을 살펴보았다. 셋째, 미나르의 지도가 이후의 주제도 발달과 지리적 시각화에 미친 영향을 살펴보았다. 미나르는 유선도와 파이 원 지도를 발전시켰는데, 그의 지도 제작 방식은 이후의 프랑스 통계 지도첩 제작에 직접적인 영향을 미쳤다.

The main aim of this study is Joseph Cornell’s (1903-1972) box construction ofPenny Arcade Portrait of Lauren Bacall, and how the designing process fromproduction of the film to the screening embodied in a box the centre of Cornell’sgeneral interests: Penny Arcade Machine, Cinema and Actress, and to bring out itsvisual meaning with a cinematic view.Joseph Cornell was a Dutch American artist who had produced works of art usinga variety of forms of media such as collage, assemblage and film-making sincel930’s. As abstract expressionism was becoming the trend in art in America, he wasvigorously devoting his artistic talents to the making of a box construction whichwas regarded by some as ‘strange’. Ironically, Cornell’s major features: repetitivecomposition of adopted images and use of object were transformed into modern artafter the l960’s, and this illustrated his irresistible influence. His box constructionwas the centre of attention of both artists and art critics. Cornell’s box, which wasschematized compositing with collages of copied famous paintings and photographsin the box were sporadically made with no consideration of certain periods; themeslike his series of boxes:the Soap Bubble Sets, the Ballet, the Medici Slot Machine,and the Bird Cage from the l930’s to l950’s. The Penny Arcade Portrait of Lauren Bacallis evaluated as his masterpiece,which demonstrates his artistic values and his interpretation of the world as if hiswhole life was displayed in his own individual exhibition: Romantic Museum, at theHugo Gallery-Portraits of Woman in l946. Whilst Cornell was engrossed in MediciSlot Machine series, he became fascinated by the leading Lauren Bacall after he hadwatched her performance in the film ‘To have and have not’(1944) rather than beinspired by the movie itself. This brought him to start work on The Penny ArcadePortrait of Lauren Bacall.The most significant point in this work is to show its morphological featurethrough the motive, and through his record of the work. In other words, Cornell hadleft a dossier about Bacall from earliest beginning until 1970, two years before hisdeath. On the basis of the records, this research will describe the process of how heimported the structural features of Penny Arcade Machine which is the original formof film, and other filming techniques into this work. This also divided into Mise-en-Scene editing and showing aspects from filming to screening. First of all, Mise-en-Scene, which includes camera angles, movement and framing in a movie shows howrestraint photos in the frame was reconstituted in a formative way, and withreproduction of time, space and the controlling of distance between spectators.Secondly, editing confirms that each frame has a big effect on vision and brings asatisfactory result as interpreted frames by Mise-en-Scene are closely connected.Needless to say, predictable flow of works formed with narrative, generallydevelops with panoramic formation. Whilst Penny Arcade Portrait of Lauren Bacalldoes not have a clear direction or narration nor substance and was not summarizedas a special event, however, Cornell expanded the narrative by use of a montage, anda cross-cutting technique in his film.Lastly, The Screening, which is the core of this research, ‘Screening’does not refer to the practical meaning of showing. ‘Screening’at this point is a descriptiveword for basic installation, stimulation of illusion and, effectively, realization. Theapplied materials of the effective screen are that the first interlocking device in theform of Kinetoscope - as if pieces of film are moving, the second, ball in motion,and the third, Bacall’s close-up photo like a screen of film. Sorting through Bacall’sclose-up photographs, there are questionable facts which are evaded, trends in themovie, such as Bacall’s eyes towards the spectators; frame in frame, and exposingglasses as it stands. These features represent self reflection in a film, which meansan awareness of unrealistic illusion.Cornell tells us about the unrealism, and the fact that it is only installation whichleads people to look at fantasy, and intended vision by the use of self-reflection, as ifexposing that which lies beneath a mask. Through the characteristic of self-reflection in the media, Cornell presumably expressed his regret at the controversialremarks about Bacall as sexual material according to the opinion of the Researcher.

본 연구는 엘리엇의 제국이 언제나 “이상”이었다는 커모드나 마샬의 주장과는 달리, 엘리엇의 제국은 “현실”이었음을 증명하기 위해, 엘리엇이 중요하게 여긴 두 명의 작가, 러디어드 키플링과 조셉 콘래드에 대 한 그의 평가를 살펴보고자 한다. 키플링은 엘리엇이 평생 좋아했던 작가였으며, 콘래드는 『황무지』와 ｢텅 빈 사람들｣의 제사를 제공했던 작 가였다. 엘리엇은 이 두 작가가 제국주의에 대해 다른 입장을 갖고 있었다는 것을 잘 알고 있었다. 젊은 시절의 엘리엇은, 제국주의와는 전혀 관계없이, 두 작가를 문학의 잣대로만 평가를 했다. 그는 키플링을 가까스로 위대한 작가로, 콘래드를 위대한 소설가라고 평가했다. 그러나 노년의 엘리엇은 반제국주의자였던 콘래드에 대해서 거의 언급하지 않았으나, 제국주의자였던 키플링의 시 선집을 출판하고, 그를 옹호하는 글을 썼다. 그리고 이 글에서 엘리엇은 키플링이 대영제국에 대해 취한 입장의 의미와 의의를 자세히 설명하고 있다. 위 사실에 근거하여, 본 연구는 엘리엇이 제국주의에 대해 상반된 입장을 취한 키플링과 콘래드 를 어떻게 이해했는지, 그가 두 작가와 제국주의에 대한 평가가 어떻게 변했는지 살펴보고, 그 의미와 의의를 살펴보고자 한다.

이 글이 주목하는 문제는 바흐연구와 신음악학과의 관계에 관한 것이다. 음악학의 지류 중 가장 보수적이라 평가받는 바흐연구는 과연 신음악학과 관련이 있는가 또는 없는가라는 질문을 다루고 있다는 의미이다. 1985년 미국의 음악학자 커만은 자신의 저서, 『음악을 생 각한다』를 통해 당시 음악학의 연구대상과 방법론 등을 비판하고 이것을 넘어서는 새로운 패러다임을 제시하였다. 커만이 제시한 새로운 패러다임은 커만 스스로에 의해 비평, 그리고 이후 학자들에 의해 신음악학이라 명명되었다. 그러나 과연 신음악학이 바흐연구에도 침투 하였는지, 또는 하지 못하였는지 논의하고 있는 연구는 찾아보기 어렵다. 이 글은 이러한 질 문을 염두에 두고 1950년대 이후 바흐연구가 지나온 행적을 분석함으로써 신음악학의 영향 력을 진단하려 한다.